Marinas modernas o la fascinación por el mar

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ARTISTAS

El mar fue siempre fuente de inspiración para todo tipo de artistas.

Quienes vivimos en Barcelona sentimos su influjo, su sola presencia a pesar de no visitar la playa durante un tiempo largo.

Es por eso que hemos pensado en mostrar cómo lo viven y lo expresan los artistas actuales, en todo tipo de soporte y formato. Son nuestras “marinas” modernas, que siguen hablándonos del misterio del agua y la profundidad.

¡Qué lo disfrutéis!

Ana Teresa Barboza, Sin Título, bordado.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ben Young, escultura en vidrio y cemento.

 

 

 

 

 

 

 

Museo Atlántico, Lanzarote.

Ilustración de Paula Bonet.

The Colorful Cat Studio, botella con acuarela.

Exposiciones en Barcelona que no te debes perder

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EXPOSICIONES

Otoño es una estación ideal para salir de paseo a visitar exposiciones.

La variedad es enorme y mientras nos alimentamos el espíritu nos protegemos de la lluvia y el mal tiempo!

Algunas de estas expos terminan en poco, por lo que hay que apurarse antes de perdérselas!

The Influencers 2016

Arte no convencional, guerrilla de la comunicación, entretenimiento radical. Todos los años vale la pena. Del 20 al 22 de octubre. http://www.cccb.org

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Bruno Pontiroli y “Le sens du poil”

Pintura e ilustración unidas en obras muy trabajadas. Hasta el 30 de noviembre en Fousion Gallery. http://fousiongallery.com/

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Ricardo Llopico e “Imaginarios”

Ilustraciones, pinturas y vidrieras hechas con amor al oficio e imaginación en cada trazo. Ampliada hasta el 3 de noviembre en Verdi Verd, un nuevo emprendimiento que apuesta por artistas jóvenes de calidad. http://www.verdiverd.com

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Anthony Goicolea y “Simulacrum”

Creaciones que oscilan desde el paisaje manipulado digitalmente hasta el dibujo o la pintura al óleo. Hasta el 5 de noviembre en Galería Senda.

http://galeriasenda.com/event/anonymous-portraits-por-anthony-goicolea/

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¡Que disfrutéis de los paseos y volváis con inspiración y la creatividad cargada!

 

Cómo usar el óleo pastel, ese gran desconocido

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TUTORIAL

No son ceras, pero lo parecen.

No son tizas pastel pero comparten el nombre.

No es óleo en pintura…¿Qué es el óleo pastel?

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El óleo pastel  o pastel al óleo está compuesto por pigmentos, ceras y aceite.

Es un material a caballo entre el dibujo y la pintura, ya que utiliza recursos de ambas disciplinas y su resultado varía dependiendo de la técnica que utilicemos.

En general es ideal para quienes disfruten del dibujo pero quieran lograr un efecto de pintura.

Los colores son muy vivos, siendo un medio perfecto para composiciones frescas y rápidas.

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“Amor entre cachorros”, R.Pascual

Soportes: Se puede utilizar un papel de alto gramaje, tela tradicional al aceite (se conseguirá un efecto más parecido a la pintura al óleo), madera o papel de lija (una opción más agresiva pero bastante utilizada).

Procedimiento: Se comienza a dibujar con un lápiz blando intentando no raspar la superficie, ya que ahí no se fijará el óleo pastel. Luego se repasan esas líneas con el color principal que se vaya a utilizar, aprovechando para dar una primera capa muy suave y un tanto translúcida.

Trabajaremos por estratificación, con lo cual es importante planear antes los colores que utilizaremos ya que se corre el peligro de sobrecargar de capas al punto de ensuciar la obra. En esos casos se puede retirar lo que sobra con el dedo índice envuelto en un trapo o si es mucha cantidad, cuidadosamente con una cuchilla.

A medida que se agregan capas y colores, se van mezclando entre sí por fricción, o con el dedo (que fundirá con su calor al material) o con un algodón. También puede utilizarse aceite de trementina para lograr un parecido mayor a la pintura al óleo. Se trabaja igualmente para lograr difuminados. Hay artistas que usan el difumino para este fin.

Para obtener efectos de “empaste” se calienta un extremo del pastel y se aplica la pintura directamente o con una espátula.

Se pueden efectuar superposiciones de color y también raspados con la punta o con el canto de una espátula.

Los efectos conseguidos con los pasteles al óleo van desde la abstracción al hiperrealismo, pasando por el impresionismo o el estilo que se quiera, dependiendo de la habilidad e intención del artista que los maneje.

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Finalmente, si se quiere se puede usar un spray secativo para acelerar su proceso natural o un barniz para óleo, que lo protegerá.

Si se enmarca, se recomienda hacerlo sin cristal o manteniendo una distancia considerable con la superficie del cuadro.

¿Ya estáis listos para probarlos?

Bibliografía:

 

Matrícula gratis en septiembre!

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Septiembre es el mes para decidirse a empezar colecciones por fascículos, maquetas por piezas o cucharitas de avión robadas 🙂
Te proponemos intentar con el arte, funciona igual pero los resultados se ven desde el principio y dan más satisfacciones.
Además la matrícula en septiembre es gratis!

matricula gratis septiembre color

Más info: http://espaimedusa.com/matricula-gratis-en-septiembre/

 

La luz en el arte

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El tratamiento de la luz es uno de los temas más importantes en las artes plásticas.

De ella dependen el volumen y la expresión, el color y el impacto.

