Los
oficios artísticos relacionados con el vidrio se relacionan
principalmente con las vidrieras, aunque existen otras expresiones
que utilizan este material, tal como la escultura.
Las vidrieras fueron utilizadas hasta el s. XIX principalmente por las iglesias, con fines decorativos y pedagógicos.
Es entonces cuando el movimiento Arts & Crafts recupera este material para llevarlo al ámbito civil, no sólo en forma de vidrieras, sino también en objetos de diseño: joyería, lámparas, esculturas, etc.
Esta influencia tuvo una clara repercusión en el Art Nouveau, cuya versión catalana es el Modernismo, que tuvo un gran desarrollo en nuestra región.
Grandes artistas como Toulouse-Lautrec y Chagall diseñaron increíbles vidrieras.
Louis Comfort Tiffany fue uno de ellos, quien además creó una técnica nueva para ensamblar las piezas de vidrio, especialmente útil para lograr volúmenes. También investigó la fabricación de vidrios nuevos, que imitaran a piedras semipreciosas, logrando una variedad de colores nunca antes vista.
Otros grandes creadores han dejado atravesar sus obras por la magia de la luz, como Matisse, Léger, Pierre Soulages, el extraordinario Narcissus Quagliata, o el inconfundible Dale Chihuly.
También arquitectos como Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer, Jean Nouvel, o Norman Foster, han utilizado el vidrio de forma funcional, aprovechando sus características expresivas.
Universidad de Yale. Louis Comfort Tiffany
Palau de la Música, Barcelona
Formosa Boulevard Station Metro, Narcissus Quagliata
Es así como al día de hoy se trabajan mayormente dos técnicas: el emplomado tradicional y la técnica de Tiffany.
En el primer caso se trata del ensamblado de las piezas de vidrio a través de una flexible cañuela de plomo, siguiendo los patrones de un diseño previo. Algunos de los vitrales requieren pintar previamente sus piezas con esmalte o grisalla, que luego serán horneados para lograr el efecto necesario.
Vidriera emplomada, vidrios pintados con grisalla y esmaltes
La técnica Tiffany utiliza otro sistema para unir sus piezas: las rodea con una cinta autoadhesiva de cobre y luego las suelda con estaño. Esto permite lograr soldaduras más finas que son especialmente útiles cuando queremos trabajar con piezas más pequeñas.
Técnica Tiffany
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La ilustración se refiere al dibujo, estampa o grabado que adorna, documenta o decora un libro.
Las técnicas pueden ser múltiples,
pero están ceñidas siempre a la intención de explicar un texto.
El arte, en cambio, tiene la libertad
de basarse en lo que su creador siente, sin obligaciones.
A pesar de eso, hallamos a lo largo de
la historia del arte alusiones constantes a la literatura: mitología
y narrativa en general han sido temas recurrentes, y no por eso estas
obras han sido consideradas como ilustraciones.
Puede ser que entonces la separación
entre una y otra, si existiese, no esté necesariamente relacionada
con ese punto.
Es quizás la forma de expresarse la
que hace que una pintura o dibujo sea considerada como una obra de
arte o de ilustración.
Nos interesan especialmente los casos en los que esta división no está clara, o simplemente no existe: artistas que ilustran de una manera única, absolutamente original y con una fuerza expresiva tan grande, que todas las fronteras desaparecen.
Como ejemplo hemos escogido a Luis Scafati, Adolfo Arenas Alonso, Alicia Carletti y Pat Perry.
Luis Scafati experimenta con el dibujo en diversas variantes, el humor gráfico y el comic tiñen su imagen, desarrollando un estilo ecléctico donde confluyen diversas escuelas y técnicas, (tinta, lápiz, carbón, acuarela, témpera, pastel, transfer).
«Algunos creen que ilustrar es transferir un texto compuesto con palabras a una imagen hecha con líneas, manchas y colores.O sea que la función del ilustrador se reduce a traducir todo lo que dice quien escribe. Craso error, aunque esta concepción simplista está en el credo de muchos. Yo creo que quien ilustra amplifica el texto, le da otra perspectiva desde un lenguaje totalmente diferente.»
Adolfo Arenas Alonso es un artista sevillano que se especializa en el dibujo a lápiz. Sus decadentes personajes evocan la distinción de quien fue y dejó de ser. La elegancia caduca de una aristocracia en pleno ocaso.
Una belleza grotesca unida a una
extraordinaria minuciosidad, en donde a menudo aparecen ilustraciones
de históricas reproducciones pictóricas y escultóricas.
“Sine nobilitate, Stravaganzza”, grafito sobre papel
Alicia Carletti, artista
argentina alineada con el realismo mágico.
