PROPÓSITOS CREATIVOS PARA EL 2018 Y CÓMO CUMPLIRLOS

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A todos nos resulta difícil comenzar el año después de un descanso prolongado. Pero además, los artistas tienen que enfrentar desafíos adicionales.

Por un lado, la mayoría de los artistas trabajan solos, lo que significa que crean sus propios incentivos. En el caso de los plazos de entrega que uno mismo ha creado, puede ser especialmente difícil inspirarse para trabajar.

Además, debido a que el trabajo es tan inherentemente creativo, la interrupción de la productividad puede causar un gran obstáculo en la inspiración.

Esto no significa que tienes que preocuparte por tu arte, porque lo que realmente hace la diferencia es el esfuerzo.

Así que te proponemos varias ideas y trucos que pueden ayudarte con nuestra verdadera “cuesta de enero”.

1- Asígnate a ti mismo tareas pequeñas, manejables. La parte más difícil del proceso creativo es comenzar. Una vez que comienzas a moverte, el resto fluye naturalmente.

2- Ver el panorama general. Esto podría sonar contradictorio, pero para poder dividir los retos en tareas pequeñas, es necesario que tengas una idea clara de qué es lo siguiente. Piensa en tu carrera. ¿En qué estapa estás? ¿A dónde te gustaría ir luego? Considera cuáles son tus técnicas y temas actuales. ¿Cómo podrías refrescarlos? ¿Qué dirección estás tomando? Una vez que tengas una sensación clara de dónde estás y dónde quieres estar, entonces podrás comenzar a pensar en cómo llegar allí.

3- Actualizar y mejorar tus materiales. Abastecerte de las cosas que necesitas es una buena manera de persuadirte a sentirte listo para trabajar de forma apropiada nuevamente. ¡Para muchos artistas la tarea de comprar materiales es en sí misma una inspiración! Ver los materiales en la tienda puede ayudarte a pensar en nuevos proyectos e ideas sin siquiera proponértelo. Y si no dispones de dinero, tampoco es un obstáculo: reúne todo tu material, tira lo que sirve, renueva lo que se puede recuperar y ordena todo.

4- Probar cosas nuevas. Si hay una nueva técnica o estilo que has querido intentar desde hace algún tiempo, maravilloso. Si no, este es el momento de experimentar. Al trabajar con algo nuevo, puedes aprender más sobre tus procesos establecidos y descubrir cómo mejorar tus métodos. Además, ¡es divertido experimentar! Así que prueba algunas variaciones de tus temas habituales, o incluso prueba un medio completamente distinto.

5- Nútrete de tu entorno: Esto podría significar caminar por tu vecindario, ir a conciertos o galerías de arte, o pasar tiempo con personas a quienes conoces. Cualquiera que sea tu decisión, al volver a la fuente de tu inspiración siempre encontrarás algo nuevo en qué pensar. Organiza encuentros con otros artistas que conozcas, bien sea para realizar talleres juntos o compartir tiempo en el estudio, o sencillamente para tomar una taza de café y charlar.

6- Mejorar el espacio: te ayudará a comenzar a concentrarte en tu arte de una nueva manera. Limpia y ordena todo de manera que sea fácil encontrar lo que necesites, cuando lo necesites. Limpia tus herramientas y organiza tus materiales de la manera que te resulte más intuitiva y práctica de acuerdo a tu forma de trabajar.

7- Hacer tiempo para tu arte. Bien sea que tu arte sea tu trabajo a tiempo completo o tu pasatiempo, si quieres que tu obra se desarrolle tienes que dedicarle tiempo. Esto significa apartar tiempo para tu trabajo creativo todos los días. Apaga tu teléfono, cierra la puerta, y coloca un cartel de “No Molestar” para que nadie te interrumpa. Obligarte a seguir un horario es la manera más importante de mantenerte avanzando como artista.

8- Un dibujo al día. No hace falta que sea una obra maestra ni que utilices demasiados materiales, con un lápiz o un boli es suficiente. Con que sea un boceto es suficiente.

9- Lee para expandir tus horizontes. Si te cuesta mantener la constancia o no sabes qué elegir, puedes unirte a las propuestas que hacen distintas editoriales o escritores, en donde se van mezclando los géneros a lo largo del año.

