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Flexibilidad horaria.

Todos los niveles.

  • Dibujo
  • Pintura
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  • Vidrio Artístico: vidrieras, pintura sobre vidrio y escultura en vidrio

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Matricula gratis Abril!

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Para quienes no se han animado todavía a dar el primer paso, Espai Medusa ofrece:

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La inscripción está abierta durante todo el año, pero solo durante Abril es gratis!

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Arte en Verano en Barcelona !!!

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Aprovecha este verano para acercarte al arte o profundizar en alguna técnica. No importa si eres principiante o tienes experiencia: hay un lugar para tí en nuestro taller. Ampliamos las propuestas y te ofrecemos flexibilidad horaria para que te olvides de las excusas: –Dibujo Pintura EsculturaVidrierasPintura sobre vidrioEscultura en vidrio (nuevo) –Fusing (nuevo) –Vidrio artístico (2 o más técnicas de vidrio) –Interdisciplinares (2 o más disciplinas)

Cursos a partir de 12 hs. ** No cerramos en junio, julio ni agosto ** Más info en: http://espaimedusa.com/arte-en-verano/

George Jeanclos, el escultor de la ternura.

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ARTISTAS

George Jeanclos  (1933-1997)

“Oh, by the way”, George Jeanclos (cerámica).

Su obra nace haciéndose eco de los acontecimientos traumáticos de la Segunda Guerra Mundial. Para escapar de las redadas que amenazan a los judíos en Francia, su familia tuvo que esconderse en el bosque; teniendo que aprender a sus diez años a estar con el peligro de la muerte. Después de la Liberación, ve el cuerpo de los antiguos colaboracionistas colgados de farolas. Poco después, descubrió los seres esqueléticos que sobrevivieron a los campos. Décadas más tarde, Jeanclos reacciona a esta experiencia fundacional: no limitándose a sus propias experiencias, sino a través de la apertura a lo universal, poniéndose a escuchar a todo el sufrimiento, el pasado y el presente; no representa el horror, sino que encuentra en él el poder de crear belleza.

Jeanclos convierte la tierra con la que trabaja en láminas delgadas, por medio de las que forma los personajes con caras similares, tanto para niños y adultos, hombres y mujeres. Estos son los “dormidos” acostados bajo un manto de tierra; seres encerrados en “urnas” selladas con letras hebreas de oraciones por los muertos; personajes cargados sobre las “barcas” que parten hacia el otro mundo; los “kamakuras”, monjes en meditación, espectadores de sus jardines interiores. Más tarde se añadirán las “Pietàs”, los Adán y Eva enamorados, las parejas que están cerca o se abrazan.

Las imágenes de Jeanclos revelan tanto la debilidad del hombre como la fuerza indomable de nuestro amor; que por su mera existencia nos ayudan a vivir.

Tzvetan Todorov, Janvier 2011

La part féconde du hasard

Loin derrière je vais chercher ce geste de l’épaule et du bras qui tient suspendu,

les doigts écartés, ce voile de terre.

Le mouvement violent qui gifle sur l’image modelée un drap gris où les grains de poussière et les lettres des psaumes s’élèvent.

Incantation de tout mon corps pour faire sortir de la terre humide ces êtres endormis ces corps ressuscités qui glissent dans les plis jusqu’au dévoilement.

Georges Jeanclos, sulpture Paris, le 3 novembre 1988

Todo el texto extraído de la página de la Galería Capazza: 
http://www.galerie-capazza.com/index.php?option=com_content&view=article&id=131:georges-jeanclos&catid=44

Escribir un “Statement” artístico

En esta ocasión presentamos la idea del statement artístico, esta declaración que debe estar presente en todo curriculum de un artista. Allí explicamos con palabras nuestra obra, por qué, cómo y para qué.

En el próximo artículo daremos otras instrucciones prácticas para escribirlo correctamente.

Un “statement” artístico es una parte esencial de un buen porfolio. Los dueños de las galerías respetan el profesionalismo de un buen statement. Una buena declaración permite que la gente a la que le gusta tu trabajo, sepa algo más sobre tí, ofrece a tu audiencia más maneras de conectarse contigo, e incrementa su apreciación y percepción del valor de tu obra. Igualmente importante, el statement de un artista te da la oportunidad de ver lo que haces a través de los ojos del lenguaje, para validar tus creaciones desde una nueva perspectiva.

Sin embargo, los artistas que intentan escribirlos se enfrentan con el gran problema de organizar coherentemente todas estas palabras!

Las palabras son una experiencia completamente diferente del mundo táctil del quehacer artístico. El papel y la pintura habitan en el mundo de nuestros sentidos, mientras que las palabras permanecen distanciadas de nuestras mentes. De vez en cuando, cuando los dos mundos se conectan, nos encanta.

Así que lo que nos impide usar nuestras palabras para describir nuestro arte, ¿son las mismas palabras que han estado con nosotros desde que hablamos?

¿Por qué somos tan desconfiados con el lenguaje, una de nuestras conexiones fundamentales con el ser humano?

La razón, en parte, se relaciona con la combinación fatal de los críticos de arte y la educación. Los críticos de arte usan el lenguaje como cetros de juicio; si sus palabras determinan nuestro valor propio, por lo tanto y de todas maneras, matamos al mensajero. La educación formal usa el lenguaje como un medio de control; nos enseñan cuándo, dónde y cómo podemos o no usar estas palabras, y, consecuentemente, crecemos en una desconfianza en nuestra relación con el lenguaje. La desconfianza arde silenciosamente bajo tierra, generalmente inadvertida, hasta que nuestras palabras se empujan hacia contenedores, como el statement artístico. De repente, las palabras nos muestran objetivos para el juicio y la crítica.

Una oportunidad para escribir este statement causa frecuentemente un segundo cuestionamiento de todas las ideas que hemos tenido sobre nuestro trabajo. Para convencernos a nosotros mismos de que no tenemos nada que decir, o nada valioso que decir. Nuestro primer instinto es o apagar la luz y salir de nuestro taller, o lanzarnos a escribir de más. Pero el escapar confirma nuestros miedos de que hay algo de lo que hay que huir. Y sobreeescribir nos anima a usar un lenguaje pretencioso para suavizar nuestra desconfianza hacia el lenguaje. Esto, en su momento, aviva nuestra percepción de que las palabras no pueden describir nuestro arte adecuadamente.

Afortunadamente, tienes una alternativa a rendirte antes de comenzar. En cambio, haz de cuenta que tienes un montón de cosas para decir, que no son importantes para nosotros mismos, ni triviales, sino más bien relevantes, reveladoras, y maravillosas. Imagina que todas las objeciones a escribir han sido superadas y simplemente vas a escribir sobre lo que sea en que creas cierto, en el momento, sobre tu trabajo. Las buenas noticias son que dejándote ir, puedes descubrir y crear un statement artístico.

Hay un lenguaje no consciente de sí mismo sobre tu obra, que usas todo el tiempo. Cada vez que hablas o piensas sobre tu trabajo, experimentas una relación entre las palabras y el arte. El truco es aprender a atraparte haciendo esto, y luego escribirlo fielmente.

Declaración de artista

Algunos consejos para empezar:

Trata a tu statement con el mismo cuidado con el que tratas a tu arte. Se trata de tí.

Usa un cuaderno que te guste y que sea práctico, y mantenlo contigo siempre – en el taller, en el coche, al lado tuyo en la cama.

Encuentra y utiliza un boli o lápiz que fluya suavemente sobre la superficie.

Tomate algunas semanas para anotar todos los pensamientos flotantesque tengas. Date permiso para reunirlos. Seleccionar y decidir vienen luego, cuando tienes suficiente en tu canasta.

Tomate tiempos y fechas específicas contigo mismo para transformar tus anotaciones y escribir tu statement. Respeta estos tiempos. No toleres las interrupciones.