Su obra consta de una primera etapa de
casas anudadas “prisioneras, solitarias y pavorosamente vacías”,
como escribió Mujica Láinez. Le siguieron los hongos enormes, las
niñas vestidas con ropa de mujer, labios pintados y zapatos de
adultos. Su modelo predilecta era su hija.
En los años 90, las niñas comparten
protagonismo con el paisaje de flores y juguetes que las rodean.
Todo ello se emplaza
en ambientes boscosos de climas amenazantes, donde lo amoroso y lo
sexual están siempre latentes.
Pat Perry es un artista
estadounidense especializado en ilustración y grafitti.
Pinta con acrílico y óleo, y dibuja
con grafito, carboncillo o tinta.
Viajero empedernido que se define
también como activista social, cuya obra se ve influenciada por el
movimiento constante de su vida.
“Cada ilustración tiene su propia historia y significado, pero un motivo que trato de transmitir recurrentemente es el tiempo y lo precioso que es. Todo lo que nos rodea algún día se habrá ido y será olvidado, debemos cambiar el valor y el énfasis que le damos”.
8-http://www.thisiscolossal.com/ : excelente revista online sobre arte, ilustración, fotografía y todo tipo de proyectos artesanales y artísticos. En inglés.
Elegir las películas visualmente más impresionantes es una tarea difícil y absolutamente subjetiva.
La historia del cine está repleta de ejemplos en donde la fotografía logra la perfección, la banda de sonido es superlativa y las actuaciones, simplemente mágicas.
Nos hemos decantado por centrarnos en general en la actualidad, así como hemos dejado de lado las películas de animación, un mundo en sí mismo.
Esto da como resultado un listado que podría ser una guía de recomendaciones sobre directores, así como guionistas o intérpretes: una puerta abierta a descubrir nuevos mundos.
1- Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1982)
Documental en el que se muestran imágenes de gran impacto visual y emocional sobre el efecto destructivo del mundo moderno en el medio ambiente. Las imágenes van acompañadas por música compuesta por Philip Glass. El nombre de la película significa «Vida fuera de equilibrio» y es la primera de una trilogía.
2- Stalker (Tarkovsky, 1979 )
La película describe el viaje de tres hombres a través de un lugar postapocalíptico conocido como «la Zona», donde buscan una habitación que tiene la capacidad de cumplir los más recónditos deseos de una persona.
Tomas largas, intensamente elaboradas, intercaladas con diálogos filosóficos y poemas.
3- La chica del puente (Patrice Leconte, 1999)
Adele y Gabor se conocen en un puente de París; ella está a punto de suicidarse y él la convence para que no lo haga. A cambio le ofrece vivir a su lado, siendo el blanco de sus cuchillos en las presentaciones circenses que Gabor organiza.
Filmada en blanco y negro con escenas de una belleza increíble en la búsqueda de los juegos de luces y sombras.
4- Los sueños de Akira Kurosawa (Kurosawa, 1990)
Kurosawa, intenta concienciar a la gente sobre los errores que se están cometiendo usando el sonido y la visión como métodos principales de persuasión. Al parecer, los ocho sueños se suceden en diferentes tramos de la vida de Akira, a juzgar por el crecimiento de su principal protagonista a lo largo del film.
Los temas principales que aborda son: la infancia, la espiritualidad, el arte, la muerte, los desastres universales y los errores del hombre con respecto al mundo; todos los segmentos de la película muestran un lado literal y otro metafórico.
5- Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988)
Salvatore Di Vita, director de cine de éxito, se entera que su viejo amigo y mentor ha muerto. Vuelve a su pueblo natal para asistir al funeral de su amigo Alfredo, quien fue el proyeccionista del cine que había en su pueblo durante su infancia en Sicilia. Pronto, los recuerdos de su primer amor, sus juegos de niño y travesuras y todos los capítulos que marcaron su feliz infancia vuelven a su mente, reencontrando a Salvatore con la vida que abandonó 30 años atrás.
Este drama constituye un retrato sentimental de la Italia de la posguerra y una declaración de amor al cine. Inolvidable música de Ennio Morricone.
6- Amarcord (Federico Fellini, 1973)
Cuenta la historia de algunos personajes que viven en la ficticia ciudad de Borgo, basada en la ciudad de Rímini, ciudad natal de Federico Fellini, durante el período de la Italia fascista en la década de 1930.
Con la apariencia inicial de la típica película costumbrista italiana, no tarda en adquirir una dimensión de ironía, farsa y esperpento.
7- Laberinto (Jim Henson, 1986).
