La locura del arte en Madrid durante febrero

Destacado

EXPOSICIONES

Los últimos días de febrero en Madrid son una locura y un placer para los amantes del arte. Las propuestas son tantas que se impone hacer un estudio previo para programar la agenda.

Evidentemente es cómodo reunir tantas ferias y proyectos en un periodo corto y en una misma ciudad, ¿pero cómo lo vive el espectador?¿realmente aprovecha esta oferta cultural o queda exhausto?¿hace una selección a la altura de las posibilidades reales y se pierde el resto de exposiciones?

Separando a ARCO, ¿las ventas en las otras ferias justifican su superposición temporal?

Imposible reseñar todas las exposiciones que se han organizado para estas fechas.

Aquí algo de todo lo que nos está esperando…

1- ARCO Madrid

La feria de arte contemporáneo más importante del país cumple 35 años, por lo que 35 galerías presentarán la obra de 2 autores que tengan algún vínculo especial con ARCO.

Además se harán intervenciones en la Casa Árabe, el Museo Arqueológico o el Museo del Romanticismo.

Del 24 al 28 de febrero del 2016
IFEMA (pabellones 7 y 9)
Av. Partenón, 5 (Madrid)
www.ifema.es

2- Art Madrid

La Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles acogerá 46 galerías con más de 200 artistas contemporáneos y emergentes. También se mantiene ONE PROJECT, una selección de 8 proyectos inéditos, multidisciplinares y específicos para el espacio de la feria, y un programa de actividades paralelas con charlas, mesas redondas, talleres y encuentros.

Del 24 al 28 de febrero de 2016
Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles
C/ Montalbán, 1 (Madrid)
www.art-madrid.com

3-JustMAD

Arte emergente que busca, empleando nuevos discursos, conectar con el público y con nuevas audiencias. Las galerías y artistas noveles han encontrado en esta feria el espacio perfecto para ganar visibilidad. Esta edición, además, estrenan una serie de actividades que han denominado Las Tentaciones JustMAD y que giran en torno al diseño, la gastronomía, moda, música, cine, arquitectura, performance y New Media.

Del 23 al 28 de febrero de 2016
COAM
C/ de Hortaleza, 63 (Madrid)
www.justmad.es

4- We are Fair!

Se centra enartistas emergentes Habrá conferencias sobre coleccionismo y producción editorial independiente asi como workshops de autoedición. La feria estará amenizada con sesiones de música y una interesante oferta gastronómica.

Del 26 al 28 de febrero de 2016

Hotel Exe Central 4*

Calle de Mejía Lequerica, 10  (Madrid)

http://www.wearefair.es/

Nico - frente - Natalia Fürst -

“Nico”

Natalia FÜRST.

2016.

Técnica mixta sobre madera en ambas caras. 19,7 x 19,7 cm.

 

5- Room art fair

La idea es exponer en espacios no tradicionales (esta vez se celebra en el hotel Petit Palace Santa Bárbara que se convertirá en espacio expositivo de día y en lugar de descanso para los expositores de noche) para disminuir las barreras que suelen separar al público general de las galerías y promover un arte asequible y las tendencias vigentes en la actualidad.

Del 26 al 28 de febrero de 2016
Hotel Petit Palace Santa Bárbara
Plaza Santa Bárbara, 10 (Madrid)
www.roomartfair.com

6- Casa Leibniz

“Bienvenidos a Casa Leibniz, un hogar para todos aquellos que estén interesados en el arte español del siglo XXI”. Un espacio habitable que llama a la contemplación, a disfrutar, comprender y conversar el nuevo arte.

Del 23 al 28 de febrero de 2016
Palacio Santa Bárbara
C/ Hortaleza, 87 (Madrid)
www.casaleibniz.com

7- Art U Ready

Las calles San Mateo, San Lorenzo y Santa Brígida de la capital forman el triángulo en el que tendrá lugar este acontecimiento multidisciplinar. Exposiciones de artistas, arquitectura e interiorismo, espacios singulares no abiertos al público normalmente y que podrán visitarse, jardines secretos que dejarán de serlo por una semana…

Del 23 al 28 de febrero de 2016
Consultar lugares y agenda
www.artuready.es

8- Drawing room

Un evento nuevo llega a la Semana del Arte Contemporáneo de Madrid. Una treintena de dibujantes y ilustradores, una nueva generación!