Prepara tu espacio interno. Cierra los ojos y conjura a tu peor crítico. En el ojo de tu mente, manda a esta persona fuera de la habitación. Dale otra tarea, además de respirar sobre tu hombro, es decir, trepar un árbol, o salte piedras, o ir a la biblioteca. Dile a tu crítico que no vuelva hasta que no estés listo. Los críticos se aterrorizan con la idea de ser abandonados, y por eso son tan tenaces, así que asegúrale al tuyo que habrá un lugar indicado para él al final en la mesa de edición y revisión. Los críticos son obstinados. Tendrás que hacer esto más de una vez.

Escribe más de un statement. Como otras obras de arte, un statement artístico también se nutre y cambia. Lo que está bien para el trabajo de un mes puede no funcionar para el próximo.

Date permiso para cometer errores. Permítete escribir mal. Abolla un montón de papeles y tíralos a un rincón. Es la forma del principiante. Luego, cuando tu statement salga genial, lo cual eventualmente sucederá, verás la diferencia.

Artículo de Ariane Goodwin, Ed.D, es un Coach de carrera artística y una escritora. Su página web es www.artist-statement.com

Esta información pertenece a la página: http://www.artbusiness.com/artstate1.html

2014: Año Cortázar

Celebramos este año el nacimiento del gran escritor Julio Cortázar.

Sus libros acompañaron a varias generaciones, y aún hoy siguen vigentes.

Su fantasía, ese paso sutil en el que nos trae desde la realidad hacia mundos absurdos pero por alguna extraña razón, creíbles. Es su habilidad como narrador la que logra engañarnos: de repente estamos atrapados por un jersey que nos impide respirar, caminamos con la Maga por las calles de Paris, analizamos la realidad con Lucas.

Rayuela marcó un antes y un después en la literatura, especialmente la latinoamericana.

Se puede decir tanto sobre esta figura, pero no hay más que leerlo para dejarse llevar por su tono dulce y convincente, ese que nos arrastra a una infancia de rituales y olores, donde todo parecía posible.

El audio de Conducta en los Velorios, inolvidable: http://www.youtube.com/watch?v=AThfIzEmavg

El Arte, Conversaciones de Auguste Rodin y Paul Gsell

Hace más de 15 años un artista del vidrio con el que tomé un curso intensivo, no sólo me enseñó a usar las técnicas que estaba buscando, sino que me pasó un libro.

Hasta el día de hoy, cuando veo a alguien a quien realmente le interesa el arte, lo recomiendo. Es El Arte, de Auguste Rodin.

Auguste Rodin

Consta de una serie de conversaciones con Paul Gsell, en donde opina sobre todo: la vida en general, el éxito, la naturaleza, el carácter original del arte, etc.

Las ideas principales están bien divididas en los diferentes capítulos:
El realismo en el arte: el artista representa su propia realidad y esa es la verdadera realidad porque el artista va más allá, es capaz de leer en el interior de las cosas y ve lo que otros no pueden ver a simple vista. Por eso el artista solo tiene que creer en lo que sus ojos ven.
El vaciado solo reproduces lo exterior yo reproduzco además el espíritu, que sin duda también es parte de la naturaleza.
Yo veo toda la verdad y no solo la que está en la superficie. Yo acentúo las líneas que mejor expresan el estado espiritual que interpreto.
La belleza: es toda la naturaleza.
Una obra bella debe tener carácter, expresividad, debe representar la verdad exterior e interior. Lo feo es todo lo falso y artificial lo que alardea de ser bello y carece de razón, de sentimiento, de expresión, de motivo.
El modelado: para hacer un buen modelado Rodin explica que nunca hay que ver las formas en superficie sino en volumen. Considera las formas como el extremo de un volumen que se dirige hacia el escultor.
Así las figuras recobran vida, no quedan planas, sino que florecen de dentro hacia fuera.
El movimiento: es una de las principales características de su obra.
El artista cuando plasma la realidad no detiene el tiempo, al contrario que en la fotografía.
Plasma la impresión de un gesto que se ejecuta en varios instantes. el buen artista cuando hace una obra de arte conoce con detalle la historia de lo que está representando , lo que ocurrió antes y por qué, lo que está ocurriendo, y lo que va a ocurrir. Y todo eso lo funde de tal manera que podamos apreciar todos esos sentimientos en una misma obra.
El movimiento lo es todo en una obra, principalmente en la escultura. Por esa razón, como dice Rodin, tiene que estar muy bien estudiado y saber todo el proceso de movimientos que se llevan a cabo para concertar una acción.
Dibujo y color: cada artista tiene su manera de dibujar y dar el color, pero no quiere decir que una sea mejor que la otra.
Rodin cree que es un error pensar que un mismo artista no puede ser a la vez buen colorista y buen dibujante. No se puede separar una cosa de la otra, pues cobran sentido cuando están juntas.
Sería acertado clasificar a los artistas según su manera de ver la realidad, no por coloristas o dibujantes como se viene haciendo hasta ahora. Lo que hay que conocer es el alma del artista, no sus medios.
La belleza de la mujer:
En suma la belleza está por doquier. No falta belleza para nuestros ojos, pero a nuestros ojos le falta verla.
La belleza es el carácter y la expresión.
Y no hay nada, en la naturaleza que tenga más carácter que el cuerpo humano. Por su fuerza o por su gracia evoca las imágenes más variadas.
Fidias y Miguel Ángel: estos son sus dos modelos a seguir.
Encuentra claras diferencias entre ambos, sin menospreciar a ninguno:
Fidias trabaja con cuatro planos: hombros y tórax, pelvis, rodillas y pies. En direcciones diferentes crean una ondulación muy suave. Sus obras expresan tranquilidad, sensación de aplomo, de descanso. Usa el contraposto. Representa  posturas llenas de soltura y gracia, que reciben de lleno la luz.
En cambio Miguel Ángel trabaja con dos planos: uno para la parte superior y otro para la parte inferior, esto le da a sus obras un gesto de violencia.
Las dos piernas trabajan aguantando el peso del cuerpo, no descansa como en el arte griego. Crea estatuas de una sola pieza, de un bloque. La postura en forma de voluta crea sombras acentuadas.
Crea obras fogosas donde sus personajes expresan angustia, dolor, esa energía inquieta, una criatura atormentada.
Utilidad de los artistas: los artistas dan ejemplo de amor hacia su profesión. Lo obreros se ven forzados a hacer su trabajo y lo hacen con desgana, odian su trabajo. No lo ven como algo que necesita el hombre para avanzar como persona sino como un castigo que se hace de forma mecánica sin reparar en ello. Los políticos hacen su trabajo pensando en la recompensa económica sin importarles los asuntos de gobierno. Y los artistas son los únicos que verdaderamente hacen su trabajo con gusto, adoran su trabajo y eso es lo que todos deberían hacer.
También aparte de dar goces intelectuales el arte señala al hombre su razón de ser, les revela el sentido de la vida, les aclara su destino, y los orienta en su existencia.
Este libro tiene un ritmo rápido y se lee muy fácilmente. Sin dudas una excelente fuente para entender quién fue Rodin y por qué sus obras nos siguen fascinando.
Agradecemos al blog http://pinturaiiipalomalindez.blogspot.com.es/2012/06/auguste-rodin-conversaciones-sobre-arte.html , que nos ha ayudado a sintetizar el material.

Sintiendo a Dios y los límites de la neurociencia; el arte desde otro punto de vista

“La biologia no puede contar para la trascendencia”

Recientemente el reconocido neurólogo Oliver Sacks publicó un artículo en The Atlantic, titulado “Viendo a Dios en el tercer milenio”.

En él se refiere a numerosas descripciones en la literatura médica de experiencias religiosas que alteraban la vida, asociadas a anormalidades neurológicas. También apuntó a las visiones extáticas de Dostoievski y recuerdos de un coma del neurocirujano Eben Alexander (quien lo describió en un artículo de Newsweek). Ambos creían haber experimentado algo transcente – quizás hasta a Dios – durante un estado alterado del cerebro.