10- Escribe al menos 3 veces por semana. No hay reglas: pueden ser tus reflexiones matutinas, la enumeración de tus miedos y preocupaciones, tus objetivos del día o de la semana. Da igual. Saca de adentro lo que tengas.

Algunos trucos extras:

  • Con la ayuda de un organizador profesional, puedes planear muchas semanas con anticipación, y poner dicho calendario de tareas con fechas límite en el frigorífico. Descubrirás que cambiar tu forma de pensar y ser capaz de mantenerla es la clave del éxito. Recuerda que no se trata de una carrera de velocidad, sino de fondo, de una maratón.

  • Tardamos unos 21 días de media para que esa nueva actividad que nos hemos prometido cumplir con el nuevo año se convierta en un hábito. Sabemos que ese primer mes es determinante , porque también es cuando nuestra voluntad para continuar con ese propósito se quiebra.
  • Los propósitos son retos temporales y en tanto que efímeras hay que tomarlas como son y no la gran meta vital para la que uno lleva toda la vida preparándose. Y el éxito a la hora de salirnos con la nuestra también tiene mucho que ver con la importancia que les otorgamos a la hora de plantearnos esos propósitos, por lo que el lenguaje es también muy importante. Porque no es lo mismo marcarnos como reto el perder esos cinco kilos de más que pensar “voy a mejorar mi dieta a partir de ahora”. Cuanto más ambicioso nuestro reto, que no concreto, más complicado cumplirlo.

 

Fuentes:

https://www.agora-gallery.com/advice/blog/2016/01/02/10-propositos-de-ano-nuevo-para-darle-un-nuevo-comienzo-a-tu-arte/?lang=es

https://culturacolectiva.com/estilo-de-vida/los-mejores-propositos-de-ano-nuevo-para-las-mentes-creativas/

https://elpais.com/elpais/2015/01/01/icon/1420099627_584591.html

Marinas modernas o la fascinación por el mar

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ARTISTAS

El mar fue siempre fuente de inspiración para todo tipo de artistas.

Quienes vivimos en Barcelona sentimos su influjo, su sola presencia a pesar de no visitar la playa durante un tiempo largo.

Es por eso que hemos pensado en mostrar cómo lo viven y lo expresan los artistas actuales, en todo tipo de soporte y formato. Son nuestras «marinas» modernas, que siguen hablándonos del misterio del agua y la profundidad.

¡Qué lo disfrutéis!

Ana Teresa Barboza, Sin Título, bordado.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ben Young, escultura en vidrio y cemento.

 

 

 

 

 

 

 

Museo Atlántico, Lanzarote.

Ilustración de Paula Bonet.

The Colorful Cat Studio, botella con acuarela.

10 de nuestros blogs y sitios web preferidos

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CONSEJOS

Hoy hemos decidido compartir con vosotros nuestros sitios favoritos, aquellos a los que volvemos buscando información nueva y veraz.

Blogs, revistas online, páginas web de tutoriales, un mundo de información útil que esperamos que guste.

Imagen de http://www.lifeofpix.com

1- http://www.angelesearth.com/es/ : un blog super completo con obra propia y una sección muy curada de «inspiración».

2- http://www.mikanovsky.com/blog/list-of-websites-for-artists-to-build-online-presence/: listado de más de 120 páginas web que recorren todos los recursos necesarios para un artista. En inglés.

3- http://www.arteinformado.com/agenda:convocatorias al día de concursos, residencias y otras oportunidades para artistas.

4- http://www.mecd.gob.es/cultura-mecd/dms/mecd/cultura-mecd/areas-cultura/promociondelarte/encuentros-talleres/apoyo-al-artista/Herramientas-profesional-artistasW/Herramientas-profesionalizacion-artistas-online.pdf : documento muy completo y útil sobre los pasos necesarios para la profesionalización de los artistas.

5- http://masdearte.com/convocatorias :más convocatorias de concursos, becas, trabajos y formación.

6-http://culturainquieta.com/es/  :interesante revista online de arte, fotografía, agenda y más.

7- http://culturacolectiva.com/ : completa revista online con arte, cine, artículos y mucho más.