Del 24 al 28 de febrero de 2016
C/ Velázques, 12 (Madrid)
www.drawingroom.es

Raul-ARTILES

Raúl ARTILES. Sin Título (de la serie Black Hole) 2015. detalle. 225 x 145 cm.

9- Feria DEARTE

Pone énfasis en el coleccionismo de Arte. Las exposiciones de los artistas serán individuales.

Del 25 al 28 de febrero de 2016
Palacio Neptuno, Cervantes 42  (Madrid)
http://dearte.info/_feria/

10- Flecha

Cumple 25 años y trata de acercar más que nunca el mercado al público con obras de artistas contemporáneos.

Del 11 de febrero al 6 de marzo de 2016
Centro Comercial Arturo Soria 126,128 (Madrid)
http://www.flecha.es

11- Otra puta feria más

74 autores presentan una obra con un mismo precio, 300 euros. Los visitantes podrán hacer fotocopias de la obra que les guste por 0,50 euros. Lo recaudado se invertirá íntegramente en Lotería Nacional con participaciones a partes iguales entre todos los participantes.

Del 23 de febrero al 19 de marzo
Galería 6+1, Piemonte 21 (Madrid)
http://www.galeria6mas1.com/otra-puta-feria-mas/

                                          ¡Nos vemos en Madrid!
Información extraída de las páginas de los eventos y de http://www.revistaad.es/arte/articulos/citas-ad-del-19-al-25-de-febrero-agenda-arte/17771?utm_content=buffer5d510&utm_medium=social&utm_source=twitter.com&utm_campaign=buffer y http://exit-express.com/semana-del-arte-en-madrid/

 

¡Comenzamos el año con nuevos propósitos!

Destacado

Si siempre has tenido ganas de experimentar con el arte…

Si ya lo hacías pero lo tienes aparcado…

Si tienes ganas de mejorar en alguna técnica…

¡Anímate y ven a probar una clase gratis!

  • Dibujo
  • Pintura
  • Escultura
  • Vidrieras artísticas
  • Pintura sobre vidrio
  • Escultura en vidrio
  • Acuarela
  • Cursos a la carta

clase-gratis1

http://espaimedusa.com/clasegratis/

 

Algunos concursos interesantes

CONCURSOS

XXXII PREMIO GREDOS DE PINTURA 2011

– Septiembre-Octubre

Podrán participar en este certamen artistas españoles y extranjeros, no pudiendo concursar con más de dos obras en total. El tema del concurso será libre, así como la clase de pintura.El primer premio tiene una dotación de 6.000 euros.

Teléfono de contacto: 920 37 17 60

[bases]

PREMIO EUROPEO A LAS PASIONES

– Octubre

Se dirige a todos los aficionados y a los profesionales que hicieron de su pasión su trabajo, sin límites de disciplina. El concurso en dinero premia la constancia, la creatividad, el ingenio, el escrúpulo, el sentido de la aventura.

¡Participa gratuitamente!

[Bases]

PREMIO PINTURA FUNDACION CONTSA

– Octubre

Podrán participar a estos premios todos los artistas que lo deseen.

El tema y la técnica que podrá emplearse será libre.

Se establecen los siguientes premios: Primer Premio de 6.000 euros; dos accésits de 3.000 y 1.500 euros.

Las obras se entregarán en la sede de la Fundación Contsa, sita en la calle Santo Tomás nº 17 4ª Pta 41004 Sevilla, Teléfono: 954-50-03-34, fax 954-21-10-37;

Contacto: fundacion@fundacioncontsa.com

PREMIO de PINTURA CIUTAT D’ ALGEMESÍ CONTSA

-Octubre/Noviembre

Con una dotación de 6.000 € para su primer premio, este certamen ha conseguido incrementar su prestigio a lo largo de casi dos décadas. Cada autor puede presentar un máximo de dos obras, cuya temática y técnica es libre.