Sacks apuntó a que recientes estudios mostraron que tales epifanías pueden ser precisamente relacionadas con actividad eléctrica alterada en partes específicas del cerebro, especialmente el lóbulo temporal derecho. Y reportó que tal tipo de experiencias se están volviendo más comunes, mayormente porque más pacientes que antes simplemente hubieran expirado, están siendo traídos de vuelta de un paro cardíaco. Estas experiencias cuentan frecuentemente con un componente extracorpóreo, significando que los pacientes sintieron que se estaban viendo a sí mismos desde un punto de vista externo a ellos.

Algunos investigadores hasta han demostrado que estas experiencias extracorporales pueden ser replicadas usando un aparato que incluye gafas de video, maniquíes y extremidades protésicas.

Cómo explicar estas experiencias es un problema difícil que no puede ser resuelto, pero Sacks nos urge a evitar negar las explicaciones naturales – aquellas enmarcadas en términos de estructuras y funciones del cerebro – como posibilidades.

En particular, condena la negativa del neurocirujano Alexander a dar una explicación natural de la experiencia que para él representa una definitiva evidencia del más allá, remarcando que la historia de Alexander “más que no cientifica, es anti-científica”.

En fuerte contraste, Sacks argumenta que las explicaciones naturalistas ofrecen la mejor descripción disponible de estos fenómenos. Cree que estas experiencias más bien representan alucinaciones neurológicas, a las que se les ha dado significado por un profundo deseo humano de trascendencia.

Antes de continuar, necesitamos detenernos para considerar a qué nos referimos con “trascendente”.
Literalmente significa ir más allá. La idea de trascendencia tiene raíces profundas en nuestra cultura.
(…)
En el contexto religioso, la trascendencia implica una realidad que no es puramente material. Hay cosas en este mundo que son reales pero no físicas, en el sentido de que no tienen masa, tamaño, forma, ubicación o color, que no emiten ningún sonido, y no pueden ser tocadas, gustadas u olidas. Un materialista absoluto negaría que este tipo de cosas pudieran existir, argumentando que Dios o los dioses son meras majaderías. Desde este punto de vista, referencias a lo divino, así como a todas esas cualidaes etéreas como el amor, la belleza y la bondad, simplemente se refieren a patrones de la conducta humana, a procesos electroquímicos de la actividad en el cerebro. En contraste, los judíos, cristianos y musulmanes aseguran que la evidencia de Dios es auto-evidente, ya que Dios creó todo lo material.

¿Debemos pensar entonces que algunas experiencias atribuidas a la presencia divina o a un encuentro con una realidad trascendente están asociadas con cambios característicos en la función de una parte específica del cerebro, y que estimulando esta parte del cerebro podemos producir estas experiencias en sujetos experimentales? ¿Esto indica que estas experiencias y quizás todas las experiencias son, por lo tanto falsas?
(…)
Quizás hasta, como Sacks sugiere, son meras alucinaciones, el mismo tipo de estados alterados que a veces producen un traumatismo cerebral, las drogas y hasta los sueños nocturnos.

¿Son tales experiencias de trascendencia simples errores de tiro del cerebro?

Para poner esta pregunta en una manera ligeramente diferente pero que ayudaría más, ¿sería preciso decir que un cerebro humano que funciona perfectamente no podría tener sentido de la trascendencia? Si pudiéramos eliminar todas las toxinas, actividades eléctricas aberrantes, y desequilibrios de los neurotransmisores, y también asegurar una provisión de oxígeno, glucosa y otras sustancias necesarias, ¿conseguiríamos entonces un estado de mente no trascendental permanente?¿Nos mantendríamos de día en día y aún, de segundo en segundo, en un permanente estado de inmanencia, atentos solo a los objetos presentados a nuestros sentidos, y finalmente evitar los tipos de percepciones erróneas que elevan a la gente a pensar que a veces se ha encontrado con Dios?

Quizás no deberíamos ir tan rápido para abandonar lo trascendente.
¿Y si lo trascendente no es diferente de ningún otro aspecto de la experiencia humana, en al menos un punto esencial?
Es decir, que hay experiencias verdaderas y falsas, así como hay experiencias verdaderas y falsas asociadas con los sentidos, con la razón y con los sentidos. A veces pensamos que el chirrido de una máquina es el llanto de un bebé. Lo que parecería una conclusión probada se convierte en una asunción errónea, y lo que suponemos que es amor resulta ser simplemente un fugaz enamoramiento. Si somos inteligentes, reconocemos que somos falibles. Aun nuestra falibilidad no nos lleva a concluir en que nunca podremos realmente experimentar, saber o sentir algo.

Creo en la música. Cuando esucho música, o al menos cierto tipo de ella, me siento transportado a otro lugar, mi humor se eleva, siento un nuevo sentido de armonía y soy capaz de enfocarme más claramente en lo que parece que más importa. Un fisiólogo diría que lo que yo llamo música es solamente el rasguido de los pelos de un caballo a través de una tripa de gato, una vibración mecánica en una frecuencia particular.
Un neurólogo diría que simplemente estoy experimentando la transducción de la energía kinética a energía eléctrica procesada por neuronas.
Pero aún hay algo en la música que es difícil de estimar en estos términos. Sería como decir que un abrazo apasionado es sólo la presión de carne contra carne.
Considerando estas declaraciones del fisiólogo-ensayista Lewis Thomas con respecto a la Novena Sinfonía de Mahler:

“Hace un tiempo no muy lejano, cuando la escuchaba, especialmente al final del movimiento, era un reconocimiento de la muerte y al mismo tiempo, una tranquila celebración de la serenidad conectada al proceso. Tomé esta música como metáfora de la reaseguración, confirmando mi fuerte sensación de que la muerte de toda criatura viviente, la más natural de todas las experiencias, tiene que ser pacífica. Creo en la naturaleza (…)”

¿Está Thomas describiendo una realidad fuera de la mente humana, algo más allá de las vibraciones aéreas y de las neuronas?¿Fueron los compositores como Mahler, Beethoven y Mozart, comprometidos con una mera habilidad manual, desilusionándonos con algo falso?¿O estaban comprometidos en la creación de algo real, capturando algo esencial y hermoso, y a través de la música ofreciéndonos una oportunidad para experimentar lo trascendente?
Tanto si hablamos de Beethoven o Mozart, las pinturas de Rembrandt y Van Gogh, o la poesía de Yeats, nos encontramos con el trabajo de genios que pensaron que estaban contestando a un llamado para expresar lo trascendente. Es interesante que aún algunos de los grandes científicos, incluyendo a Newton y Einstein, parezcan haber pensando más o menos igual.
(…)

Creyeron que no era solo posible sino también necesario para los seres humanos meditar sobre ciertos temas trascendentales, como la muerte y el amor, para entender nuestra verdadera posición en el gran esquema de la creación.
Claro que no todos los compositores son Mahler ni todos los pintores Van Gogh. La gran música es real, pero también la mala música, y lo mismo con respecto al arte, la poesía y la ciencia. A veces la gente simplemente no lo capta. Pero el no captarlo, así como el captarlo, está asociado con ciertos cambios neuroquímicos en el cerebro. En otras palabras, el mero hecho de que estén sucediendo estos cambios, no nos ayuda a distinguir entre lo bueno y lo malo, lo grande y lo insípido.
La verdad o la falsedad de estas expresiones no es una simple cuestión de correspondencia con un estado material verificable. Es también un asunto de elegancia, ritmo, equilibrio, y sobre todo belleza; cualidades que en cierto punto son trascendentes.
Finalmente no podemos definir a la belleza en términos estrictamente materiales. No podemos probar solamente en el terreno material que Los Hermanos Karamazov de Dostoievski es una de las más grandes obras de la literatura mundial, no importa cuántas copias haya vendido o durante cuánto tiempo permanezca siendo impresa.

Cuando nuestros hijos o nietos nos pregufnten porqué alguien debería leer una novela de Dostoievsky, o visitar una exposición de Van Gogh, o asistir a un concierto de Mahler, no podremos aportar ninguna prueba material. Sólo podremos intentar describir la diferencia que esas obras han hecho en nuestras propias vidas, y tener la esperanza de que descubran algo similar.