8-http://www.thisiscolossal.com/ : excelente revista online sobre arte, ilustración, fotografía y todo tipo de proyectos artesanales y artísticos. En inglés.

9- http://www.rhuven.com/10-webs-donde-descargar-fotos-gratis/ :10 webs en donde descargar imágenes gratis

10- https://totenart.com/tutoriales/ : completísima lista de tutoriales de arte.

Y con todos estos recursos es hora de saltar el puente!

Imagen de http://superfamous.com/

 

10 películas sobre artistas que no te puedes perder

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CINE

El cine y el arte son quizás hermanos: en el primero podemos encontrar la forma de sumergirnos en el segundo y de entender mejor la vida y obra de los artistas.

En esta primera entrega nos centramos en 10 películas biográficas de artistas que registran con sensibilidad la historia que rodea a algunas de las mentes más creativas.

Esperamos que las disfrutéis!

1- Klimt (2006)

Retrato del artista austríaco Gustav Klimt, cuyos suntuosos y eróticos cuadros marcaron el estilo Art Nouveau de finales del siglo XIX y principios del XX.

Director: Raoul Ruiz

Actor: John Malkovich

 

2- Basquiat (1996)

Un joven pintor vanguardista que pintaba graffitis en Brooklyn llegó a ser uno de los personajes más controvertidos y famosos de la pintura contemporánea mundial, tras ser descubierto por Andy Warhol.

Director: Julian Schnabel

Actores: Jeffrey Wright, David Bowie, Dennis Hopper, Gary Oldman, Courtney Love, Benicio del Toro, Willem Dafoe

 

3- El amor es el diablo, estudio para un retrato de Francis Bacon (1998)

Aunque el guión está escrito a partir de hechos reales, el director, afirmó que no pretende ilustrar la vida del artista, sino que persigue aproximaciones, palpitaciones baconianas, y por momentos las alcanza. Las tomas, encuadres, iluminación, atmósferas, escenografías y formas nos transportan dentro de la imaginería misma de las pinturas de Bacon.

Director: John Maybury

Actor: Derek Jacobi

 

4- Exit through the gift shop (2010)

Thierry Guetta es un un francés que vive en Los Ángeles y cuya única obsesión es grabarlo todo con su cámara de vídeo. Poco a poco se va introduciendo en el mundo del arte urbano y llega a conocer a Banksy, el artista urbano más famoso de la historia.

Director: Banksy

Actores: Thierry Guetta (AKA Mr. Brainwash), Banksy

 

5- Vincent y Theo (1990)

Narra la profunda relación fraternal, llena de altibajos, entre Vincent van Gogh y su incondicional hermano Theo.

Director: Robert Altman

Actores: Tim Roth, Paul Rhys

 

6- El sol del membrillo (1992)

Es la historia del artista Antonio López que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol —un membrillero— que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio.

Director: Victor Erice

 

7- Exzesse (1981)

Describe la atormentada vida del pintor austríaco Egon Schiele -uno de los fundadores del expresionismo-, su adicción al sexo y al alcohol y la sucesión de tragedias sentimentales y humillaciones públicas cuando es acusado y detenido por pornografía.

Director: Herbert Vesely

Actores: Mathieu Carrière, Jane Birkin

8- Frida (2003)

Relata la azarosa vida de Frida Kahlo, pintora mexicana del siglo XX que se distingue por su obra surrealista, su compromiso político a favor del comunismo y su bisexualidad. La película se centra igualmente en la relación tumultuosa que mantuvo con su marido, el pintor Diego Rivera, y su relación secreta y controvertida con León Trotski.

Director: Julie Taymor

Actores: Salma Hayek, Alfred Molina, Geoffrey Rush

9- Surviving Picasso (1996)

Drama que retrata la vida del universal pintor, sus amores y pasiones. En 1943, la joven pintora Françoise Gilot conoce a Pablo Picasso. Durante los siguientes diez años será su musa y pareja, soportando sus caprichos y su extraño sentido del humor.