[Bases]

Mucha más información en la página: http://arteymercado.com/concursos.html

AMÉLIE NOTHOMB: “Escribo todos los días de mi vida y necesito estar en ayunas, vacía, hambrienta”

LITERATURA
Escritora belga-japonesa, lúcida, durísima y precisa como un bisturí.
Estuvo en Barcelona en febrero del 2012.
Transcribimos aquí íntegramente el artículo de la página web: www.amoralart.cat , traduciéndola del catalán al español. Texto de Víctor Fernández Claras.
Es jueves 22 de febrero de 2012 y son casi las siete y media. Quedan pocos minutos para que comience la charla y la entrada del Instituto Francés está llena de gente, que aún no lo sabe, pero hoy se quedará fuera. Dentro, el auditorio está lleno a rebosar- se dice que asistieron más de 650 personas -y no cabe nadie más. Encima del escenario, ella: la mujer del sombrero, la mujer de negro, la escritora de piel pálida y labios rojos, la versión gótica y literaria de una auténtica rock star que mueve masas de gente. La misma escritora nacida en Japón, que ha vivido en Bélgica y en muchos otros países, que escribe en francés, y que es conocida en todo el mundo por sus originales, cortas y controvertidas novelas. Al día siguiente pasará exactamente lo mismo: Amélie Nothomb nos recibe a casi una cuarentena de periodistas para demostrar que no es tan estrambótica como parece: bien, estrambótica sí lo es, pero también es divertida y cercana. Después de escucharla hablar durante dos días seguidos, me viene rápidamente a la mente un fragmento de su última obra, Una forma de vida, que es precisamente la novela de la que nos ha venido a hablar: “Me equivoqué respeto a usted. A través de sus libros, suponía que sería alguien intratable, única, una persona a la que no se la pegas fácilmente. “
Son las palabras de Melvin Mapple, el protagonista de su último libro -Una forma de vida, Anagrama y Empúries-, un soldado estadounidense destinado en Irak que, un buen día, decide escribir una carta a su escritora favorita: la misma Amélie Nothomb. Hasta aquí todo normal, pero la mirada loca y original de la autora empieza a aparecer en el libro cuando este soldado manifiesta en una de sus cartas que desde que llegó a la guerra ha pasado de pesar 55 a 180 kilos. Este sobrepeso desmesurado no sólo es el objeto de debate del intercambio epistolar entre la autora y el soldado, sino que se convierte para Melvin Mapple una forma de protesta hacia la guerra atroz en la que participa. Toda la carne que le sobra – a la que decide llamar Sherezade – es un sabotaje y, posteriormente, un arte. “La culpa, en psicoanálisis, se explica con la expresión de llevar un muerto encima, llevar el peso de un muerto en los hombros. Para el protagonista es un acto de resistencia y sabotaje a la guerra. La guerra debería ser viril, donde hay hombres fuertes y atractivos, pero de esta manera queda ridiculizada. Pensé que estos soldados eran valientes cuando engordaban como locos. Son héroes para demostrar que la guerra es ridícula “, dice la autora provocando la risa de toda la sala. Al día siguiente, en la rueda de prensa, añade: “También quiero añadir una consideración dietética: todos los soldados vuelven de la guerra más grasos. Por lo tanto, por si lo que necesitamos es un eslogan, podríamos decir: ‘No haga la guerra, porque engorda “.
“Cuando mis compañeros y yo nos atracamos sin medida, los soldados delgados nos gritan: “¡Joder, chicos, dejadlo ya! ¡Dais asco, veros comer así dan ganas de vomitar!”. No decimos nada, pero luego lo comentamos entre nosotros: son ellos los que nos dan asco comiendo como si nada, masacrando civiles sin que se modifique su modo de vida, sin manifestar el más mínimo trauma. […] Somos los primeros en aborrecer la apelación de gordos, y entre nosotros nos llamamos los saboteadores. Nuestra obesidad constituye un fantástico y espectacular acto de sabotaje. Al ejército le costamos caros. Nuestra comida es barata, pero la consumimos en cantidades tan espeluznantes que la factura debe de ser considerable. Menos mal que paga el Estado.”