Labyrinth se distingue de la mayor parte de películas en que sus personajes están representados mediante títeres. Una adolescente llamada Sarah va a través de un laberinto extraño y mágico para recuperar a su hermano pequeño que fue secuestrado por un hechicero llamado Jareth y su ejército de duendes.
David Bowie interpretó al rey Jareth y escribió e interpretó algunas de las canciones.
La mezcla de escenografías cuidadas al límite, buenas actuaciones y una banda de sonido excepcional, dan como resultado una película que no debes perderte.
8- Manhattan (Woody Allen, 1979)
La película describe la vida de Isaac Davis (Woody Allen), un escritor de chistes para televisión, que ha pasado los cuarenta y que, tras dos fracasos matrimoniales, se entera de que su última esposa (Meryl Streep) publica un libro con los detalles de su vida sexual.
Es una mirada sarcástica sobre las relaciones de pareja en la clase intelectualoide neoyorquina (escritores y periodistas, principalmente), lo que sirve asimismo para establecer el perenne tributo de Allen a Nueva York, y más concretamente al distrito metropolitano de Manhattan.
Filmada en blanco y negro y acompañada por la soberbia música de George Gershwin, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por Zubin Mehta y por la Orquesta Filarmónica de Búfalo dirigida por Michael Tilson Thomas.
9- La sal de la tierra ( Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado, 2014)
Desde hace cuarenta años, el fotógrafo Sebastião Salgado recorre los continentes tratando de captar los cambios de la humanidad. Ha sido testigo de grandes acontecimientos que han marcado la historia reciente: conflictos internacionales, hambruna, éxodos, etc. Sin embargo, ahora decide visitar territorios vírgenes con grandiosos paisajes y fauna y flora exóticas. Se trata de un gran homenaje fotográfico a la belleza del planeta.
10- Dreamers (Bernardo Bertolucci, 2003)
París, 1968. Isabelle (Eva Green) y su hermano Theo (Louis Garrel), solos en la ciudad mientras sus padres están de viaje, invitan a su apartamento a Matthew (Michael Pitt), un joven estudiante americano, al que han conocido en un cine. Una vez en casa, establecen unas reglas para conocerse mutuamente, explorando emociones y erotismo a través de una serie de juegos extremadamente arriesgados.
Una banda de sonido excelente combinada con la belleza de los planos.
Diez películas hermosas, conmovedoras, con estéticas cuidadas hasta el último detalle. De distintas épocas, con diferentes facturas.
En algunas el tema es el arte, en otras el arte simplemente está presente permanentemente.
Imperdibles.
Los sueños de Akira Kurosawa, 1987.
Intenta concienciar a la gente sobre los errores que se están cometiendo usando el sonido y la visión como métodos principales de persuasión. Al parecer, los ocho sueños se suceden en diferentes tramos de la vida de Akira, a juzgar por el crecimiento de su principal protagonista a lo largo del filme.
Director: Akira Kurosawa
2. La joven de la perla, 2003.
La joven Griet entra a servir en casa de Johannes Vermeer. Éste, consciente de la intuición de Griet con la luz y el color, va introduciéndola poco a poco en el misterioso mundo de su pintura.
Director: Peter Webber
3. El vientre del arquitecto, 1987
Un arquitecto visita Roma junto a su esposa para participar en la organización de una exposición dedicada al arquitecto francés del siglo XVIII Étienne-Louis Boullée. Sin motivo aparente, comienza a sentir fuertes dolores en el vientre.Ante la desazón que le produce su situación laboral y personal, comienza a adentrarse en un camino de neurosis e introspección personal.
Director: Peter Greenaway
4. El artista y la modelo, 2012.
En un lugar de la Francia ocupada, no lejos de la frontera española, vive un viejo y afamado escultor, cansado de la vida y de la locura de los hombres. Sin embargo, con la llegada de una joven española que se ha fugado de un campo de refugiados y que le servirá de musa, renace en él el deseo de volver a trabajar y esculpir su última obra.
Director: Fernando Trueba
5. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, 2004
Joel es un hombre solitario y rutinario que un día decide, de manera impulsiva, iniciar un viaje en tren hacia una estación desconocida en Nueva York. Allí conoce a Clementine , una mujer impulsiva con un cabello de color azul. Pero todo lo que se presenta como obvio en este filme tiene un trasfondo imprevisto, y el espectador va descubriendo poco a poco que aquella no es la primera vez que Joel y Clementine se ven.
Director: Michel Gondry
6. La chica del puente, 1998.
Adele y Gabor se conocen en un puente de París; ella está a punto de suicidarse y él la convence para que no lo haga. A cambio le ofrece vivir a su lado, siendo el blanco de sus cuchillos en las presentaciones circenses que Gabor organiza.