Director: James Ivory

Actores: Anthony Hopkins, Natascha McElhone, Julianne Moore

http://www.imdb.com/videoplayer/vi2944860441?ref_=tt_pv_vi_aiv_1

10- Pollock (2000)

Narra la vida de Pollock, pintor estadounidense de compleja personalidad y adicto al alcohol. Junto a él aparecen su familia, y nombres relevantes de la cultura como de Kooning y Peggy Guggenheim. Pasa en muy pocos años de ser un completo desconocido, a convertirse en el artista estadounidense más relevante de su tiempo.

Director: Ed Harris

Actor: Ed Harris

 

Los 10 libros imprescindibles de arte

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LITERATURA

Difícil tarea la de elegir sólo 10 libros de arte, ya que al valor de su contenido se une muchas veces el de sus imágenes o presentación.

Por eso nos decidimos partiendo de la premisa de considerar a aquellos que nos cambiaron definitivamente nuestra forma de ver, y que nos siguen acompañando en la actualidad. Aquellos libros a los que volvemos una y otra vez.

1. Cartas a Théo, Vincent Van Gogh: Vincent escribe a su hermano a lo largo de 20 años. Sus cartas son a la vez una una autobiografía y testimonio artístico único. La belleza de lo puro y lo real en el discurso y obra de un artista.

«Cartas a Théo»

2. El Arte, conversaciones de Rodin con Paul Gsell: Consta de una serie de conversaciones en donde opina sobre todo: la vida en general, el éxito, la naturaleza, el carácter original del arte, su ideal artístico, etc. Inspirador, analiza la mayoría de los temas que interesan a los artistas.

Rodin y Gsell

3.Tratado sobre la pintura, Leonardo da Vinci: Manuscritos fragmentados que se unieron luego de su muerte para lograr lo que debería haber sido el resultado de su empeño por refundir todas las formulaciones empíricas y todos los tópicos del Renacimiento, ordenándolos en un sistema universal. Una belleza en sí mismo, es a la vez útil para el artista figurativo.

Leonardo da Vinci

4. Manual para el artista, medios y técnicas, Margaret Krug: Se analizan las técnicas de dibujo y pintura, explicándolas desde sus orígenes hasta la actualidad. Acompañándose de ejercicios paso a paso para estimular una exploración creativa. Libro de cabecera para aprender y enseñar.

Krug

5. La necesidad del arte, Ernst Fischer: Reflexión sobre la importancia del arte en el mundo actual. Busca las relaciones entre la imaginación creativa y la realidad social, sosteniendo que el arte verdadero debe reflejar su existencia y sus imperfecciones, y ayudar a cambiar y mejorar. Enfatiza la necesidad individual de comprometerse con la sociedad, su rechazo por el consumismo, la hipertecnologización, y su optimista y radical visión humana del esfuerzo del arte arte. Una ayuda insustituible para comprender la situación actual, social y artística.

Fischer

6. De lo espiritual en el arte, Wasily Kandinsky: Se propone esencialmente despertar la capacidad de captar lo espiritual en las cosas materiales y abstractas. Explica los conceptos que llevaron luego a la pintura abstracta reconociendo la relación entre pintura y música. Imprescindible para entender el arte moderno.

Kandinsky

7. El camino del artista, Julia Cameron: Siguiendo el principio básico de que la expresión creativa es la dirección natural de la vida, Julia Cameron nos muestra cómo recuperar nuestra creatividad mediante un exhaustivo programa en el que nos enseña a superar los bloqueos mentales, como el miedo, los celos, las creencias limitadoras, las adicciones y otras fuerzas inhibidoras, y a reemplazarlos mediante la confianza artística. Un buen recurso para épocas de bloqueo.

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8. La palabra pintada; ¿Quién teme al Bauhaus feroz?, Tom Wolfe: Describe el curso errático de la historia social del arte moderno, desde sus inicios revolucionarios -una revolución contra el contenido literario en las obras artísticas- hasta su estado actual, según él, una parodia de sí mismo.¿Quién teme al Bauhaus feroz? es una operación similar en el ámbito de la arquitectura, en donde los marxistas que huyen de la decadente Europa en guerra, son recibidos por la clase dirigente norteamericana y erigidos en eminencias. La historia del arte reciente contada en un tono irreverente y ágil.