Cada periodo tuvo su uso particular de la luz, siendo natural o artificial, intrínseca (propia y generalmente homogénea) o extrínseca (iluminante y generalmente puntual).

Hasta el gótico (s. XIII) sólo encontramos luz propia: no existen efectos lumínicos ni contrastes.

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Ábside de Sant Climent de Taüll (románico)

A partir del Renacimiento los artistas se esfuerzan en que sus pinturas sean más realistas, buscando una iluminación externa cuando sea necesaria y creando así mayores contrastes.

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“La cena de Emmaús”, Caravaggio.

"La lechera", Vermeer.

“La lechera”, Vermeer.

Al principio del siglo XX, muchos son los movimientos pictóricos que enfatizaron la luz natural como la mayor fuente de inspiración. Claude Monet con su obra “Impression, soleil levan”, inspiró el nombre del movimiento pictórico francés en 1860, “Impresionismo”, que representó en sus pinturas, la sensación que producía la evolución de la atmósfera creada por la luz, a lo largo del día.
Buscaban la luz y el aire y para ello prescindían de los contornos y del color negro. Las pinceladas son pequeñas y sueltas y el resultado es que parece haber atmósfera en lo representado. Pintaban sobre todo al aire libre, encontrándose con lo efímero y cambiante: el humo, el agua, las nubes, etc.
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“Baile en el Moulin de la Galette”, Renoir.

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“Talisman”, Serusier.

La luz artificial que proviene ahora no solo de las velas, sino además de la electricidad, es mirada por los artistas como elemento fascinante, inspiradora de nuevos temas de arte.

Emblemática en el movimiento surrealista, la pintura, del artista belga René Magritte (1898-1967) que exalta esta nueva invención, particularmente en su obra ” El Imperio de las luces”.

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“L’impero delle luci”, Magritte.

Finalmente el desarrollo de la electrificación a partir de fines del s. XIX da lugar a la aparición de un grupo de artistas que realizan una actividad denominada Light Art (“arte de luz“), en donde la obra depende exclusivamente de la luz artificial.

"Your rainbow panorama", Olafur Eliasson.

“Your rainbow panorama”, Olafur Eliasson.

Sea como sea: natural, artificial, puntual u homogénea, la luz es el principio y el fin en el arte y los artistas seguirán buscando la manera de representarla dando vueltas en ciclos.

"The jellyfish family", Jason Eppink.

“The jellyfish family”, Jason Eppink.

« El único mérito que tengo es haber pintado directamente de la naturaleza con el objetivo de transmitir mis impresiones frente a los efectos más fugaces. »

Claude Monet

Monet pintando: https://www.youtube.com/watch?v=fnOCI8MUmbw

 

Bibliografía:

http://cossio.net/actividades/pinacoteca/p_02_03/luz_pintura.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Luz_en_el_arte

 



Acuarela para el verano!

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La acuarela es un medio artístico que permite una libertad que a muchas otras técnicas les es negada.
Es ideal para los días de verano porque todo lo que se necesita es fácilmente transportable: una cajita de acuarelas en pastillas o en tubos, varios pinceles, una botellita de agua, un trapo y papel.
No por nada fue elegida a lo largo de la historia como favorita para la pintura al aire libre.

Sin embargo, podemos encontrarnos con dos estilos muy definidos: el más académico, con muchas reglas y que requiere un aprendizaje concienzudo y metódico; y otro más libre, en donde prima la expresión, dejando de lado prohibiciones.
Como ejemplo del primero tenemos a Edward Hopper y su “Adam’s House” de 1928.

Hopper acuarela

Alejándonos de esa figuración tan precisa, nos acercamos a la mancha en la obra de Jeanne Larson y su “Landscape 14”.

jeannelarson

A continuación podemos ver que artistas como Kathryn Keller Larkins se valen de la acuarela para pintar temas completamente nuevos, y la técnica se adapta a lo que ella busca, usando la mancha y la línea cuando le conviene. Su obra “LGA-LAX” es un buen ejemplo de ello.

kathryn keller larkins

Y finalmente el triunfo de la mancha y el color, en donde la abstracción o la figuración son categorías secundarias. Acuarela para disfrutar sin miedos: Georgia O’Keeffe y su “Sunrise”.

georgia o'keeffe

Anímate tú entonces con la acuarela, ya sea a partir de los conocimientos básicos adquiridos en un curso, como dejándote guiar por la experimentación, aprovechando este verano para probar esta técnica!

Inspiración para pintar y hacer escultura en verano

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El verano es una excelente estación para dedicar al arte: tenemos días largos y soleados, a veces jornadas reducidas en el trabajo que nos permiten salir más temprano y una cantidad de temas inagotables.

Es por definición la época del buen tiempo y la abundancia.

Algunos de los temas más comunes durante el verano son:

  • ** Escenas del calor y los medios para refrescarse (piscinas, playas, ríos…).
  • ** Escenas con las vacaciones, los niños jugando y el descanso y relax de los adultos.
  • ** Paisajes estivales, el disfrute de la naturaleza verde y llena de esplendor, las actividades al aire libre, los paseos por la playa y por el campo, los deportes y actividades de ocio.
  • ** Bodegones con frutas y verduras maduras, las recolecciones y trabajos en el campo, la abundancia de alimentos.
  • ** Representaciones figurativas de la propia estación estival.

La luz del sol es uno de los elementos más importantes muchas veces, porque es una luz muy fuerte, que llena toda la escena.