Amélie Nothomb publica una novela por año-aunque asegura que llega a escribir un total de cuatro, confirmando la leyenda urbana de sus lectores-. “Es cierto. Escribo cada día, sin excepción, desde las cuatro hasta las ocho de la mañana. Así es como se hacen muchos libros “. En el último que ha presentado en nuestro país, aparte de hablar de la guerra, reflexiona una vez más sobre la comida y, por primera vez, sobre el intercambio de cartas y la relación entre los autores y los lectores. “Mucha gente pensó que Una forma de vida era una novela autobiográfica, pero os tengo que decir que esta correspondencia es absolutamente imaginaria. Nunca tuve una correspondencia con un soldado estadounidense. Pero dos cosas son ciertas: la primera, que existe una escritora belga que responde su correo, y la segunda es que es cierto que hay una obesidad en el ejército americano en Irak”.
Sí, habéis leído bien. Amélie Nothomb recibe cientos de miles de cartas y las responde todas. Todo empezó cuando respondió la primera, una carta que recibió cuando publicó su primer libro: La Higiene del Asesino. “Respondí inmediatamente sin saber que ponía un dedo en un engranaje que me destruiría. Fue una ingenuidad como autora. Uno de los objetivos secundarios de este libro es pedir piedad al lector. Pero los lectores no lo han entendido así, y ahora me escriben cuatro veces más que antes. Por tanto, este libro podrá ser un éxito literario, pero es un fracaso desde el punto de vista de la experiencia. Soy como un hámster en la rueda, que una vez comienza, nunca puede bajar “. Bromea sobre el tema y decide pedir a los asistentes que le escriban cartas cortas. Ah, y advierte: “No me escribía sólo para ver si contesto, porque sí, contesto. De todos modos, si bien al principio respondía todas las cartas, incluso aquellas necias, ahora si me llega una carta poco cortés o necia la tiro a la basura. Por lo tanto, pongan en sus diarios: ‘Sólo responde cartas bellas e inteligentes’. Ya lo sabéis. Ah, como anécdota, en la charla del jueves por la tarde, un señor pide el turno de palabra para pedirle su dirección. “Este hombre es peligroso. Esto es sadomasoquismo! “, dice  Amélie. En relación a las cartas, y hablando sobre si se ha de conocer a un escritor, la autora responde que no, aunque depende: “Digo que no se debe conocer a los escritores pero vivo en una absoluta paradoja, ya que no me escondo, vivo abiertamente. Debe relativizarse. Hay algunos escritores que estropean más su obra que otros, y espero que no sea mi caso “.
En cualquier caso, el intercambio epistolar es uno de los temas centrales de la novela. Amélie Nothomb nos explica que se ha convertido en la escritora que es porque escribió cartas desde muy pequeña. Sus padres, cuando vivían en Japón, le obligaban a escribir al abuelo que no conocía y que vivía en Bélgica, y este ejercicio la entrenó en el arte del intercambio de cartas. Aparte de las excentricidades del libro, la autora también encuentra espacio para la reflexión: “La principal cosa que aprendí después de veinte años de publicar libros y responder cartas es que necesitamos al otro de manera infinita. Esto es cierto para mí y para el resto. No sabemos en qué consiste esta necesidad, pero hay gente que la necesita realmente “. A este respecto, añade: “La certeza de existir es recibir correo”, o “La carta es extraordinaria porque se escribe para una sola persona. Es como una novela, en dimensiones más pequeñas, para una sola persona “.