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9. La sintaxis de la imagen, Donis Dondis: Analiza los principios de la teoría de la composición gráfica a partir de los estudios científicos sobre percepción visual. Fundamental para artistas y diseñadores.

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10. Conversaciones con Marcel Duchamp, Pierre Cabanne: Esta es la primera vez que el más fascinante y desconcertante inventor del arte contemporáneo acepta explicarse a sí mismo y explicar sus actos, sus reacciones, sus sentimientos, sus opiniones, de forma tan profunda y extensa. Necesario para entender al arte actual y conocer otra forma de vivir radicalmente distinta a la de la mayoría de los artistas.

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A partir de aquí cada uno pensará en cuáles son sus libros favoritos, ya que como Jorge Luis Borges decía, «el verbo leer, como el verbo amar y el verbo soñar, no soporta ‘el modo imperativo‘».

 

 

La luz en el arte

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El tratamiento de la luz es uno de los temas más importantes en las artes plásticas.

De ella dependen el volumen y la expresión, el color y el impacto.

Cada periodo tuvo su uso particular de la luz, siendo natural o artificial, intrínseca (propia y generalmente homogénea) o extrínseca (iluminante y generalmente puntual).

Hasta el gótico (s. XIII) sólo encontramos luz propia: no existen efectos lumínicos ni contrastes.

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Ábside de Sant Climent de Taüll (románico)

A partir del Renacimiento los artistas se esfuerzan en que sus pinturas sean más realistas, buscando una iluminación externa cuando sea necesaria y creando así mayores contrastes.

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«La cena de Emmaús», Caravaggio.

"La lechera", Vermeer.

«La lechera», Vermeer.

Al principio del siglo XX, muchos son los movimientos pictóricos que enfatizaron la luz natural como la mayor fuente de inspiración. Claude Monet con su obra «Impression, soleil levan», inspiró el nombre del movimiento pictórico francés en 1860, «Impresionismo», que representó en sus pinturas, la sensación que producía la evolución de la atmósfera creada por la luz, a lo largo del día.
Buscaban la luz y el aire y para ello prescindían de los contornos y del color negro. Las pinceladas son pequeñas y sueltas y el resultado es que parece haber atmósfera en lo representado. Pintaban sobre todo al aire libre, encontrándose con lo efímero y cambiante: el humo, el agua, las nubes, etc.
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«Baile en el Moulin de la Galette», Renoir.

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«Talisman», Serusier.

La luz artificial que proviene ahora no solo de las velas, sino además de la electricidad, es mirada por los artistas como elemento fascinante, inspiradora de nuevos temas de arte.

Emblemática en el movimiento surrealista, la pintura, del artista belga René Magritte (1898-1967) que exalta esta nueva invención, particularmente en su obra » El Imperio de las luces».

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«L’impero delle luci», Magritte.

Finalmente el desarrollo de la electrificación a partir de fines del s. XIX da lugar a la aparición de un grupo de artistas que realizan una actividad denominada Light Artarte de luz«), en donde la obra depende exclusivamente de la luz artificial.

"Your rainbow panorama", Olafur Eliasson.

«Your rainbow panorama», Olafur Eliasson.

Sea como sea: natural, artificial, puntual u homogénea, la luz es el principio y el fin en el arte y los artistas seguirán buscando la manera de representarla dando vueltas en ciclos.

"The jellyfish family", Jason Eppink.

«The jellyfish family», Jason Eppink.

« El único mérito que tengo es haber pintado directamente de la naturaleza con el objetivo de transmitir mis impresiones frente a los efectos más fugaces. »

Claude Monet

Monet pintando: https://www.youtube.com/watch?v=fnOCI8MUmbw

 

Bibliografía:

http://cossio.net/actividades/pinacoteca/p_02_03/luz_pintura.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Luz_en_el_arte

 



10 técnicas para ayudar a la creatividad

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MENTE Y ARTE

being RicardoDe la serie «Being», de Ricardo Llopico

Esta es una de las preguntas más comunes a la hora de hablar de arte.

El «culto a los genios» ha hecho que pensemos que para ellos las ideas fluían sin ningún tipo de tropiezo, una especie de conexión celestial con la creatividad hacía que nunca se quedaran en blanco o supieran cómo avanzar.