Director: Patrice Leconte
7. Cinema paradiso, 1988
Salvatore Di Vita, director de cine de éxito, se entera que su viejo amigo y mentor ha muerto. Vuelve a su pueblo natal para asistir al funeral de su amigo Alfredo, quien fue el proyeccionista del cine que había en su pueblo durante su infancia en Sicilia. Pronto, los recuerdos de su primer amor, sus juegos de niño y travesuras y todos los capítulos que marcaron su feliz infancia vuelven a su mente, reencontrando a Salvatore con la vida que abandonó 30 años atrás.
Director: Giuseppe Tornatore
8.Blow up, 1966
La historia está basada en el relato de Julio Cortázar Las babas del diablo. El título en inglés Blow Up significa la explosión de una burbuja, aunque se entiende en la jerga fotográfica como una gran ampliación durante el revelado de una foto.
Director: Michelangelo Antonioni
9. La naranja mecánica, 1962
Se la considera parte de la tradición de las novelas distópicas británicas, sucesora de obras como 1984, de George Orwell, y Un mundo feliz, de Aldous Huxley.
El cine y el arte son quizás hermanos: en el primero podemos encontrar la forma de sumergirnos en el segundo y de entender mejor la vida y obra de los artistas.
En esta primera entrega nos centramos en 10 películas biográficas de artistas que registran con sensibilidad la historia que rodea a algunas de las mentes más creativas.
Esperamos que las disfrutéis!
1- Klimt (2006)
Retrato del artista austríaco Gustav Klimt, cuyos suntuosos y eróticos cuadros marcaron el estilo Art Nouveau de finales del siglo XIX y principios del XX.
Director: Raoul Ruiz
Actor: John Malkovich
2- Basquiat (1996)
Un joven pintor vanguardista que pintaba graffitis en Brooklyn llegó a ser uno de los personajes más controvertidos y famosos de la pintura contemporánea mundial, tras ser descubierto por Andy Warhol.
Director: Julian Schnabel
Actores: Jeffrey Wright, David Bowie, Dennis Hopper, Gary Oldman, Courtney Love, Benicio del Toro, Willem Dafoe
3- El amor es el diablo, estudio para un retrato de Francis Bacon (1998)
Aunque el guión está escrito a partir de hechos reales, el director, afirmó que no pretende ilustrar la vida del artista, sino que persigue aproximaciones, palpitaciones baconianas, y por momentos las alcanza. Las tomas, encuadres, iluminación, atmósferas, escenografías y formas nos transportan dentro de la imaginería misma de las pinturas de Bacon.
Director: John Maybury
Actor: Derek Jacobi
4- Exit through the gift shop (2010)
Thierry Guetta es un un francés que vive en Los Ángeles y cuya única obsesión es grabarlo todo con su cámara de vídeo. Poco a poco se va introduciendo en el mundo del arte urbano y llega a conocer a Banksy, el artista urbano más famoso de la historia.
Director: Banksy
Actores: Thierry Guetta (AKA Mr. Brainwash), Banksy
5- Vincent y Theo (1990)
Narra la profunda relación fraternal, llena de altibajos, entre Vincent van Gogh y su incondicional hermano Theo.
Director: Robert Altman
Actores: Tim Roth, Paul Rhys
6- El sol del membrillo (1992)
Es la historia del artista Antonio López que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol —un membrillero— que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio.
Director: Victor Erice
7- Exzesse (1981)
Describe la atormentada vida del pintor austríaco Egon Schiele -uno de los fundadores del expresionismo-, su adicción al sexo y al alcohol y la sucesión de tragedias sentimentales y humillaciones públicas cuando es acusado y detenido por pornografía.
Director: Herbert Vesely
Actores: Mathieu Carrière, Jane Birkin
8- Frida (2003)
Relata la azarosa vida de Frida Kahlo, pintora mexicana del siglo XX que se distingue por su obra surrealista, su compromiso político a favor del comunismo y su bisexualidad. La película se centra igualmente en la relación tumultuosa que mantuvo con su marido, el pintor Diego Rivera, y su relación secreta y controvertida con León Trotski.
Director: Julie Taymor
Actores: Salma Hayek, Alfred Molina, Geoffrey Rush
9- Surviving Picasso (1996)
Drama que retrata la vida del universal pintor, sus amores y pasiones. En 1943, la joven pintora Françoise Gilot conoce a Pablo Picasso. Durante los siguientes diez años será su musa y pareja, soportando sus caprichos y su extraño sentido del humor.