Richard Gunderman
http://www.theatlantic.com/health/archive/2012/12/sensing-god-and-the-limits-of-neuroscience/266706/

Matrícula gratis en Octubre

Si tienes ganas de empezar a pintar, dibujar, hacer escultura o trabajar con vidrio, esta es tu oportunidad: octubre con matrícula gratis.
Ahórrate 30 €.

Y además puedes probar una clase gratuita de 2 hs. para ver cómo trabajamos en nuestro taller.

No dudes en consultarnos por cualquier duda!

http://espaimedusa.com/matriculagratis/

¡Nos mudamos el 1 de junio!

Hemos tenido el blog un poco descuidado porque estamos con mucho trabajo por la mudanza del taller.

Después de años en la calle L’Alzina, nos vamos a otro local muy cercano, pero mucho más grande y luminoso.

Tenemos muchas ganas de empezar un ciclo nuevo y de llevar a cabo proyectos que tenemos en mente desde hace tiempo.

A partir del 1 de junio del 2013 nuestra dirección será Topazi 31, en el barrio de Gracia, Barcelona.

Las visitas serán siempre bienvenidas 🙂

 Y todavía falta tanto por ordenar...

Meditar en el Arte

MENTE Y ARTE

Esta vez encontramos un artículo interesante escrito por Arthur Zajonc , profesor de física que trabaja como investigador en la École Normale Supérieure de Paris, el Max Planck Institute for Quantum Optics, y las universidades de Rochester y Hannover.

Aquí está el artículo completo: http://www.psychologytoday.com/experts/arthur-zajonc

A continuación la traducción:

“Cuando fui invitado por uno de los curadores del Amherst College para dar un ejercicio sobre Meditaciones en el Museo de Arte Mead, seleccioné la gran pintura de Arey Scheffer (1856) de Paolo y Francesca.

(…)

El compromiso contemplativo con una obra de arte, ayuda a traerlo a tu vida. En nuestra conversación después de la meditación sobre esta pintura, uno de los participantes señaló que fue como si la pintura hubiera estado dormida, y que a través de la meditación se despertó – se hizo viva. Su experiencia no fue diferente de la de Rilke, que iba repetidas veces a ver las pinturas de Cézanne. Una y otra vez Rilke volvía a la galería, y finalmente un día pudo escribir: ” por un largo tiempo, nada, y de repente uno tiene los ojos correctos”. Las pinturas han sido tan enigmáticas y evasivas se hacen vivas, por lo que Rilke pudo respirar en su belleza y verdad. Finalmente, luego de una mirada larga y atenta, tuvo ojos para verla. “Cada objeto bien contemplado, abre un nuevo órgano en nosotros”.

  Te invito a situarte enfrente de la pintura. Ubicar no solo tu cuerpo, sino también tu mente, dejando ir las tensiones, pensamientos, preocupaciones y todas las distracciones. Puedes encontrar que el cerrar los ojos y prestar atención a la respiración ayuda. Con cada inspiración y expiración nos relajamos más. Una vez tranquilo, abre tus ojos y pósalos suavemente sobre la pintura, primero observando sin pensar, algunos de los detalles: un fondo oscuro, figuras pares, los ojos están cerrados o semi cerrados, el pelo y las telas fluyendo, heridas, lágrimas. Dos personas de pie a la derecha.

Luego de un tiempo, suaviza y amplía tu mirada para que en vez de individualidades particulares, veas las relaciones dentro de la pintura: claros y oscuros, movimiento y quietud, diagonal y vertical, angustia y objetividad…Cada una de estas polaridades anima al lienzo. A medida que nos hacemos conscientes de ello e intentamos esforzarnos para mantenerlos simultáneamente en nuestra mirada, entonces la pintura realmente se despierta, como viva. Escuchamos estos vientos mientras sentimos la quietud, sentimos la angustia y pronto nos apartamos.

Cuando nuestro compromiso meditativo con la pintura llega a su pico, suavemente cerramos nuestros ojos, permaneciendo alertas y abiertos. El recuerdo de la imagen gradualmente se desvanece de nuestra vista, pero su movimiento, emoción, quietud y fuerza, reverbera todavía en nosotros. Nos permitimos entrar y habitar en estas experiencias internas que nos llevan más allá de la imagen hacia la actividad, energía, vida. Estaban en la pintura, “durmiendo”, esperando a la mirada del despertar del espectador que de repente tiene los ojos correctos.

 Emerson debe haber tenido algo similar en mente cuando escribió, “Animamos lo que podemos, y solo vemos lo que animamos”. Contemplando el arte – de hecho cualquier cosa – puede llevarnos a la animación de lo que sea que esté enfrente de nosotros.

Nuevos ojos, “los ojos correctos” súbitamente nos despiertan y consecuentemente despiertan todo lo que nos rodea”.

Revistas de Arte en España

LEER SOBRE ARTE

Es difícil encontrar publicaciones sobre arte en los kioscos y también en las bibliotecas.

Por eso Elena Vozmediano hizo una recopilación excelente en el blog de El Culturalhttp://www.elcultural.es/blogs_comentario/Y_tu_que_lo_veas/20/55472/Revistas_de_arte_en_Espana

Allí dice: “He dejado de lado las revistas que no se dedican fundamentalmente a las artes visuales, los blogs y las páginas web que sólo reproducen notas de prensa, sin sumar ningún contenido propio. También las que se limitan a publicar dossiers de obras de artistas, sin ninguna aportación escrita. Hay algún fanzine, pero es un apartado que habría que completar. Las publicaciones están ordenadas por tipo de editor y, dentro de cada uno, por orden alfabético.”

Aquí tenemos una lista mucho más larga de la que podríamos imaginar:

Título de revista editor tipo editor formato desde periodicidad
Abrente Real Academia Gallega de Bellas Artes academia papel y digital 1969 anual
Archivo de Arte Valenciano Real Academia de Bellas Artes de San Carlos academia papel y digital 1915 anual
Boletín de la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción academia papel y digital 1930 anual
Butlletí de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts Sant Jordi Real Academia Catalana de Bellas Artes de Sant Jordi academia papel 1986 anual
Temas de Estética y Arte Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría academia papel y digital 1985 anual
21 Le Mag Colectivo Interferencias asociación papel y digital 2009 cuatrimestral
967 arte ACDA (Asociación Castellano Manchega de Divulgación Artistica) asociación papel 2007 semestral
A*Desk A*DESK, Instituto Independiente de Crítica y Arte Contemporáneo asociación digital 2002 diaria
AACA digital Asociación Aragonesa de Críticos de Arte asociación digital 2007 trimestral
Arts Cercle de Belles Arts de Lleida asociación papel y digital 1990 semestral
Imago Sociedad Española de Emblemática / Universitat de València asociación papel y digital 2009 anual
Interartive Interartive asociación digital 2008 mensual
M-Arte y Cultura Visual Mujeres en las Artes Visuales asociación digital 2012 bimestral
Mnemòsine Associació de Museòlegs de Catalunya asociación papel 2004 anual
Roulotte ACM associació per la cultura i l’art contemporani asociación papel y digital 2010 semestral
Sans Soleil Centro de Estudios de la Imagen Sans Soleil / Univ. del País Vasco y Univ. de Barcelona asociación digital 2008 anual
Ajimez Jaime Luis Martín y Elpidio López empresa digital 1997 semanal
Álbum Álbum, Letras y Artes, S.L. empresa papel 1985 trimestral
Antimuseo Antimuseo empresa digital 2003
Ars Magazine. Revista de arte y coleccionismo ARS Revista de Arte y Coleccionismo S.L. empresa papel 2009 trimestral
Ars Operandi José Álvarez y Tete Álvarez empresa digital 2008 diaria
Art.es Salamir Creación y Arte, S. L. empresa papel 2003
Arte por excelencias Exclusivas Latinoamericanas, S.L. empresa papel 2008 trimestral
Arte y parte Editorial Arte y parte empresa papel y digital 1996 bimestral
Artecontexto Artehoy. Publicaciones y Gestión S.L. empresa papel y digital 2004 trimestral
Arteinformado Carlos Guerrero empresa digital 2006 diaria
Artiga Art Tarragona empresa papel y digital 2006 cuatrimestral
Beis Magazine Beis empresa papel 2013 trimestral
Bonart Bonart Cultural, S.L. empresa papel 1999 bimestral
Brumaria Darío Corbeira empresa digital y papel 2002 cuatrimestral
Concreta Editorial Concreta S.C. empresa papel 2012 trimestral
Córdoba Expone Galería Carmen del Campo empresa digital y papel 2012 bimestral
Dardo Magazine Dardo empresa papel 2006 semestral
Deforma Sendemá Editorial empresa papel y digital 2009 anual
Descubrir el Arte Unidad Editorial ?? empresa papel 1999 mensual
El Estado Mental El Estado Mental S.L. empresa papel y radio 2011 irregular
Exit Express Olivares y Asociados empresa digital 2004 semanal
Exit, Imagen y Cultura Olivares y Asociados empresa papel 2000 trimestral
Flúor Proyectos Utópicos empresa papel 2012 trimestral
G + C Cultunet empresa papel y digital 2009 bimestral
Grabado y Edición g&e empresa papel 2005 trimestral
Her & Ms (Heritage & Museography) Editorial Trea empresa papel 2010 cuatrimestral
Hoyesarte Carlos J. del Águila Súarez empresa digital 2008 diaria
La Raya Verde Sema D’Acosta y Juan Jesús Torres empresa digital 2011 bimestral
Lápiz Publicaciones de Estética y Pensamiento empresa papel 1982 trimestral
Masdearte Masdearte Contenidos Digitales, S.L. empresa digital 2000 diaria
Matador La Fábrica empresa papel 2002 anual
Nonsite Nonsite, S.C. empresa digital 2003
Pipa Maite Garbayo Maeztu, ferranElOtro y Francesc Ruiz empresa papel 2012
Salon Kritik KRITIK,a.c. empresa digital 2004 semanal
Singular Singular empresa digital 2012 trimestral
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Subastas Siglo XXI Subastas Siglo XXI empresa papel 1999 mensual
Sublime Integra Diseño i Comunicación empresa papel y digital 2002 anual
Tendencias del mercado del arte Hojas de Arte e Inversión empresa papel 2007 mensual
VB Magazine Grip Face, Jordi Pallarès y Javier Siquier empresa papel 2012 semestral
Veintitrés Veintitrés empresa papel 2012 semestral
Archivo Español de Arte CSIC. Centro de Estudios Históricos institucional papel y digital 1940 trimestral
Lambard. Estudis d’Art Medieval Institut d’Estudis Catalans: Amics de l’Art Romànic institucional papel 1977 bianual
Mus-A Junta de Andalucía. Consejería de Cultura institucional papel y digital 2002 anual
museos.es Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del ex-Ministerio de Cultura institucional papel y digital 2004 bianual
Patrimonio Histórico de Castilla y León Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León institucional papel y digital 2000 cuatrimestral
PH. Boletín del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico Junta de Andalucía: Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico institucional papel y digital 1996 trimestral
Reales Sitios Patrimonio Nacional institucional papel 1964 trimestral
Atlántica Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria museo papel / digital 1992 semestral
Boletín del Museo de Bellas Artes de Bilbao Museo de Bellas Artes de Bilbao museo papel 2005 anual
Boletín del Museo del Prado Museo del Prado, Madrid museo papel 1980 anual
Boletín del Museo e Instituto Camón Aznar Museo Camón Aznar, Zaragoza museo papel y digital 1980 semestral
Boletín do Museo Provincial de Lugo Museo Provincial de Lugo museo papel y digital 1983 anual
Carta Museo Reina Sofía, Madrid museo papel y digital 2010 anual
Cuadernos del IVAM Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia museo papel y digital 2004 anual
De 11 a 21 Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla museo papel y digital 2010 semestral
Goya Fundación Lázaro Galdiano museo papel 1954 trimestral
Museo Guggenheim Bilbao Museo Guggenheim Bilbao museo papel
Panera Notebook Centre d’Art La Panera, Lleida museo digital 2012 cuatrimestral
Perspectivas Museo Thyssen-Bornemisza museo papel y digital trimestral
Quaderns d’Arqueologia i Història de la Ciutat de Barcelona Ayuntamiento de Barcelona: Museu d’Història de la Ciutat museo papel 2005 anual
Radar MUSAC museo papel 2012 bianual
Trasdós Museo de Bellas Artes de Santander museo papel 1999 anual
Anales de Historia del Arte Universidad Complutense de Madrid. Departamento de Historia del Arte universidad papel y digital 1989 anual
Anuario del Departamento de Historia y Teoría del Arte Universidad Autónoma de Madrid. Departamento de Historia y Teoría del Arte universidad papel y digital 1989 anual
Ars Bilduma Universidad del País Vasco. Departamento de Historia del Arte y Música universidad digital 2010 anual
Ars Longa. Cuadernos de Arte Universitat de València. Departament d’Història de l’Art universidad papel y digital 1990 anual
Arsgravis. Arte y simbolismo Universitat de Barcelona universidad digital 2006 anual
Arte y Políticas de Identidad Universidad de Murcia. Facultad de Bellas Artes universidad digital 2009 semestral
Arte y sociedad. Revista de investigación Universidad de Málaga. Grupo EUMEDNET universidad digital 2011 semestral
Arte, Individuo y Sociedad Universidad Complutense de Madrid. Departamento de Historia del Arte universidad papel y digital 1988 anual
Arteterapia Universidad Complutense de Madrid universidad papel y digital 2006 anual
Artigrama Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza universidad papel y digital 1984 anual
Artnodes Universitat Oberta de Catalunya. Varios departamentos universidad digital 2002 anual
Atrio. Revista de Historia del Arte Universidad Pablo de Olavide, Sevilla. Área de Historia del Arte universidad papel 1988 anual
Bellas Artes. Revista de Artes Plásticas, Estética, Diseño E Imagen Universidad de La Laguna universidad papel y digital 2002 anual
Boletín de Arte Universidad de Málaga. Departamento de Historia del Arte universidad papel y digital 1980 anual
BSAA Arte Universidad de Valladolid. Departamento de Historia del Arte y Áreas de Prehistoria y Arqueología universidad papel 2006 anual
Cuadernos de la Cátedra de Patrimonio y Arte Navarro Universidad de Navarra: Cátedra de Patrimonio y Arte Navarro universidad papel y digital 2006 anual
De Arte. Revista de Historia del Arte Universidad de León. Facultad de Filosofía y Letras universidad papel y digital 2002 anual
e-artDocuments Universidad de Barcelona. Departamento de Historia del Arte universidad digital 2008 anual
E-RPH (Revista Electrónica de Patrimonio Histórico) Universidad de Granada: Departamento de Historia del Arte universidad digital 2007 anual
Espacio, Tiempo y Forma. Serie VII: Historia del Arte UNED. Facultad de Geografía e Historia universidad papel y digital 1989 anual
Fedro Universidad de Sevilla: Departamento de Estética e Historia de la Filosofía universidad digital 2004 anual
HUM 736. Papeles de Cultura Contemporánea Universidad de Granada. Departamento de Historia del Arte universidad papel y digital 2003 anual
Laboratorio de Arte Universidad de Sevilla: Departamento de Historia del Arte universidad papel y digital 1988 anual
Liño Universidad de Oviedo: Departamento de Historia del Arte y Musicología universidad papel y digital 1980 anual
Locus Amoenus Universitat Autònoma de Barcelona: Departament d’Art universidad papel y digital 1996 bianual
Minius Universidade de Vigo. Departamento de Historia, Arte e Xeografía universidad papel 1992 anual
Museo y Territorio Universidad de Málaga y Junta de Andalucía universidad papel y digital 2008 anual
Nolens Volens Universidad Europea de Madrid universidad papel y digital 2009
Observar Universidad de Barcelona. Observatorio sobre la Didáctica de las Artes universidad digital? 2007 anual
Quintana Universidad de Santiago de Compostela. Departamento de Historia del Arte universidad papel y digital 2002 anual
Re-visiones Ministerio de Ciencia e Innovación. Proyecto I+D “Imágenes del Arte y reescritura de las narrativas en la cultura visual global” universidad digital 2010 anual
Revisiones Universidad de Navarra. Cátedra Félix Huarte de Estética y Arte Contemporáneo universidad papel y digital 2010 anual
Revista de Arte Sonoro Universidad de Castilla-La Mancha. Centro de Creación Experimental universidad CD
Revista de Estudios Globales y Arte Contemporáneo Universitat Politècnica de València. Grupo Espacio Urbano y Tecnologías de Género universidad digital 2013