La creatividad es la capacidad de generar nuevas ideas o conceptos, o de nuevas asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones originales. Es sinónimo del «pensamiento original», la «imaginación constructiva», el «pensamiento divergente» o el «pensamiento creativo».

La creatividad, como ocurre con otras capacidades del cerebro como son la inteligencia, y la memoria, engloba varios procesos mentales entrelazados que no han sido completamente descifrados por la fisiología. Se mencionan en singular, por dar una mayor sencillez a la explicación. Así, por ejemplo, la memoria es un proceso complejo que engloba a la memoria a corto plazo, la memoria a largo plazo y la memoria sensorial.

El pensamiento original es un proceso mental que nace de la imaginación. No se sabe de qué modo difieren las estrategias mentales entre el pensamiento convencional y el creativo, pero la cualidad de la creatividad puede ser valorada por el resultado final. (Wikipedia)

Y así como se puede ver cuál resultado es creativo y cuál no, existen técnicas que ayudan a desarrollar la creatividad, especialmente cuando el artista se queda bloqueado.

En este sentido la mayoría de ellos coincide: la mejor forma de encontrar «la inspiración» es trabajando.

Algunas de estas técnicas son muy útiles y fáciles de aplicar:

  1. Pinta un objeto de tu casa o trabajo: se deben evitar las fotografías, se dibuja del natural cualquier objeto. Entrenar la mente para ver la forma y entender cómo la ve, y cómo la mano representa lo entendido, es el principio del aprendizaje de la herramienta expresiva de los artistas visuales.
  2. Haz un collage: no hace falta saber dibujar y con un poco de revistas, cola y tijeras puedes practicar.
  3. Haz garabatos: dibuja sin la intención de que sea siquiera un boceto, prueba en una hoja, en dos, en tres…hasta que la idea comience a salir. Quizás sea una mezcla de varios elementos de los dibujos anteriores, quizás sea algo completamente nuevo.
  4. Usa una herramienta nueva: dibujar un rostro detallado con un rotulador grueso puede no parecer una buena idea, pero crea un efecto que muchas veces nos impacta y nos hace pensar de una forma diferente.
  5. Crea basura: una solución es ignorar el deseo de hacer algo perfecto y simplemente empezar a hacer algo. Una vez que está en marcha puede llevarse hacia esa perfección de la que no estaba tan lejos. La idea es perder el miedo.
  6. Ponte objetivos o tareas pequeñas
  7. Haz lo opuesto a lo que estás intentando hacer
  8. Cópiale la idea a alguien
  9. Tómate una ducha y relaja tu mente 🙂

 

collage

«Sexy», collage de Natalia Fürst

 

 

Agradecimientos a:

http://www.huffingtonpost.com/2014/08/19/easy-art-techniques_n_5679958.html http://creativesomething.net/post/65040489344/the-seven-most-effective-techniques-for-creativity

 

El comercio del arte en Internet o E-commerce para arte

VIVIR DEL ARTE

La primera pregunta es qué es el E-Commerce y cómo puede ayudarnos a vender nuestra obra.

En esta oportunidad tomamos un extracto del artículo que Pilar DM publica en su muy recomendable página web El Dado del arte.

  • ¿En qué consiste exactamente el e-commerce?
El comercio electrónico (o e-commerce) es la manera de vender productos a través de Internet con la única ayuda de una página web y una empresa de logística asociada al vendedor o plataforma de venta. La venta electrónica ha alcanzado la edad adulta en España, llegando al punto en que comprar por la Red ha vencido los falsos mitos sobre la privacidad de los datos y la seguridad de la compra.
Es imprescindible contar con una  “pasarela de pago ,que durante los últimos años han implantado la práctica totalidad de las entidades bancarias; y con un tipo seguro de transporte. Este último incluye un seguro que cubre los daños o pérdidas del material. Puedes consultar las tarifas de CorreosUPS, MRW, etc.

  • Un artista, ¿qué es lo primero que tiene que tener en cuenta si admite vender sus obras a través de e-commerce?