Director: James Ivory
Actores: Anthony Hopkins, Natascha McElhone, Julianne Moore
Narra la vida de Pollock, pintor estadounidense de compleja personalidad y adicto al alcohol. Junto a él aparecen su familia, y nombres relevantes de la cultura como de Kooning y Peggy Guggenheim. Pasa en muy pocos años de ser un completo desconocido, a convertirse en el artista estadounidense más relevante de su tiempo.
El vidrio artístico es uno de los materiales que actualmente se encuentra en peligro de extinción. Los distintos oficios que se requieren para trabajarlos son laboriosos y necesitan un periodo de aprendizaje más o menos largo, y una dedicación total.
En algunos casos se utiliza equipamiento costoso y la materia prima está desde ya lejos de ser económica.
Pero alrededor del mundo continúa viva una corriente que perpetúa su trabajo, con maestros talentosos que forman discípulos de calidad.
Estos videos recuperan y recopilan algunas de las técnicas más importantes del vidrio artístico, de la mano de grandes hacedores.
1- Stanislav Libensky y Jaroslava Brychtova: Escultura en vidrio.
Esta pareja checa se dedicó a trabajar en proyectos conjuntos. Él inventaba la forma, dibujándola en papel, mientras ella era la encargada de llevarla a la tridimensión con arcilla. Entre ambos elegían el color.
2- Narcissus Quagliata: Vidrieras y pintura sobre vidrio
Artista italiano afincado en México. Se dedica a realizar hermosas y enormes vidrieras con todo tipo de vidrios. También realiza pinturas sobre vidrio como obras exentas.
Otoño es una estación ideal para salir de paseo a visitar exposiciones.
La variedad es enorme y mientras nos alimentamos el espíritu nos protegemos de la lluvia y el mal tiempo!
Algunas de estas expos terminan en poco, por lo que hay que apurarse antes de perdérselas!
The Influencers 2016
Arte no convencional, guerrilla de la comunicación, entretenimiento radical. Todos los años vale la pena. Del 20 al 22 de octubre. http://www.cccb.org
Bruno Pontiroli y “Le sens du poil”
Pintura e ilustración unidas en obras muy trabajadas. Hasta el 30 de noviembre en Fousion Gallery. http://fousiongallery.com/
Ricardo Llopico e “Imaginarios”
Ilustraciones, pinturas y vidrieras hechas con amor al oficio e imaginación en cada trazo. Ampliada hasta el 3 de noviembre en Verdi Verd, un nuevo emprendimiento que apuesta por artistas jóvenes de calidad. http://www.verdiverd.com
Anthony Goicolea y “Simulacrum”
Creaciones que oscilan desde el paisaje manipulado digitalmente hasta el dibujo o la pintura al óleo. Hasta el 5 de noviembre en Galería Senda.
El óleo pastel o pastel al óleo está compuesto por pigmentos, ceras y aceite.
Es un material a caballo entre el dibujo y la pintura, ya que utiliza recursos de ambas disciplinas y su resultado varía dependiendo de la técnica que utilicemos.
En general es ideal para quienes disfruten del dibujo pero quieran lograr un efecto de pintura.
Los colores son muy vivos, siendo un medio perfecto para composiciones frescas y rápidas.
“Amor entre cachorros”, R.Pascual
Soportes: Se puede utilizar un papel de alto gramaje, tela tradicional al aceite (se conseguirá un efecto más parecido a la pintura al óleo), madera o papel de lija (una opción más agresiva pero bastante utilizada).
Procedimiento: Se comienza a dibujar con un lápiz blando intentando no raspar la superficie, ya que ahí no se fijará el óleo pastel. Luego se repasan esas líneas con el color principal que se vaya a utilizar, aprovechando para dar una primera capa muy suave y un tanto translúcida.
Trabajaremos por estratificación, con lo cual es importante planear antes los colores que utilizaremos ya que se corre el peligro de sobrecargar de capas al punto de ensuciar la obra. En esos casos se puede retirar lo que sobra con el dedo índice envuelto en un trapo o si es mucha cantidad, cuidadosamente con una cuchilla.
A medida que se agregan capas y colores, se van mezclando entre sí por fricción, o con el dedo (que fundirá con su calor al material) o con un algodón. También puede utilizarse aceite de trementina para lograr un parecido mayor a la pintura al óleo. Se trabaja igualmente para lograr difuminados. Hay artistas que usan el difumino para este fin.
Para obtener efectos de “empaste” se calienta un extremo del pastel y se aplica la pintura directamente o con una espátula.
Se pueden efectuar superposiciones de color y también raspados con la punta o con el canto de una espátula.