Las escenas de relax y descanso suelen ir acompañadas de atardeceres, tardes más frescas y por lo tanto, un conjunto de luces y sombras más equilibrado, siendo cálidas las luces y marcadas las sombras.

En los bodegones con frutas destacan los colores vivos y cierto tono cálido en la luz.

Algunas de las obras que más nos inspiran son:

1- Verano, de Joaquín Sorolla

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2- Verano, de Pubis de Chavannes

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3- El verano, de Archimboldo

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4– Verano de Alfons Mucha

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5- Verano, de Tamara de Lempicka

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6Dulce y sutil silencio, de Josep Moncada

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7– Grounds for Sculpture, NJ, Estados Unidos

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8– Parque de Vigeland, Oslo, Noruega

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Así que animáos a pintar o a hacer escultura aprovechando para refugiarse del calor en nuestro taller.

Durante julio y agosto estaremos abiertos y puedes empezar en cualquier momento!

 

Gracias al blog de Cristina Alejos: http://www.pinturayartistas.com/pintar-el-verano/

¿Por qué necesitamos al arte?

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MENTE Y ARTE

El arte en todas sus manifestaciones constituye una característica esencial que identifica al ser humano, ha permitido transmitir la cultura en toda su extensión y  ha sido y es básico para su supervivencia. Nuestro cerebro plástico necesita el arte. Ya en los primeros años y de forma natural el niño juega, canta, baila, dibuja y todas estas actividades son imprescindibles para su correcto desarrollo.

¿Qué puede aportar una clase de arte?

Es lógico que en las clases de arte se aprendan las técnicas artísticas correspondientes, sin embargo, se pueden aprender muchas más cosas. Pero se han identificado ocho disposiciones (rutinas mentales) que los alumnos pueden desarrollar en las clases de artes visuales y que pueden transferirse a otros dominios del aprendizaje:

  • * Utilización de herramientas y materiales: se aprenden las técnicas propias de la disciplina utilizando, por ejemplo, pinceles y lápices o pintura y arcilla.
  • * Participación y perseverancia: aprendemos  a comprometernos con la materia a través de los proyectos realizados.
  • * Imaginación: visualizamos e imaginamos situaciones que se alejan de la mera observación.
  • * Expresión: transmitimos una visión personal en sus trabajos.
  • * Observación: se puede utilizar una mirada propia y a percibir detalles menos obvios.
  • * Reflexión: aprendemos a explicar, justificar y evaluar lo que realizan con un espíritu crítico.
  • * Exploración: vamos más allá de nuestras creaciones y tomamos nuevos riesgos y a aprendemos de los errores.
  • *Comprensión del mundo artístico: nos relacionamos con el arte y comenzamos a entender todo lo asociado a él como galerías, museos, etc.

Y para que termines de animarte te ofrecemos la matrícula gratis durante abril para todos nuestros cursos.

Infórmate sin compromiso!

matricula gratis abril

 

Fuente: https://escuelaconcerebro.wordpress.com/2015/01/31/por-que-el-cerebro-humano-necesita-el-arte/

La locura del arte en Madrid durante febrero

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EXPOSICIONES

Los últimos días de febrero en Madrid son una locura y un placer para los amantes del arte. Las propuestas son tantas que se impone hacer un estudio previo para programar la agenda.

Evidentemente es cómodo reunir tantas ferias y proyectos en un periodo corto y en una misma ciudad, ¿pero cómo lo vive el espectador?¿realmente aprovecha esta oferta cultural o queda exhausto?¿hace una selección a la altura de las posibilidades reales y se pierde el resto de exposiciones?

Separando a ARCO, ¿las ventas en las otras ferias justifican su superposición temporal?

Imposible reseñar todas las exposiciones que se han organizado para estas fechas.

Aquí algo de todo lo que nos está esperando…

1- ARCO Madrid

La feria de arte contemporáneo más importante del país cumple 35 años, por lo que 35 galerías presentarán la obra de 2 autores que tengan algún vínculo especial con ARCO.

Además se harán intervenciones en la Casa Árabe, el Museo Arqueológico o el Museo del Romanticismo.

Del 24 al 28 de febrero del 2016
IFEMA (pabellones 7 y 9)
Av. Partenón, 5 (Madrid)
www.ifema.es

2- Art Madrid

La Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles acogerá 46 galerías con más de 200 artistas contemporáneos y emergentes. También se mantiene ONE PROJECT, una selección de 8 proyectos inéditos, multidisciplinares y específicos para el espacio de la feria, y un programa de actividades paralelas con charlas, mesas redondas, talleres y encuentros.

Del 24 al 28 de febrero de 2016
Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles
C/ Montalbán, 1 (Madrid)
www.art-madrid.com

3-JustMAD

Arte emergente que busca, empleando nuevos discursos, conectar con el público y con nuevas audiencias. Las galerías y artistas noveles han encontrado en esta feria el espacio perfecto para ganar visibilidad. Esta edición, además, estrenan una serie de actividades que han denominado Las Tentaciones JustMAD y que giran en torno al diseño, la gastronomía, moda, música, cine, arquitectura, performance y New Media.

Del 23 al 28 de febrero de 2016
COAM
C/ de Hortaleza, 63 (Madrid)
www.justmad.es

4- We are Fair!

Se centra enartistas emergentes Habrá conferencias sobre coleccionismo y producción editorial independiente asi como workshops de autoedición. La feria estará amenizada con sesiones de música y una interesante oferta gastronómica.