Sin embargo, Amélie Nothomb nunca ha escrito a sus autores favoritos. Asegura que no encontraría las palabras suficientes para expresar toda su admiración, y admira la gente que es capaz de hacerlo. Si tuviera que escoger algún destinatario de una de sus cartas, pero … “Supongo que escogería a Hakuri Murakami, porque es un gran escritor pero también un ser humano al que aprecio mucho. Quizás es un poco narcisista, pero él, como yo, también nació en Kobe “. Y es que Japón, por esta autora, es algo más que un país. “Tengo la sensación de que le debo todo a Japón. Es como un mito. Es un país imposible. Marchar a los cinco años fue una rotura identitaria total. La gente me miraba con perplejidad porque yo iba diciendo que era japonesa. Después cuando volví a los veintiún años me di cuenta de que quizás no era tan japonesa como creía. Soy una japonesa fracasada, pero soy japonesa “.
Una charla con Amélie Nothomb sería incompleta si no hablamos de comida. Ha abordado el tema en numerosas ocasiones a sus novelas. Para los que la sigáis, recordaréis su adicción al chocolate en Metafísica de los tubos, los cócteles vomitivos       de pretexto en Higiene del Asesino, la obsesión por  el champagne en  Ordeno y mando, o el redescubrimiento de la comida japonesa en Ni de Eva ni de Adán. “La comida para mí va mucho más allá de lo físico. Es algo metafísico. Cuando fui adolescente sufrí una anorexia muy severa. Comenzó cuando tenía trece años. Un día decidí no volver a comer nunca más. Y no comí absolutamente nada durante dos años. Y cuando digo nada, es nada, no es que comiera algo. Después de dos años me vi en las puertas de la muerte y tuve un problema, porque yo nunca hubiera querido morirme. La anorexia no se conocía tanto. Además yo vivía en el sudeste asiático, donde la anorexia no existe. Muere gente de hambre, pero no de anorexia. Y luego pasó algo muy extraño:se disociar mi cuerpo y mi alma: mi cuerpo fue a comer y mi alma se interrogaba. Después necesité muchos años para ir cosiendo las partes de mi cuerpo y mi alma”.
AMÉLIE NOTHOMB
Amélie es una escritora que se caracteriza por la economía narrativa, huye de las largas descripciones que caracterizan a las novelas y trabaja sobre todo el diálogo, atrevido, cínico, y muchas veces extremadamente violento. Ha combinado a lo largo de su obra novelas de ficción con novelas autobiográficas. Es por ello que sé que esto de la comida es un tema importante para ella. También sé, por haberla oído decir muchas veces, que para escribir necesita estar en ayunas absoluto. Quiero saber el porqué, y en un silencio de la rueda de prensa, le pregunto directamente. “Escribo todos los días de mi vida y necesito estar en ayunas, vacía, hambrienta. Cuando como no sé qué me pasa, pero me sucede algo que me impide estar en mi plenitud “. De hecho, nos explica cómo sería uno de sus días ideales: levantarse a las cuatro, escribir hasta las ocho, y continuar sin comer hasta las seis de la tarde, cuando rompería este ayuno con champagne. “El sentido del gusto está más desarrollado y el efecto mental que puede producir el champagne es espectacular. Llego a una borrachera fantástica. Viví esa experiencia ayer en Barcelona con el cava, que no conocía, y puedo decir que la experiencia fue extraordinaria “. En la rueda de prensa le preguntan si después de este episodio con el cava también se ha levantado a las cuatro de la madrugada: “Sí, como todos los días de mi vida, sin excepción. Es un aspecto de disciplina, porque es duro levantarse a las cuatro. A nadie le gusta comer a esas horas. Pero debo decir que después de esta disciplina aparece el placer. Y las cosas fáciles normalmente no aportan placer”.