Los efectos conseguidos con los pasteles al óleo van desde la abstracción al hiperrealismo, pasando por el impresionismo o el estilo que se quiera, dependiendo de la habilidad e intención del artista que los maneje.
Finalmente, si se quiere se puede usar un spray secativo para acelerar su proceso natural o un barniz para óleo, que lo protegerá.
Si se enmarca, se recomienda hacerlo sin cristal o manteniendo una distancia considerable con la superficie del cuadro.
Septiembre es el mes para decidirse a empezar colecciones por fascículos, maquetas por piezas o cucharitas de avión robadas 🙂
Te proponemos intentar con el arte, funciona igual pero los resultados se ven desde el principio y dan más satisfacciones.
Además la matrícula en septiembre es gratis!
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Difícil tarea la de elegir sólo 10 libros de arte, ya que al valor de su contenido se une muchas veces el de sus imágenes o presentación.
Por eso nos decidimos partiendo de la premisa de considerar a aquellos que nos cambiaron definitivamente nuestra forma de ver, y que nos siguen acompañando en la actualidad. Aquellos libros a los que volvemos una y otra vez.
1. Cartas a Théo, Vincent Van Gogh: Vincent escribe a su hermano a lo largo de 20 años. Sus cartas son a la vez una una autobiografía y testimonio artístico único. La belleza de lo puro y lo real en el discurso y obra de un artista.
“Cartas a Théo”
2. El Arte, conversaciones de Rodin con Paul Gsell: Consta de una serie de conversaciones en donde opina sobre todo: la vida en general, el éxito, la naturaleza, el carácter original del arte, su ideal artístico, etc. Inspirador, analiza la mayoría de los temas que interesan a los artistas.
3.Tratado sobre la pintura, Leonardo da Vinci: Manuscritos fragmentados que se unieron luego de su muerte para lograr lo que debería haber sido el resultado de su empeño por refundir todas las formulaciones empíricas y todos los tópicos del Renacimiento, ordenándolos en un sistema universal. Una belleza en sí mismo, es a la vez útil para el artista figurativo.
4. Manual para el artista, medios y técnicas, Margaret Krug: Se analizan las técnicas de dibujo y pintura, explicándolas desde sus orígenes hasta la actualidad. Acompañándose de ejercicios paso a paso para estimular una exploración creativa. Libro de cabecera para aprender y enseñar.
5. La necesidad del arte, Ernst Fischer: Reflexión sobre la importancia del arte en el mundo actual. Busca las relaciones entre la imaginación creativa y la realidad social, sosteniendo que el arte verdadero debe reflejar su existencia y sus imperfecciones, y ayudar a cambiar y mejorar. Enfatiza la necesidad individual de comprometerse con la sociedad, su rechazo por el consumismo, la hipertecnologización, y su optimista y radical visión humana del esfuerzo del arte arte. Una ayuda insustituible para comprender la situación actual, social y artística.
6. De lo espiritual en el arte, Wasily Kandinsky: Se propone esencialmente despertar la capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas. Explica los conceptos que llevaron luego a la pintura abstracta reconociendo la relación entre pintura y música. Imprescindible para entender el arte moderno.
7. El camino del artista, Julia Cameron: Siguiendo el principio básico de que la expresión creativa es la dirección natural de la vida, Julia Cameron nos muestra cómo recuperar nuestra creatividad mediante un exhaustivo programa en el que nos enseña a superar los bloqueos mentales, como el miedo, los celos, las creencias limitadoras, las adicciones y otras fuerzas inhibidoras, y a reemplazarlos mediante la confianza artística. Un buen recurso para épocas de bloqueo.
8. La palabra pintada; ¿Quién teme al Bauhaus feroz?, Tom Wolfe: Describe el curso errático de la historia social del arte moderno, desde sus inicios revolucionarios -una revolución contra el contenido literario en las obras artísticas- hasta su estado actual, según él, una parodia de sí mismo.¿Quién teme al Bauhaus feroz? es una operación similar en el ámbito de la arquitectura, en donde los marxistas que huyen de la decadente Europa en guerra, son recibidos por la clase dirigente norteamericana y erigidos en eminencias. La historia del arte reciente contada en un tono irreverente y ágil.
9. La sintaxis de la imagen, Donis Dondis: Analiza los principios de la teoría de la composición gráfica a partir de los estudios científicos sobre percepción visual. Fundamental para artistas y diseñadores.
10. Conversaciones con Marcel Duchamp, Pierre Cabanne: Esta es la primera vez que el más fascinante y desconcertante inventor del arte contemporáneo acepta explicarse a sí mismo y explicar sus actos, sus reacciones, sus sentimientos, sus opiniones, de forma tan profunda y extensa. Necesario para entender al arte actual y conocer otra forma de vivir radicalmente distinta a la de la mayoría de los artistas.