Del 26 al 28 de febrero de 2016

Hotel Exe Central 4*

Calle de Mejía Lequerica, 10  (Madrid)

http://www.wearefair.es/

Nico - frente - Natalia Fürst -

“Nico”

Natalia FÜRST.

2016.

Técnica mixta sobre madera en ambas caras. 19,7 x 19,7 cm.

 

5- Room art fair

La idea es exponer en espacios no tradicionales (esta vez se celebra en el hotel Petit Palace Santa Bárbara que se convertirá en espacio expositivo de día y en lugar de descanso para los expositores de noche) para disminuir las barreras que suelen separar al público general de las galerías y promover un arte asequible y las tendencias vigentes en la actualidad.

Del 26 al 28 de febrero de 2016
Hotel Petit Palace Santa Bárbara
Plaza Santa Bárbara, 10 (Madrid)
www.roomartfair.com

6- Casa Leibniz

“Bienvenidos a Casa Leibniz, un hogar para todos aquellos que estén interesados en el arte español del siglo XXI”. Un espacio habitable que llama a la contemplación, a disfrutar, comprender y conversar el nuevo arte.

Del 23 al 28 de febrero de 2016
Palacio Santa Bárbara
C/ Hortaleza, 87 (Madrid)
www.casaleibniz.com

7- Art U Ready

Las calles San Mateo, San Lorenzo y Santa Brígida de la capital forman el triángulo en el que tendrá lugar este acontecimiento multidisciplinar. Exposiciones de artistas, arquitectura e interiorismo, espacios singulares no abiertos al público normalmente y que podrán visitarse, jardines secretos que dejarán de serlo por una semana…

Del 23 al 28 de febrero de 2016
Consultar lugares y agenda
www.artuready.es

8- Drawing room

Un evento nuevo llega a la Semana del Arte Contemporáneo de Madrid. Una treintena de dibujantes y ilustradores, una nueva generación!

Del 24 al 28 de febrero de 2016
C/ Velázques, 12 (Madrid)
www.drawingroom.es

Raul-ARTILES

Raúl ARTILES. Sin Título (de la serie Black Hole) 2015. detalle. 225 x 145 cm.

9- Feria DEARTE

Pone énfasis en el coleccionismo de Arte. Las exposiciones de los artistas serán individuales.

Del 25 al 28 de febrero de 2016
Palacio Neptuno, Cervantes 42  (Madrid)
http://dearte.info/_feria/

10- Flecha

Cumple 25 años y trata de acercar más que nunca el mercado al público con obras de artistas contemporáneos.

Del 11 de febrero al 6 de marzo de 2016
Centro Comercial Arturo Soria 126,128 (Madrid)
http://www.flecha.es

11- Otra puta feria más

74 autores presentan una obra con un mismo precio, 300 euros. Los visitantes podrán hacer fotocopias de la obra que les guste por 0,50 euros. Lo recaudado se invertirá íntegramente en Lotería Nacional con participaciones a partes iguales entre todos los participantes.

Del 23 de febrero al 19 de marzo
Galería 6+1, Piemonte 21 (Madrid)
http://www.galeria6mas1.com/otra-puta-feria-mas/

                                          ¡Nos vemos en Madrid!
Información extraída de las páginas de los eventos y de http://www.revistaad.es/arte/articulos/citas-ad-del-19-al-25-de-febrero-agenda-arte/17771?utm_content=buffer5d510&utm_medium=social&utm_source=twitter.com&utm_campaign=buffer y http://exit-express.com/semana-del-arte-en-madrid/

 

¡Comenzamos el año con nuevos propósitos!

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Si siempre has tenido ganas de experimentar con el arte…

Si ya lo hacías pero lo tienes aparcado…

Si tienes ganas de mejorar en alguna técnica…

¡Anímate y ven a probar una clase gratis!

  • Dibujo
  • Pintura
  • Escultura
  • Vidrieras artísticas
  • Pintura sobre vidrio
  • Escultura en vidrio
  • Acuarela
  • Cursos a la carta

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http://espaimedusa.com/clasegratis/

 

Matrícula gratis en Octubre!

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Para quienes no se han animado todavía a dar el primer paso, Espai Medusa ofrece:

  • 1 clase de 2 hs. gratis de prueba
  • MATRÍCULA GRATIS DURANTE OCTUBRE

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La inscripción está abierta durante todo el año, pero solo durante octubre es gratis!

Horarios de lunes a viernes, de mañana y de tarde, y sábados por la mañana.

Flexibilidad horaria.

Todos los niveles.

  • Dibujo
  • Pintura
  • Escultura
  • Vidrio Artístico: vidrieras, pintura sobre vidrio y escultura en vidrio

Anímate!!! 🙂

 

Matrícula gratis en Septiembre

Para quienes no se han animado todavía a dar el primer paso, Espai Medusa ofrece:

  • 1 clase de 2 hs. gratis de prueba
  • MATRÍCULA GRATIS DURANTE SEPTIEMBRE

La inscripción está abierta durante todo el año, pero solo durante septiembre es gratis!

Horarios de lunes a viernes, de mañana y de tarde, y sábados por la mañana.

Flexibilidad horaria.

Todos los niveles.

  • Dibujo
  • Pintura
  • Escultura
  • Vidrio Artístico: vidrieras y pintura sobre vidrio
  • Acuarela
  • etc.

Ponte en contacto con nosotros sin compromiso y prueba una clase gratis ! 🙂

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Arte en Verano en Barcelona !!!