Silvia Levenson, artista del vidrio

ARTISTAS

Es difícil saber en qué punto termina el arte y comienza la artesanía. Sobre este tema se sigue escribiendo y discutiendo, sin llegar a una conclusión. Con el vidrio vemos que estas categorías se mezclan tanto que es aun más difícil decidir ponerle una etiqueta a una obra.

Todavía hay una tendencia a considerar al vidrio como un material funcional: ventanas, vajilla, etc; o puramente decorativo: vitrales, lámparas, etc.

Es cierto también que mucho de lo que se presenta como escultura, no lo es, pero a la vez, muchas pinturas sobre vidrio son verdaderas obras de arte.

Silvia Levenson es sin dudas una escultora. Sus obras son contundentes en lo que se refiere al contenido, y la técnica es excelente.

Los temas que le interesan están íntimamente ligados con la experiencia de ser mujer y con la exposición de este mundo absurdo y hostil. Su mirada es precisa y sarcástica. Se ríe de los estereotipos, señala a los imperativos de nuestra sociedad como lo que son: convenciones con poco sentido, que hacen que la vida sea aun más difícil. Reflexiona sobre nuestra idea de la felicidad y juega presentándola bajo un aspecto tierno y suave. La publicidad, la juventud, el miedo al dolor y la búsqueda del confort instantáneo se refleja en obras fuertes y bonitas a la vez.

Como ella misma dice en la presentación de la serie La Cosmética de la Felicidad: “en mi trabajo actual, no me interesa la moralidad, sino que quiero explorar la obsesión de ser siempre feliz, y mi perspectiva se origina de mi propia incomodidad y de mi propio sentido de no encajar”. 

Disfruten de su obra con sus propios ojos en la página: www.silvialevenson.com

La palabra pintada de Tom Wolfe: contra la impostura artística

LITERATURA

Hoy día, sin una teoría que me acompañe, no puedo ver un cuadro

La Palabra Pintada

La palabra pintada es el excelente libro escrito por Tom Wolfe en 1975. Corto, punzante, “políticamente incorrecto”. Expresa con una prosa afilada el pensamiento que comparten tantos artistas y tanto público cansado de obras vacías, repartidas en museos, galerías y centros culturales.

En él expone la idea de que el arte contemporáneo está más cerca de la literatura y de la nada, que del arte real. Los críticos definirían qué obras tendrían éxito, y que así ilustrarían sus teorías.

Los principales críticos de arte a los que se denuncia, son Clement Greenberg , Harold Rosenberg y Leo Steinberg, quienes tuvieron una importancia enorme a partir de la década del 70.

Wolf afirma que el arte se ha convertido en una parodia de sí mismo: tan literario, académico y manierista como la pintura contra la que se había rebelado. El arte moderno se puso de moda y perdió el sentido.

“En resumen durante todos estos años he creído que en arte, mas que en cualquier otra cosa, ver es creer. Bien, ¡cuanta miopía! Ahora, por fin, el 28 de abril de 1974, ya podía ver. De golpe he recuperado toda mi visión. Nada de ver –ver sea creer-, tonto de mi –creer es ver- porque el arte moderno se ha vuelto completamente literario: las pintura y otras obras solo existen para ilustrar texto”.

También critica la función del mecenazgo y el coleccionismo en la decisión de qué tipo de movimiento pasaría a la historia, empujando a los artistas a dedicarse al estilo que ellos imponían, como el Expresionisimo Abstracto.

“Las exposiciones que yo conocía de joven consistían en una serie de cuadros en los cuales había abajo un cartelito pequeño que citaba el nombre del autor, el título y, en todo caso, una pequeña indicación técnica. Espero que, si seguimos así, veremos exposiciones que consistirán en tremendos cuadros con críticas ampliadas, junto a los cuales se colocará una pequeña fotografía para que se sepa a qué se refiere la crítica”.

La palabra pintada viene generalmente acompañada de otro texto: ¿Quién le teme a la Bauhaus Feroz?, en donde extiende su pensamiento a la arquitectura.

Ambos son, sin duda, imprescindibles para respirar un rato en medio de tanta tontería artística.

El comercio del arte en Internet o E-commerce para arte

VIVIR DEL ARTE

La primera pregunta es qué es el E-Commerce y cómo puede ayudarnos a vender nuestra obra.

En esta oportunidad tomamos un extracto del artículo que Pilar DM publica en su muy recomendable página web El Dado del arte.

  • ¿En qué consiste exactamente el e-commerce?
El comercio electrónico (o e-commerce) es la manera de vender productos a través de Internet con la única ayuda de una página web y una empresa de logística asociada al vendedor o plataforma de venta. La venta electrónica ha alcanzado la edad adulta en España, llegando al punto en que comprar por la Red ha vencido los falsos mitos sobre la privacidad de los datos y la seguridad de la compra.
Es imprescindible contar con una  “pasarela de pago ,que durante los últimos años han implantado la práctica totalidad de las entidades bancarias; y con un tipo seguro de transporte. Este último incluye un seguro que cubre los daños o pérdidas del material. Puedes consultar las tarifas de CorreosUPS, MRW, etc.

  • Un artista, ¿qué es lo primero que tiene que tener en cuenta si admite vender sus obras a través de e-commerce?

Cualquier persona que se ponga a vender un producto a través de Internet tiene que tener claras 3 cosas:

Posicionamiento: Vender en Internet no es llegar y besar el Santo. Al principio no te conoce nadie, más que los cuatro amigos a los que se lo has contado. Necesitas promocionarlo y posicionarlo, ya sea dentro de la plataforma de e-commerce (si elegiste una, como por ejemploEbay) como en los buscadores y redes sociales:

  • La promoción dentro de la plataforma Ebay sigue sus propias reglas, si bien hay tres que debemos dominar al comenzar:

1. Necesitamos comprar algunos productos para recibir un mínimo de 15 a 20 votos positivos de nuestros vendedores y a partir de ahí la gente empezará a fiarse de nuestra seriedad.

2. Aceptamos que se nos van a cobrar comisiones por cada venta, dependiendo de la visibilidad que elijamos a nuestros productos y también por transferencia a nuestra cuenta dePayPal.

3. Es imprescindible que las imágenes que mostremos de nuestras obras sean perfectas. Iluminación, posición y todas las características se realcen al máximo para que el comprador no tenga ninguna duda sobre lo que está comprando.

  • En los buscadores, conviene enlazar blogs y páginas que hablen de arte y que nos devuelvan el enlace. Por supuesto ser activo con los comentarios y seguir las reglas básicas de los blogs.
  • Dentro de las redes sociales, promocionar nuestra tienda sin hacer spamming, pudiendo crear grupos para gente con intereses similares. Es muy importante que tus contactos no se sientan agredidos por tu promoción.