A partir de aquí cada uno pensará en cuáles son sus libros favoritos, ya que como Jorge Luis Borges decía, “el verbo leer, como el verbo amar y el verbo soñar, no soporta ‘el modo imperativo‘”.
El tratamiento de la luz es uno de los temas más importantes en las artes plásticas.
De ella dependen el volumen y la expresión, el color y el impacto.
Cada periodo tuvo su uso particular de la luz, siendo natural o artificial, intrínseca (propia y generalmente homogénea) o extrínseca (iluminante y generalmente puntual).
Hasta el gótico (s. XIII) sólo encontramos luz propia: no existen efectos lumínicos ni contrastes.
Ábside de Sant Climent de Taüll (románico)
A partir del Renacimiento los artistas se esfuerzan en que sus pinturas sean más realistas, buscando una iluminación externa cuando sea necesaria y creando así mayores contrastes.
“La cena de Emmaús”, Caravaggio.
“La lechera”, Vermeer.
Al principio del siglo XX, muchos son los movimientos pictóricos que enfatizaron la luz natural como la mayor fuente de inspiración. Claude Monet con su obra “Impression, soleil levan”, inspiró el nombre del movimiento pictórico francés en 1860, “Impresionismo”, que representó en sus pinturas, la sensación que producía la evolución de la atmósfera creada por la luz, a lo largo del día.
Buscaban la luz y el aire y para ello prescindían de los contornos y del color negro. Las pinceladas son pequeñas y sueltas y el resultado es que parece haber atmósfera en lo representado. Pintaban sobre todo al aire libre, encontrándose con lo efímero y cambiante: el humo, el agua, las nubes, etc.
“Baile en el Moulin de la Galette”, Renoir.
“Talisman”, Serusier.
La luz artificial que proviene ahora no solo de las velas, sino además de la electricidad, es mirada por los artistas como elemento fascinante, inspiradora de nuevos temas de arte.
Emblemática en el movimiento surrealista, la pintura, del artista belga René Magritte (1898-1967) que exalta esta nueva invención, particularmente en su obra ” El Imperio de las luces”.
“L’impero delle luci”, Magritte.
Finalmente el desarrollo de la electrificación a partir de fines del s. XIX da lugar a la aparición de un grupo de artistas que realizan una actividad denominada Light Art (“arte de luz“), en donde la obra depende exclusivamente de la luz artificial.
“Your rainbow panorama”, Olafur Eliasson.
Sea como sea: natural, artificial, puntual u homogénea, la luz es el principio y el fin en el arte y los artistas seguirán buscando la manera de representarla dando vueltas en ciclos.
“The jellyfish family”, Jason Eppink.
« El único mérito que tengo es haber pintado directamente de la naturaleza con el objetivo de transmitir mis impresiones frente a los efectos más fugaces. »
La acuarela es un medio artístico que permite una libertad que a muchas otras técnicas les es negada.
Es ideal para los días de verano porque todo lo que se necesita es fácilmente transportable: una cajita de acuarelas en pastillas o en tubos, varios pinceles, una botellita de agua, un trapo y papel.
No por nada fue elegida a lo largo de la historia como favorita para la pintura al aire libre.
Sin embargo, podemos encontrarnos con dos estilos muy definidos: el más académico, con muchas reglas y que requiere un aprendizaje concienzudo y metódico; y otro más libre, en donde prima la expresión, dejando de lado prohibiciones.
Como ejemplo del primero tenemos a Edward Hopper y su “Adam’s House” de 1928.
Alejándonos de esa figuración tan precisa, nos acercamos a la mancha en la obra de Jeanne Larson y su “Landscape 14”.
A continuación podemos ver que artistas como Kathryn Keller Larkins se valen de la acuarela para pintar temas completamente nuevos, y la técnica se adapta a lo que ella busca, usando la mancha y la línea cuando le conviene. Su obra “LGA-LAX” es un buen ejemplo de ello.
Y finalmente el triunfo de la mancha y el color, en donde la abstracción o la figuración son categorías secundarias. Acuarela para disfrutar sin miedos: Georgia O’Keeffe y su “Sunrise”.
Anímate tú entonces con la acuarela, ya sea a partir de los conocimientos básicos adquiridos en un curso, como dejándote guiar por la experimentación, aprovechando este verano para probar esta técnica!
El verano es una excelente estación para dedicar al arte: tenemos días largos y soleados, a veces jornadas reducidas en el trabajo que nos permiten salir más temprano y una cantidad de temas inagotables.