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Aprovecha este verano para acercarte al arte o profundizar en alguna técnica. No importa si eres principiante o tienes experiencia: hay un lugar para tí en nuestro taller. Ampliamos las propuestas y te ofrecemos flexibilidad horaria para que te olvides de las excusas: –Dibujo Pintura EsculturaVidrierasPintura sobre vidrioEscultura en vidrio (nuevo) –Fusing (nuevo) –Vidrio artístico (2 o más técnicas de vidrio) –Interdisciplinares (2 o más disciplinas)

Cursos a partir de 12 hs. ** No cerramos en junio, julio ni agosto ** Más info en: http://espaimedusa.com/arte-en-verano/

Matrícula gratis en Octubre

Si tienes ganas de empezar a pintar, dibujar, hacer escultura o trabajar con vidrio, esta es tu oportunidad: octubre con matrícula gratis.
Ahórrate 30 €.

Y además puedes probar una clase gratuita de 2 hs. para ver cómo trabajamos en nuestro taller.

No dudes en consultarnos por cualquier duda!

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¿Qué es Pinterest y para qué sirve?

CONSEJOS

Dado el gran éxito de Pinterest en la red, nos hemos interesado en saber en qué consiste y a quién le sirve.

¿Es una forma de divulgar nuestro trabajo?

¿Es una manera de vender nuestra obra?

¿Qué la diferencia de las redes sociales?

Todas estas respuestas se pueden encontrar en el artículo Pinterest, usos en el arte y la cultura, de Mariana Fossatti.

Una red de intereses antes que una red de personas
Para quienes no saben qué es Pinterest, como definición es suficiente con lo que dice Wikipedia: “es una red social para encontrar, compartir, filtrar y organizar principalmente imágenes, pero también vídeo. Permite la curación digital de contenidos con tableros personales temáticos con los que organizar y compartir contenidos multimedia”. Y luego de esta definición, lo mejor es darse una vuelta por el sitio y eventualmente probarlo. Si lo necesitan, también hay manuales y guías de inicio, como ésta.
Lo que diferencia a Pinterest de otros servicios 2.0 es que es una red de intereses, no de personas. 
Como lo comenta Fernando Fuentes Pinzón: “No es necesario ‘seguir’ a ninguna cuenta (como en Twitter) ni tener ‘amigos’ (como en Facebook). Esto significa que sólo se debe buscar algo que consideremos interesante”. Es decir, en Pinterest se puede elegir qué seguir de los usuarios en función del contenido y por eso es más interesante que las redes sociales convencionales, que nos imponen todos los contenidos de una persona y no nos permite filtrar, o apenas de modo rudimentario. Con Pinterest se puede seguir los contenidos que alguien comparte por tema, basta con seguir el board o tablón que nos interesa.
Pinterest también puede ser visto al mismo tiempo como un buscador, como un agregador y como un gestor de marcadores (favoritos), que nos ayuda a encontrar y organizar contenido interesante. Pero a diferencia de un lector de RSS, Pinterest le da relieve a la figura del curador de contenidos, ya que es tan importante hallar contenido como ser bueno seleccionando contenidos. Y se puede ir un paso más allá: Pinterest hace muy fácil la colaboración, ya que se puede invitar a otros usuarios a trabajar juntos en un mismo board. Por todo esto, Pinterest es mucho más que una vidriera: seguir a otros usuarios interesantes e interactuar con ellos es la mejor forma de pasarla bien. Si lo tomo únicamente como un escaparate de lo mío le voy a encontrar muy poco interés.
Otro rasgo particular de esta red, según Fuentes Pinzón, “es que no pretende constituirse en un ecosistema cerrado, donde puedas compartir videos, charlas, imágenes, sin salir de ella, sino todo lo contrario, procura que sirva de catálogo para que puedas dirigirte a una página externa o fuera de la red social”. Esto hace que el contenido visual de la web cobre mayor importancia: imágenes o videos atractivos pueden estimular a los usuarios a compartir artículos de una web o un blog en Pinterest.
Los distintos agentes culturales pueden usar Pinterest de diversas maneras. 
Por supuesto, para los usos que recomendamos a continuación, no es imprescindible Pinterest. Hace tiempo que existen muchas herramientas de red social y de trabajo colaborativo que pueden servir para lo mismo, pero el diseño y las funcionalidades de Pinterest, más la gran popularidad que está teniendo, requieren analizar y reinventar posibles usos.

Para artistas

Todos los artistas, plásticos, fotógrafos e incluso músicos, pueden aprovechar esta herramienta para compartir sus trabajos, relacionarse con otros artistas, coleccionistas y aficionados. Es posible vender obra  (se le puede agregar etiquetas de precios) o promocionar eventos. Además, es interesante conocer cómo otros perciben y etiquetan tu arte según en qué board clasifican la obra. Pinterest puede ser también una gran fuente de inspiración y de aprendizaje.

Para diseñadores

Como portfolio de diseño Pinterest es muy sencillo y agradable de usar. Permite clasificar los distintos tipos de trabajos que haces y también proyectar y mostrar un estilo. La búsqueda de inspiración en este caso es incluso más importante: antes de ponerse a trabajar en un flyer o una tapa de libro, por ejemplo, vale la pena hacer una búsqueda y recorrer tablones interesantes. Para los cazadores de tendencias es una herramienta fundamental.