Adaptabilidad Vs Capacidad: es el clásico “no morir de éxito” Si produces a un ritmo X y de repente tienes un pico de ventas que te exige producir a un ritmo 2X o 3X, tienes la opción de aceptar el compromiso que requiere crear más rápidamente (pudiendo perder en calidad) o dejar insatisfecho a gran parte de la clientela, con su consiguiente desprestigio. Hay que saber dimensionar con claridad donde están nuestros límites creativos y explicitarlo claramente en nuestra web (periodos de entrega y contingencias posibles) para que no haya incumplimientos.Socialización: que enlaza con el punto de promoción en buscadores y redes sociales. Cada vez aumenta el número de visitas a blogs y webs (de e-commerce entre ellas) que proceden de Facebook y Twitter mayoritariamente.

1. Lo primero sería ser activo y socializar con tus amigos, y amigos de amigos que les pueda interesar lo que vendes, es la adaptación del clásico boca a boca a la era de los Social Media.
2. A continuación sería crear una estrategia de ruido para que nuestro mensaje llegue lo más lejos posible. Ya sea a través de grupos como apuntábamos antes, como de concursos,virales (flash, bromas, videoclips, y demás media), etc.
3. Y sobre todo ser activo, desenfadado y compartir información interesante para todos aquellos “posibles” clientes, es la regla de oro que hay que convertir en nuestro hábito diario.
Ampliaremos el artículo en el futuro, con más información  perteneciente a la misma página: http://eldadodelarte.blogspot.com.es/search/label/mercado%20del%20arte

Podcasts sobre Arte

Es difícil encontrar en la radio programas interesantes sobre arte en general, y especialmente sobre artes visuales.

Para quienes trabajamos en nuestro taller, la música o la radio son una gran compañía, por lo que sería especialmente interesante contar con espacios de este tipo.

Buscando en internet, hemos encontrado dos sitios que valen la pena.

Uno corre a cargo de la Asociación Culturarte de Valencia. En él varios artistas, arquitectos, diseñadores, ilustradores, etc; tratan distintos temas a modo de tertulia. A pesar de que su última edición consta como grabada en el 2007, los temas son completamente actuales. Por ejemplo: Arte y Provocación, Réplicas, Versiones, Pastiches y Falsificaciones.

http://www.podsonoro.com/podcast/1023/culturarte

El otro espacio es más general, y en él se habla sobre diversos asuntos culturales, entre los que destacan las artes visuales y la literatura. Además hay una gran variedad de audiolibros.

www.ivoox.com/audios-arte-literatura_sa_f443_1.html

Si tenéis información sobre otros sitios de este tipo, os animamos a que los compartáis con nosotros.

Jaime Sabines, poeta recomendado.

LITERATURA

Obra de la joyera Isabel Herrera: “Kit de los Amorosos”. Puedes ver sus preciosos trabajos en http://www.facebook.com/tallerdejoyeriaellavadero

Jaime Sabines Gutiérrez (Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, 25 de marzo de 1926 – Ciudad de México; 19 de marzo de 1999) fue un poeta y político mexicano. Es considerado uno de los grandes poetas mexicanos del siglo XX. En vida, tuvo un asombroso éxito entre los lectores, y tras su muerte, su obra ha quedado sembrada en la tradición poética de nuestro tiempo.

Su poesía Los Amorosos habla de gente sensible, de espíritus libres y de búsquedas continuas… Que la disfruten.

Los amorosos callan.
El amor es el silencio más fino,
el más tembloroso, el más insoportable.
Los amorosos buscan,
los amorosos son los que abandonan,
son los que cambian, los que olvidan.

Su corazón les dice que nunca han de encontrar,
no encuentran, buscan.
Los amorosos andan como locos
porque están solos, solos, solos,
entregándose, dándose a cada rato,
llorando porque no salvan al amor.

Les preocupa el amor. Los amorosos
viven al día, no pueden hacer más, no saben.
Siempre se están yendo,
siempre, hacia alguna parte.
Esperan,
no esperan nada, pero esperan.

Saben que nunca han de encontrar.
El amor es la prórroga perpetua,
siempre el paso siguiente, el otro, el otro.
Los amorosos son los insaciables,
los que siempre -¡que bueno!- han de estar solos.
Los amorosos son la hidra del cuento.

Tienen serpientes en lugar de brazos.
Las venas del cuello se les hinchan
también como serpientes para asfixiarlos.
Los amorosos no pueden dormir
porque si se duermen se los comen los gusanos.
En la oscuridad abren los ojos
y les cae en ellos el espanto.
Encuentran alacranes bajo la sábana
y su cama flota como sobre un lago.

Los amorosos son locos, sólo locos,
sin Dios y sin diablo.
Los amorosos salen de sus cuevas
temblorosos, hambrientos,
a cazar fantasmas.
Se ríen de las gentes que lo saben todo,
de las que aman a perpetuidad, verídicamente,
de las que creen en el amor
como una lámpara de inagotable aceite.

Los amorosos juegan a coger el agua,
a tatuar el humo, a no irse.
Juegan el largo, el triste juego del amor.
Nadie ha de resignarse.
Dicen que nadie ha de resignarse.
Los amorosos se avergüenzan de toda conformación.
Vacíos, pero vacíos de una a otra costilla,
la muerte les fermenta detrás de los ojos,
y ellos caminan, lloran hasta la madrugada
en que trenes y gallos se despiden dolorosamente.

Les llega a veces un olor a tierra recién nacida,
a mujeres que duermen con la mano en el sexo,
complacidas,
a arroyos de agua tierna y a cocinas.
Los amorosos se ponen a cantar entre labios
una canción no aprendida,
y se van llorando, llorando,
la hermosa vida. No se pierdan la voz de Sabines recitando:  http://www.youtube.com/watch?v=YMU1RKzt9cw

Su página web: http://www.sololiteratura.com/sab/sabinesprincipal.htm

¿Qué es Pinterest y para qué sirve?

CONSEJOS

Dado el gran éxito de Pinterest en la red, nos hemos interesado en saber en qué consiste y a quién le sirve.

¿Es una forma de divulgar nuestro trabajo?

¿Es una manera de vender nuestra obra?

¿Qué la diferencia de las redes sociales?

Todas estas respuestas se pueden encontrar en el artículo Pinterest, usos en el arte y la cultura, de Mariana Fossatti.

Una red de intereses antes que una red de personas
Para quienes no saben qué es Pinterest, como definición es suficiente con lo que dice Wikipedia: “es una red social para encontrar, compartir, filtrar y organizar principalmente imágenes, pero también vídeo. Permite la curación digital de contenidos con tableros personales temáticos con los que organizar y compartir contenidos multimedia”. Y luego de esta definición, lo mejor es darse una vuelta por el sitio y eventualmente probarlo. Si lo necesitan, también hay manuales y guías de inicio, como ésta.
Lo que diferencia a Pinterest de otros servicios 2.0 es que es una red de intereses, no de personas. 
Como lo comenta Fernando Fuentes Pinzón: “No es necesario ‘seguir’ a ninguna cuenta (como en Twitter) ni tener ‘amigos’ (como en Facebook). Esto significa que sólo se debe buscar algo que consideremos interesante”. Es decir, en Pinterest se puede elegir qué seguir de los usuarios en función del contenido y por eso es más interesante que las redes sociales convencionales, que nos imponen todos los contenidos de una persona y no nos permite filtrar, o apenas de modo rudimentario. Con Pinterest se puede seguir los contenidos que alguien comparte por tema, basta con seguir el board o tablón que nos interesa.
Pinterest también puede ser visto al mismo tiempo como un buscador, como un agregador y como un gestor de marcadores (favoritos), que nos ayuda a encontrar y organizar contenido interesante. Pero a diferencia de un lector de RSS, Pinterest le da relieve a la figura del curador de contenidos, ya que es tan importante hallar contenido como ser bueno seleccionando contenidos. Y se puede ir un paso más allá: Pinterest hace muy fácil la colaboración, ya que se puede invitar a otros usuarios a trabajar juntos en un mismo board. Por todo esto, Pinterest es mucho más que una vidriera: seguir a otros usuarios interesantes e interactuar con ellos es la mejor forma de pasarla bien. Si lo tomo únicamente como un escaparate de lo mío le voy a encontrar muy poco interés.
Otro rasgo particular de esta red, según Fuentes Pinzón, “es que no pretende constituirse en un ecosistema cerrado, donde puedas compartir videos, charlas, imágenes, sin salir de ella, sino todo lo contrario, procura que sirva de catálogo para que puedas dirigirte a una página externa o fuera de la red social”. Esto hace que el contenido visual de la web cobre mayor importancia: imágenes o videos atractivos pueden estimular a los usuarios a compartir artículos de una web o un blog en Pinterest.
Los distintos agentes culturales pueden usar Pinterest de diversas maneras. 
Por supuesto, para los usos que recomendamos a continuación, no es imprescindible Pinterest. Hace tiempo que existen muchas herramientas de red social y de trabajo colaborativo que pueden servir para lo mismo, pero el diseño y las funcionalidades de Pinterest, más la gran popularidad que está teniendo, requieren analizar y reinventar posibles usos.