Es por definición la época del buen tiempo y la abundancia.
Algunos de los temas más comunes durante el verano son:
** Escenas del calor y los medios para refrescarse (piscinas, playas, ríos…).
** Escenas con las vacaciones, los niños jugando y el descanso y relax de los adultos.
** Paisajes estivales, el disfrute de la naturaleza verde y llena de esplendor, las actividades al aire libre, los paseos por la playa y por el campo, los deportes y actividades de ocio.
** Bodegones con frutas y verduras maduras, las recolecciones y trabajos en el campo, la abundancia de alimentos.
** Representaciones figurativas de la propia estación estival.
La luz del sol es uno de los elementos más importantes muchas veces, porque es una luz muy fuerte, que llena toda la escena.
Las escenas de relax y descanso suelen ir acompañadas de atardeceres, tardes más frescas y por lo tanto, un conjunto de luces y sombras más equilibrado, siendo cálidas las luces y marcadas las sombras.
En los bodegones con frutas destacan los colores vivos y cierto tono cálido en la luz.
Esta es una de las preguntas más comunes a la hora de hablar de arte.
El “culto a los genios” ha hecho que pensemos que para ellos las ideas fluían sin ningún tipo de tropiezo, una especie de conexión celestial con la creatividad hacía que nunca se quedaran en blanco o supieran cómo avanzar.
La creatividad es la capacidad de generar nuevas ideas o conceptos, o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales. Es sinónimo del “pensamiento original”, la “imaginación constructiva”, el “pensamiento divergente” o el “pensamiento creativo”.
La creatividad, como ocurre con otras capacidades del cerebro como son la inteligencia, y la memoria, engloba varios procesos mentales entrelazados que no han sido completamente descifrados por la fisiología. Se mencionan en singular, por dar una mayor sencillez a la explicación. Así, por ejemplo, la memoria es un proceso complejo que engloba a la memoria a corto plazo, la memoria a largo plazo y la memoria sensorial.
El pensamiento original es un proceso mental que nace de la imaginación. No se sabe de qué modo difieren las estrategias mentales entre el pensamiento convencional y el creativo, pero la cualidad de la creatividad puede ser valorada por el resultado final. (Wikipedia)
Y así como se puede ver cuál resultado es creativo y cuál no, existen técnicas que ayudan a desarrollar la creatividad, especialmente cuando el artista se queda bloqueado.
En este sentido la mayoría de ellos coincide: la mejor forma de encontrar “la inspiración” es trabajando.
Algunas de estas técnicas son muy útiles y fáciles de aplicar:
Pinta un objeto de tu casa o trabajo: se deben evitar las fotografías, se dibuja del natural cualquier objeto. Entrenar la mente para ver la forma y entender cómo la ve, y cómo la mano representa lo entendido, es el principio del aprendizaje de la herramienta expresiva de los artistas visuales.
Haz un collage: no hace falta saber dibujar y con un poco de revistas, cola y tijeras puedes practicar.
Haz garabatos: dibuja sin la intención de que sea siquiera un boceto, prueba en una hoja, en dos, en tres…hasta que la idea comience a salir. Quizás sea una mezcla de varios elementos de los dibujos anteriores, quizás sea algo completamente nuevo.
Usa una herramienta nueva: dibujar un rostro detallado con un rotulador grueso puede no parecer una buena idea, pero crea un efecto que muchas veces nos impacta y nos hace pensar de una forma diferente.
Crea basura: una solución es ignorar el deseo de hacer algo perfecto y simplemente empezar a hacer algo. Una vez que está en marcha puede llevarse hacia esa perfección de la que no estaba tan lejos. La idea es perder el miedo.
Sibylle Peretti es una artista nacida en Alemania que trabaja entre su país natal y Estados Unidos.
Usa el vidrio como material de expresión, dándole forma con diversos métodos, logrando en ocasiones esculturas y en otras murales.
Si bien su técnica es impecable, no teme agregarle materiales “ajenos” como hilos o pintura. El objetivo es llegar a lograr una sensación única, difícil es que sus obras dejen indiferentes a alguien.
En su trabajo explora la falta de armonía entre los seres humanos, la naturaleza y nuestra incapacidad de lograr una unidad con el mundo natural, intentando descubrir mundos escondidos en donde esa armonía todavía exista.
Por eso sus motivos preferidos son los niños, ya que en ellos encuentra la vulnerabilidad y “un universo potencial de soluciones” , quizás místicas reconecciones con la naturaleza.
La belleza de los motivos, no siempre transparentes, la multiplicidad de recursos, la factura exquisita y la sorpresa, están presentes.
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De la serie “Being”, de Ricardo Llopico