Para artesanos y tiendas de artesanía y diseño

Las artes decorativas son un plato fuerte en Pinterest. Además de ofrecer directamente piezas (marcando su precio, como explicamos antes), los artesanos pueden conocer tendencias y ojear las cosas que gustan a otros usuarios. La sencillez de Pinterest permite crear, actualizar y reorganizar muy fácilmente un catálogo de productos. Además, es recomendable mostrar los procesos, los materiales y colores con los que se trabaja y hasta los usos que pueden tener los objetos. Los pequeños negocios tienen una herramienta más para difundir su trabajo y vender sus productos.

Para curadores

En Pinterest todos nos volvemos un poco curadores, es decir, seleccionamos y compartimos criterios con otros. Pero quienes se dedican profesionalmente a esta tarea, cuentan con una herramienta para buscar, almacenar y organizar obras que se encuentran no sólo en Pinterest sino en otros sitios en la web. Es una forma intuitiva de registrar lo que vamos viendo de interesante y a la vez recuperarlo, una vez almacenado.

Para gestores culturales y community managers de arte

Uno de los cometidos de estos profesionales es dinamizar contenidos, conversaciones y comunidades en torno a actividades y objetos culturales. Las funcionalidades de Pinterest orientadas a compartir y comentar facilitan estas tareas y contribuyen a generar redes en torno a contenidos culturales. Pero hay que tener una estrategia orientada a la comunidad con la que queremos interactuar: hay que elegir qué pinear, cuántos tablones crear, qué tono usar, promocionar el perfil y monitorear los resultados.

Para museos

Hay un sinfín de posibilidades para los museos, desde mostrar sus colecciones o exposiciones temporales a un público global, hasta interactuar con el público, recibir consultas y comentarios, promover sus tiendas o crear colecciones exclusivamente online. Pero tal vez lo que parece más interesante es la posibilidad de trabajar en red con otros museos, con los artistas, con los coleccionistas y con el público. Por ejemplo, creando tablones colaborativos donde varios museos comparten sus colecciones sobre un mismo artista, período o país. Éste puede ser el inicio de colaboraciones más profundas, que incluso se podrían llevar al espacio físico a través del intercambio de obras o la circulación de muestras itinerantes. Otra posibilidad es crear museos virtuales colaborativos, como el Museu Ideal de Catalunya, una iniciativa para que los usuarios propongan qué piezas deberían estar en un museo representativo de la identidad cultural catalana.

Para galerías

Pueden tener un escaparate muy dinámico, donde el público potencialmente interesado en arte está circulando cada vez más. La flexibilidad de Pinterest para organizar el contenido permite que las colecciones de la galería se presenten de manera variada, por autor, por colores, por temas, por concepto. Además está la posibilidad de interactuar con los coleccionistas, descubrir nuevos artistas y conectarse con ellos. Hay que pensar que con herramientas como esta, los artistas y los aficionados al arte casi que se transforman en galeristas. Por lo tanto, quienes viven de exhibir y/o vender arte tienen que estar dispuestos a agregar valor a lo que ya hace el público y el artista. Los galeristas producen eventos, información, puntos de vista, y eso es lo que los distingue.

Para educadores

Los boards son una forma visualmente atractiva de presentar material educativo sobre arte, diseño, comunicación, cine y cualquier disciplina creativa. Los docentes que saben aprovechar la web conjugan características de curador de contenidos y community manager, con lo que logran captar la atención de sus alumnos aprovechando la enorme riqueza de la web para generar material educativo. También se puede trabajar con los alumnos en colaboración o proponerles trabajo en equipo.

Para coleccionistas y apasionados

Finalmente y no menos importante, Pinterest reúne y pone en interacción a una gran comunidad de entusiastas, de personas que se comunican a través de sus comunes intereses. Descubrir y compartir son las operaciones fundamentales de esta herramienta que nos convierte a todos en curadores y en coleccionistas al mismo tiempo. No hace falta ser un experto ni ceñirse a criterios preestablecidos para expresar lo que a uno le interesa, le motiva o le apasiona. Sin duda la pasión por lo visual es el principal motor de los usuarios de Pinterest más populares.
El sentido es compartir Nuestra principal recomendación para todos es no limitarse: usar esta herramienta siempre que se producen o coleccionan imágenes bajo cualquier temática, manteniendo buenos criterios de selección para no perder el interés de nuestros seguidores. Esta red se apoya en el entendimiento de lo que significa compartir en la red: recomendar cosas interesantes, suscribirse a lo que otras personas tienen para compartir, estar a la búsqueda de hallazgos en el mar diverso que es la web, atribuir correctamente el trabajo de los demás y etiquetar el contenido, dotándolo de significados para que otros puedan encontrarlo.
Gracias a la página: http://www.articaonline.com/2012/05/pinterest-usos-en-el-arte-y-la-cultura/ por la exposición tan detallada de Pinterest. 

Exposiciones imperdibles este año

EXPOSICIONES

Actualmente hay tres exposiciones en Europa, que no os debéis perder.

Una en Viena con motivo del año Klimt, la segunda en Bilbao, con David Hockney, y la tercera en Madrid, con Van Dyck.

Klimt cumplió este año 150 años, y su ciudad celebra por lo alto: museos y galerías muestran su obra, mientras se celebran otras actividades originales.

A partir de él podemos adentrarnos en el Modernismo y en la belleza de Viena.

Muy buena información en esta página: http://www.wien.info/es/sightseeing/museums-exhibitions/klimt2012

Por otro lado, en España podemos disfrutar de dos grandes ocasiones.