Para artistas

Todos los artistas, plásticos, fotógrafos e incluso músicos, pueden aprovechar esta herramienta para compartir sus trabajos, relacionarse con otros artistas, coleccionistas y aficionados. Es posible vender obra  (se le puede agregar etiquetas de precios) o promocionar eventos. Además, es interesante conocer cómo otros perciben y etiquetan tu arte según en qué board clasifican la obra. Pinterest puede ser también una gran fuente de inspiración y de aprendizaje.

Para diseñadores

Como portfolio de diseño Pinterest es muy sencillo y agradable de usar. Permite clasificar los distintos tipos de trabajos que haces y también proyectar y mostrar un estilo. La búsqueda de inspiración en este caso es incluso más importante: antes de ponerse a trabajar en un flyer o una tapa de libro, por ejemplo, vale la pena hacer una búsqueda y recorrer tablones interesantes. Para los cazadores de tendencias es una herramienta fundamental.

Para artesanos y tiendas de artesanía y diseño

Las artes decorativas son un plato fuerte en Pinterest. Además de ofrecer directamente piezas (marcando su precio, como explicamos antes), los artesanos pueden conocer tendencias y ojear las cosas que gustan a otros usuarios. La sencillez de Pinterest permite crear, actualizar y reorganizar muy fácilmente un catálogo de productos. Además, es recomendable mostrar los procesos, los materiales y colores con los que se trabaja y hasta los usos que pueden tener los objetos. Los pequeños negocios tienen una herramienta más para difundir su trabajo y vender sus productos.

Para curadores

En Pinterest todos nos volvemos un poco curadores, es decir, seleccionamos y compartimos criterios con otros. Pero quienes se dedican profesionalmente a esta tarea, cuentan con una herramienta para buscar, almacenar y organizar obras que se encuentran no sólo en Pinterest sino en otros sitios en la web. Es una forma intuitiva de registrar lo que vamos viendo de interesante y a la vez recuperarlo, una vez almacenado.

Para gestores culturales y community managers de arte

Uno de los cometidos de estos profesionales es dinamizar contenidos, conversaciones y comunidades en torno a actividades y objetos culturales. Las funcionalidades de Pinterest orientadas a compartir y comentar facilitan estas tareas y contribuyen a generar redes en torno a contenidos culturales. Pero hay que tener una estrategia orientada a la comunidad con la que queremos interactuar: hay que elegir qué pinear, cuántos tablones crear, qué tono usar, promocionar el perfil y monitorear los resultados.

Para museos

Hay un sinfín de posibilidades para los museos, desde mostrar sus colecciones o exposiciones temporales a un público global, hasta interactuar con el público, recibir consultas y comentarios, promover sus tiendas o crear colecciones exclusivamente online. Pero tal vez lo que parece más interesante es la posibilidad de trabajar en red con otros museos, con los artistas, con los coleccionistas y con el público. Por ejemplo, creando tablones colaborativos donde varios museos comparten sus colecciones sobre un mismo artista, período o país. Éste puede ser el inicio de colaboraciones más profundas, que incluso se podrían llevar al espacio físico a través del intercambio de obras o la circulación de muestras itinerantes. Otra posibilidad es crear museos virtuales colaborativos, como el Museu Ideal de Catalunya, una iniciativa para que los usuarios propongan qué piezas deberían estar en un museo representativo de la identidad cultural catalana.

Para galerías

Pueden tener un escaparate muy dinámico, donde el público potencialmente interesado en arte está circulando cada vez más. La flexibilidad de Pinterest para organizar el contenido permite que las colecciones de la galería se presenten de manera variada, por autor, por colores, por temas, por concepto. Además está la posibilidad de interactuar con los coleccionistas, descubrir nuevos artistas y conectarse con ellos. Hay que pensar que con herramientas como esta, los artistas y los aficionados al arte casi que se transforman en galeristas. Por lo tanto, quienes viven de exhibir y/o vender arte tienen que estar dispuestos a agregar valor a lo que ya hace el público y el artista. Los galeristas producen eventos, información, puntos de vista, y eso es lo que los distingue.

Para educadores

Los boards son una forma visualmente atractiva de presentar material educativo sobre arte, diseño, comunicación, cine y cualquier disciplina creativa. Los docentes que saben aprovechar la web conjugan características de curador de contenidos y community manager, con lo que logran captar la atención de sus alumnos aprovechando la enorme riqueza de la web para generar material educativo. También se puede trabajar con los alumnos en colaboración o proponerles trabajo en equipo.

Para coleccionistas y apasionados

Finalmente y no menos importante, Pinterest reúne y pone en interacción a una gran comunidad de entusiastas, de personas que se comunican a través de sus comunes intereses. Descubrir y compartir son las operaciones fundamentales de esta herramienta que nos convierte a todos en curadores y en coleccionistas al mismo tiempo. No hace falta ser un experto ni ceñirse a criterios preestablecidos para expresar lo que a uno le interesa, le motiva o le apasiona. Sin duda la pasión por lo visual es el principal motor de los usuarios de Pinterest más populares.
El sentido es compartir Nuestra principal recomendación para todos es no limitarse: usar esta herramienta siempre que se producen o coleccionan imágenes bajo cualquier temática, manteniendo buenos criterios de selección para no perder el interés de nuestros seguidores. Esta red se apoya en el entendimiento de lo que significa compartir en la red: recomendar cosas interesantes, suscribirse a lo que otras personas tienen para compartir, estar a la búsqueda de hallazgos en el mar diverso que es la web, atribuir correctamente el trabajo de los demás y etiquetar el contenido, dotándolo de significados para que otros puedan encontrarlo.
Gracias a la página: http://www.articaonline.com/2012/05/pinterest-usos-en-el-arte-y-la-cultura/ por la exposición tan detallada de Pinterest. 

Exposiciones imperdibles este año

EXPOSICIONES

Actualmente hay tres exposiciones en Europa, que no os debéis perder.

Una en Viena con motivo del año Klimt, la segunda en Bilbao, con David Hockney, y la tercera en Madrid, con Van Dyck.

Klimt cumplió este año 150 años, y su ciudad celebra por lo alto: museos y galerías muestran su obra, mientras se celebran otras actividades originales.

A partir de él podemos adentrarnos en el Modernismo y en la belleza de Viena.

Muy buena información en esta página: http://www.wien.info/es/sightseeing/museums-exhibitions/klimt2012

Por otro lado, en España podemos disfrutar de dos grandes ocasiones.

En primer lugar, El joven Van Dyck en el Museo del Prado, Madrid. Hay también conferencias y cursos relacionados.

Para enterarse de los detalles: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/el-joven-van-dyck

Y finalmente, David Hockney en el Museo Guggenheim de Bilbao. Organizada por la Royal Academy or Arts en colaboración con el Museo Ludwig de Colonia, es la primera gran muestra en España dedicada a este artista. Hockney es considerado actualmente como el pintor británico en activo más importante. 

No digáis luego que estabais avisados!