Cualquier persona que se ponga a vender un producto a través de Internet tiene que tener claras 3 cosas:

Posicionamiento: Vender en Internet no es llegar y besar el Santo. Al principio no te conoce nadie, más que los cuatro amigos a los que se lo has contado. Necesitas promocionarlo y posicionarlo, ya sea dentro de la plataforma de e-commerce (si elegiste una, como por ejemploEbay) como en los buscadores y redes sociales:

  • La promoción dentro de la plataforma Ebay sigue sus propias reglas, si bien hay tres que debemos dominar al comenzar:

1. Necesitamos comprar algunos productos para recibir un mínimo de 15 a 20 votos positivos de nuestros vendedores y a partir de ahí la gente empezará a fiarse de nuestra seriedad.

2. Aceptamos que se nos van a cobrar comisiones por cada venta, dependiendo de la visibilidad que elijamos a nuestros productos y también por transferencia a nuestra cuenta dePayPal.

3. Es imprescindible que las imágenes que mostremos de nuestras obras sean perfectas. Iluminación, posición y todas las características se realcen al máximo para que el comprador no tenga ninguna duda sobre lo que está comprando.

  • En los buscadores, conviene enlazar blogs y páginas que hablen de arte y que nos devuelvan el enlace. Por supuesto ser activo con los comentarios y seguir las reglas básicas de los blogs.
  • Dentro de las redes sociales, promocionar nuestra tienda sin hacer spamming, pudiendo crear grupos para gente con intereses similares. Es muy importante que tus contactos no se sientan agredidos por tu promoción.

Adaptabilidad Vs Capacidad: es el clásico “no morir de éxito” Si produces a un ritmo X y de repente tienes un pico de ventas que te exige producir a un ritmo 2X o 3X, tienes la opción de aceptar el compromiso que requiere crear más rápidamente (pudiendo perder en calidad) o dejar insatisfecho a gran parte de la clientela, con su consiguiente desprestigio. Hay que saber dimensionar con claridad donde están nuestros límites creativos y explicitarlo claramente en nuestra web (periodos de entrega y contingencias posibles) para que no haya incumplimientos.Socialización: que enlaza con el punto de promoción en buscadores y redes sociales. Cada vez aumenta el número de visitas a blogs y webs (de e-commerce entre ellas) que proceden de Facebook y Twitter mayoritariamente.

1. Lo primero sería ser activo y socializar con tus amigos, y amigos de amigos que les pueda interesar lo que vendes, es la adaptación del clásico boca a boca a la era de los Social Media.
2. A continuación sería crear una estrategia de ruido para que nuestro mensaje llegue lo más lejos posible. Ya sea a través de grupos como apuntábamos antes, como de concursos,virales (flash, bromas, videoclips, y demás media), etc.
3. Y sobre todo ser activo, desenfadado y compartir información interesante para todos aquellos “posibles” clientes, es la regla de oro que hay que convertir en nuestro hábito diario.
Ampliaremos el artículo en el futuro, con más información  perteneciente a la misma página: http://eldadodelarte.blogspot.com.es/search/label/mercado%20del%20arte

¿De qué vive el artista?

VIVIR DEL ARTE

Para escribir este artículo he estado leyendo sobre el tema en bastante en blogs y otros sitios webs. Difícil tema: ni siquiera los artistas se ponen de acuerdo.

Hay quienes se dedican a denigrar la forma de conseguir el sustento: que si viven de rentas, que si han recibido una herencia, que si son mantenidos por sus cónyuges.

Las verdades son múltiples y en general, no coinciden con los tópicos recién mencionados:

  • – Algunos, los más afortunados, viven de la venta de su obra.
  • – Algunos se dedican a la ilustración.
  • – Algunos se dedican al diseño gráfico.
  • – Otros son docentes en escuelas, institutos, universidades o talleres particulares.
  • – Hay quienes reciben subvenciones o becas que les ayudan a vivir, pero no les resuelven la vida.
  • – Algunos se hacen galeristas, gestores culturales, curadores.
  • – Otros se convierten en críticos de arte.
  • – Hay quienes se presentan a todos los concursos posibles.
  • – Otros arman asociaciones o espacios culturales en donde intentan darle un lugar alternativo al arte.
  • – Hay quienes tienen un negocio propio que les permite mantenerse.
  • – Una gran mayoría tiene un trabajo a tiempo parcial, completamente ajeno al arte, que le permite pintar, esculpir, dibujar, etc. en su tiempo libre.