En primer lugar, El joven Van Dyck en el Museo del Prado, Madrid. Hay también conferencias y cursos relacionados.

Para enterarse de los detalles: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/el-joven-van-dyck

Y finalmente, David Hockney en el Museo Guggenheim de Bilbao. Organizada por la Royal Academy or Arts en colaboración con el Museo Ludwig de Colonia, es la primera gran muestra en España dedicada a este artista. Hockney es considerado actualmente como el pintor británico en activo más importante. 

No digáis luego que estabais avisados!

El cerebro es hermoso

MENTE Y ARTE

En este artículo reproducimos la entrevista traducida al español, que le hace Noah Hutton a Greg Dunn, artista y neurocientífico. Se puede encontrar el original en: http://thebeautifulbrain.com/2011/11/interview-gallery-greg-dunn/ Greg Dunn es un artista visual que tiene un Ph.D en Neurociencia en la Universidad de Pensilvania. No es fácil saber a primera vista si Dunn está pintando un patrón de ramas de una planta o de neuronas. Pero quizás ese sea el punto. El ojo de Dunn parece estar afilado para la deslumbrante belleza empacada en la arquitectura celular de cada milímetro cuadrado de nuestro sistema nervioso, arquitectura que se repite en todos nosotros.

La imágenes neuronales en las pinturas de Dunn parecen traer alguna influencia de los dibujos de neuronas manchadas por figuras fundacionales como Santiago Ramón y Cajal, a principios del siglo XX. Aun más, los trabajos de Dunn presentan otra influencia clara, una que el artista mismo discute en la entrevista que sigue. Es un profundo admirador de diversos tipos de trabajos artísticos Pan-asiáticos, y en su obra esta influencia ha logrado elegantes representaciones de neuronas individuales y de regiones más grandes que exhiben lo que Dunn llama “lo crudo y lo audaz”, cualidades de algunos de los dibujos en tinta japoneses y chinos, así como de sus “naturalezas simples, emocionales y directas”.

ENTREVISTA CON GREG DUNN

1. ¿En dónde se origina tu interés en el cerebro y en el arte pan-asiático?

Siempre estuve interesado en la psicología y la filosofía, y supuse que allí fue donde se encontraban mis intereses iniciales. Siempre fui una persona bastante introvertida, así que usaba mucho tiempo en mis pensamientos. Basta con decir que, que con frecuencia estoy perplejo por lo que está pasando allí dentro! A medida que mis intereses científicos se desarrollaban, me di cuenta de que el sistema real y biológico puede ser fascinante. De todas maneras, lo que caracteriza al cerebro es que es el aparato a través del cual experimentamos el mundo. La actividad neuronal de cada ser humano tiene una historia neurológica, así que si eres un científico porque quieres comprenderte a tí mismo, como yo, entonces no tiene sentido mirar en cualquier otro lugar. Honestamente no recuerdo cuándo comenzó mi interés en el arte asiático, pero sospecho que quizás fue en reacción a una sobre-exposición al arte del Renacimiento y por un viaje por Europa, u otro que hice con mi familia cuando era pequeño. En contraste con un montón de arte producido en Europa, el arte asiático era tan simple, emocional y directo. Había espacio para respirar en el lienzo, y las técnicas eran tan crudas y audaz. Es el tipo de arte que justamente te golpea en las entrañas con su impacto inmediato, visceral.

2. ¿Cómo emergieron tu gusto por el arte pan-asiático y tu interés por el cerebro ? ¿Qué hay en todas esas técnicas y estéticas – particularmente en el rollo de papel japonés y la serigrafía- que tú encajaste como la interpretación estética del cerebro?

Las formas neuronales y los estilos asiáticos de pintura chocan en una manera completamente natural, y soy tan afortunado de de haber encontrado esto por mí mismo, porque me ha llevado a una carrera muy satisfactoria como artista/científico. Las formas neuronales son naturalmente elegantes y espontáneas, características que también describen a las formas más tradicionales de pintura asiática sumi-e, etc. Todo lo que se requiere para conectar puntos es la simple realización que necesitas para girar tu conciencia a la escala micro para ver que la naturaleza tiene una forma muy similar a a través de diferentes escalas de magnitud. La forma en ramas de una dendrita es casi idéntica a la forma de un árbol con ramas, una serie de grietas en el pavimento, el movimiento de los ríos y las corrientes vistas desde el espacio, o un rayo. No me sorprendería que la forma también estuviera representada en un nivel cósmico. Es una solución fractal del Universo.

3. Primero vistas en diapositivas y en las imágenes médicas, ¿las imágenes de las neuronas y los ganglios en el cerebro, cambian en tu mente una vez que empiezas a trabajar con sus formas en una manera artística? ¿Tienes ejemplos de este cambio?

Mi percepción de las regiones del cerebro y las células dentro de ellas está siempre cambiando mientras pinto. Esto es porque siempre estoy tratando de trazar una línea entre el fotorealismo y la interpretación. Usar microfotografías como una fuerte referencia, puede ser útil porque ayuda a derruir a la anatomía correctamente, pero puede robarle espontaneidad a la pintura. También le roba al pintor su disciplina casi meditativa de aprender cómo emular los movimientos azarosos y las ramas de las neuronas, una habilidad desilusionadoramente difícil. El cerebro siempre quiere generar o reconocer patrones en las cosas, y es un desafío real el tratar de evitar esa tendencia.