Abrimos el debate porque de esto no se habla en las universidades y prácticamente en ningún ámbito.

Se ha convertido en un tema tabú en ocasiones.

En todo caso, lo más interesante que encontramos, y que explica bastante bien la situación del artista es este fragmento extraido de http://www.metapolitica.com.mx/index.php/debates/item/y-a-todo-esto-de-que-viven-los-artistas

“¿Y se puede vivir de ‘esto’?”  La pregunta suele ir acompañada de gestos muy particulares que dan contexto a las intenciones del preguntón en turno. Si los ojos se agrandan, acompañados de una sonrisa entusiasta y el tronco es empujado ligeramente hacia delante, se trata de alguien que desea un “sí” como respuesta; algunos son estudiantes de arte o aficionados a la idea del artista despreocupado que va pagando la renta con la venta de un par de cuadros por mes, desean saber que alguien en algún lugar del mundo vive haciendo lo que más le gusta sin pasar demasiadas penurias. Quien espera un “no” como respuesta, pregunta con la cabeza echada un poquitillo hacia atrás, generalmente con una ceja levantada –o entrecerrando los ojos– mientras la boca se arquea ligeramente hacia abajo; a esos, en principio, el arte les parece una paparruchada en la que pierden su tiempo un montón de vagos…  como pasatiempo puede pasar pero como modus vivendi sería un horror. Los preguntones más raros usan un tono frío que no expresa ni complicidad ni repulsión y reciben la respuesta como un simple dato extra para su cuaderno de notas, donde imagino que han anotado también que los gatos amarillos suelen tener los ojos del mismo color. Luego vienen los locos; creen que el arte no debe venderse sino que debe ser la obra inmaculada (ya sabemos todos que el dinero siempre está mugrosón) de un apóstol de la creación, un mártir de su propia genialidad incomprendida. El artista para ellos debe ser un personaje parecido al loco de la colina; al margen de la sociedad, predicando una hermosa verdad inasequible para los mundanos. Se refieren a la remuneración como pervertir y suelen vestirse como hippies. Sin importar quién ha preguntado, doy la misma respuesta: “¡Claro! Hay quien lo hace… pero son pocos. No es mi caso, aunque la mitad de las veces pagan por mi trabajo o al menos se autofinancia el mostrarlo”. Así seguro quedan insatisfechos todos. 

Guillaume Canet, actor y director de cine

CINE

Hay quienes detestan al cine francés, por lento, por intelectual, por pretencioso… Es cierto que en algunos casos esto es verdad, pero también es cierto que esos tópicos podrían aplicarse a cierto cine oriental, nórdico, etc, experimental, etc, etc.

Guillaume Canet, francés, nacido en 1973, es capaz de hacer películas livianas como Los Infieles, y otras mucho más profundas como Les Petits Mouchoirs, traducida en España como Pequeñas mentiras sin importancia. Casi siempre se repiten los mismos actores: Marion Cotillard, François Cruzel, Benoît, Gilles Lellouche, y él mismo, entre otros.

Recomendamos esta última, clasificada como comedia dramática, en donde los personajes están muy bien logrados, el guión es realmente bueno, y la idea principal es la amistad y las mentiras que se han estado contando durante años.

Muy divertida por momentos, muy dura a la vez.

La banda sonora merece un elogio aparte: Jet, David Bowie, Janis Joplin, Ben Harper, Damien Rice, Eels y otros.

Para disfrutar y reflexionar.

Artigas, «el hombre de fuego»

EXPOSICIONES

Artigas fue uno de los ceramistas más importantes del s. XX. Colaboró con Miró y con Dufy.

La exposición cuenta con más de 150 piezas, expuestas cronológicamente.

Actualmente podemos verlas en La Pedrera, todos los días de 10 a 20 hs., hasta el 02 de septiembre del 2012.

No os la perdáis…

Más info en: http://www.cxagenda.org/cast/evento/artigas-el-hombre-de-fuego/