4. ¿Qué es lo que esta interpretación artística de las estructuras del cerebro le ha hecho a tu concepción del cerebro y sus pequeñas unidades de procesamiento? ¿Cómo esta práctica artística ha influido en tu vida académica, si ha sucedido así?

Realmente me ha dado una apreciación de cuán caótica es la microestructura del cerebro. Para ser claro, usualmente pinto solo algunas neuronas en un lienzo para enfatizar sus formas sin oscurecerlas con demasiadas líneas, pero el cerebro no se ve así para nada. Hay un cliché en neuroanatomía sobre cómo cada región del cerebro pide solo una cierta “propiedad inmueble”, y que todas las unidades de procesamiento pueden ser hacinados en un espacio pequeño. Pon juntas 100 billones de neuronas, cada una formada creando miles de sinapsis unas con otras, y el límite evolutivo del tamaño de la cabeza, y tendrás un pequeño órgano densamente comprimido. Es un lío insondable por un lado, y exquisitamente ordenado por otro. SI estos logros han afectado mi vida académica, es en que es un órgano difícil de estudiar! Tan heterogéneo y complicado, es un gran desafío entender el trabajo de solo una neurona.

5.¿Crees que el cerebro alguna vez se entenderá a sí mismo, o es demasiado complejo comprehender su propia función, a pesar de todas las herramientas de la ciencia moderna?

Tuve esta conversación cuando estaba empezando el postgrado con un amigo que recientemente terminó su PHD, y realmente permaneció conmigo. Hay algunos genios sorprendentes allí afuera que están haciendo enormes progresos para todos nosotros. Pero algún día, cuando imaginemos que la tecnología, la adquisición de datos, la superinformática, etc, lleguen al punto en donde alguna de las preguntas realmente profundas puedan ser contestadas, no estoy seguro de cómo un ser humano puede realmente entender la avalancha de información. Aunque el cerebro pudiera entenderse a sí mismo completamente, me parece imposible que sea a través de los gráficos, tablas, diagramas de conectividad y todo lo que sería el resultado inevitable. Personalmente no estoy interesado en esos días, de todas maneras. Para mí, parece ser que un acercamiento más relevante y recompensante del autodescubrimiento, se encuentra en el desarrollo de la personalidad a través de un acercamiento más intuitivo al cerebro. Para entender a mi propio cerebro, practico seriamente la meditación, la ciencia de observar la mente. Allí es donde estaré gastando mi años futuros de investigación científica, y ojalá que entienda algo al final de todo. 

6. ¿Debajo de todo eso, qué es lo que encuentras hermoso del cerebro?

Es literalmente el objeto más complicado del Universo conocido! El nudo tremendo de células cuando se conectan de una cierta manera, da lugar a una sensación extraña de “Yo” que es capaz de ponderar y aprender cosas sobre su entorno. Es un milagro enorme, y está en el techo del por qué somos seres conscientes capaces de apreciar este mundo y toda su belleza ¿Cómo no puedo amarlo?

Más información en Greg Dunn’s website.

Piranesi, arquitecto, grabador, anticuario y diseñador

EXPOSICIONES

Giambattista Piranesi (Mogliano de Mestre, 1720 – Roma, 1778) es una pieza fundamental del arte y la cultura europea.

No solo fue un maestro de su tiempo, sino que además inspiró a la poesía romántica y a la novela gótica.

De un realismo impresionante y un oficio sin fisuras, Piranesi nos ofrece una de las mejores exposiciones del año.

Hasta el 20 de enero de 2013 en Caixa Forum Barcelona.

De la serie “Las prisiones”http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/lasartesdepiranesi_es.html

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XXV Premio de Pintura y Escultura “Óscar Domínguez”, Tenerife

CONCURSOS

XXV Premio de Pintura y Escultura “Óscar Domínguez”, Tenerife

Según las mismas podrán concurrir a este concurso todos los artistas que lo deseen y que presenten obras originales e inéditas, no estando premiadas en otros certámenes.

Las bases recogen además que las obras de temática y técnica son libres, pudiendo presentar cada artista un máximo de dos obras. El tamaño de las mismas no será inferior a 70 cm, ni superior a 150 cm. medido por alguno de sus lados, en pintura. En escultura, las piezas no pesarán más de 75 kg. ni medirán más de 2 m.

Los trabajos se presentarán, desde el día 6 de agosto hasta el 3 de septiembre del presente año, en el registro de entrada del Ayuntamiento de Tacoronte de 9:30 a 13:30 horas, pudiéndolo también por correo certificado a este Excmo. Ayuntamiento de la Ciudad de Tacoronte.

El jurado estará integrado por personas de reconocido prestigio en el ámbito de las artes y la cultura. Y se otorgará un primer premio dotado con 1200 euros y el derecho a una exposición individual en una de las salas de la Casa de la Cultura; y un segundo premio dotado con 600 euros.

La inauguración de la Exposición será el 7 de septiembre y se clausurará el 23 del mismo mes. Permaneciendo abierta al público de lunes a sábado en horario de 17:00 a 20:30 h. y los domingos 18 y 25 de septiembre la exposición permanecerá abierta de 10:00 de la mañana a 20:00 h. en la Casa de la Cultura de esta Ciudad.

El fallo del jurado se hará público durante el transcurso de la Gala de Arte, día 14 de septiembre, dentro de las Fiestas del Cristo de Tacoronte.

Bases: http://www.tacoronte.es/Data/Files/XXV%20%20PREMIO%20DE%20PINTURA%20Y%20ESCULTURA.pdf