¿Se puede vender arte por internet?

VIVIR DEL ARTE
El tema de la forma de vender nuestra obra es básico para nuestra supervivencia. Generalmente no tenemos idea de cómo movernos en el mundo del comercio.
Una de las posibilidades es internet, pero es importante saber bien cómo funciona, qué tenemos que hacer para tener buenos resultados, y qué sitios web se recomiendan para vender arte.
Agradecemos al blog El Dado de Arte, que en su artículo ¿Es posible vender arte en la red?, nos da “algunos consejos para hacer una buena autogestión de la obra y no morir en el intento”.
Oferta de calidad
El artista debe mostrar la mayor cantidad de trabajos posibles, bien seleccionados. Así generará identidad y presencia propias.
Las ventas a través de Internet requieren identificar al público que busca el tipo de trabajos que nosotros hacemos. Las posibilidades son tan amplias que pueden ir de la mera decoración hasta el coleccionismo más apasionado.
Las redes sociales, los blogs y otros grupos online nos ayudarán a entrar en contacto con ese público.
Presentación de la obra. 
Las fotos deben ser de calidad. Si es posible, varias fotos, con detalles de la obra.
Hay que conocer aspectos básicos de edición de imágenes digitales para que se vean de manera adecuada en la web.
También es importante personalizar el espacio donde estamos presentando la obra: crear banners, cabezales, fondos y otros elementos web adecuados que prioricen la presentación de la obra y que generen una sensación de que estamos en un lugar especial, vinculado al artista y a su punto de vista.
Mostrarse activos
La tienda debe estar activa, agregando ítems, renovando su stock de obras disponibles. La estrategia de ventas debe ir acompañada de presencia en las redes sociales específicas (por ejemplo, Flickr) y generalistas (Facebook, Twitter).
Casi todas las tiendas tienen características más o menos sociales. Hay que utilizarlas, estar dispuesto a dialogar con otros artistas y a participar de la comunidad. También es útil mostrar el proceso de creación a través de un blog, en el que las inspiraciones, bocetos, etc., den cuenta de los caminos creativos que transita el artista.
Esta actividad debería ir acompañada de una buena gestión de la web del artista y una estrategia persistente de participación en redes sociales.
En inglés
Más allá de que dominemos o no el idioma y de que nos guste más o nos guste menos, la mayor parte de los compradores en Internet se maneja en inglés. Por lo tanto, es importante poner a disposición descripciones, políticas comerciales y todo lo importante en inglés. Nos pueden ayudar amigos, traductores en línea, diccionarios, sentido común y por supuesto, mejorar nuestras habilidades en el habla anglosajona. Aprehender el vocabulario básico del comercio de trabajos artísticos no es algo tan difícil y por cierto hace una gran diferencia.
¿Dónde instalar mi tienda de arte online?
La primera opción es montar una tienda en el sitio web propio. Será necesario disponer de un carrito de compras y botones de pago. Generalmente estas herramientas se pueden personalizar e insertar en el sitio a través de plugins relativamente sencillos de instalar, o a través de los medios de pago por los que optemos (Paypal, por ejemplo, tiene todas las herramientas para habilitar las ventas desde el propio sitio web).
Ebay o Mercado Libre permiten poner artículos de arte en venta en la sección correspondiente. Además Ebay ofrece muchas formas de categorizar trabajos artísticos y organizarlos por estilo, técnica, tipo (print, original). Hay que familiarizarse mínimamente con las subastas online.
Etsy es un sitio de e-commerce más específico, algo así como un Ebay de arte y artesanías. Los productos en venta son muy variados, desde pinturas y fotografía hasta joyas o productos de tocador. El denominador común es que son productos artesanales, no industriales, aunque los límites no son muy claros. Etsy permite montar una tienda virtual propia, facilitando una interfase web para exponer las obras por un costo muy bajo. A su vez, ofrece servicios adicionales para promocionar la tienda. Incluye asimismo algunas funcionalidades de red social, al permitir comentarios y recomendaciones.
DaWanda es similar a Etsy, aunque con una comunidad de usuarios provenientes más que nada de Europa. Se trata de otra plataforma de e-commerce para productos artesanales. Destacan sobre todo los artículos de moda y diseño. Pero también hay una sección importante de arte.
Artfire es otra opción dentro del rubro de arte y artesanías. Si bien no es tan popular como los dos anteriores, destaca por brindar un servicio básico completamente gratuito, sin costo por publicar ítems ni comisiones en las ventas.
deviantART es una red social muy popular orientada a artistas, en especial a artistas visuales. Cumple también la función de motor de búsqueda de imágenes de calidad. La plataforma permite subir obras, comentarlas, añadirlas a favoritos, descargarlas, etc. Al mismo tiempo, posibilita vender y comprar prints, postales, calendarios y otros objetos.
Smugmug es un sitio para alojamiento de imágenes, que adicionalmente permite vender copias digitales, prints, tarjetas, pósters, libros de fotografías, etc. Otras opciones similares a Smugmug, para vender fotografías: Photoshelter y Zenfolio. Cabe mencionar que estos tres servicios son suscripciones pagas, aunque tienen free trials.
Aparte de éstas plataformas, también se han recomendado en otros foros, Imagekind y BigCartel, y personalmente añadiría Print It! Gallery.

Meditación y creación artística

MENTE Y ARTE
Presentamos una entrevista que realizada a la artista de la caligrafía Nadja Van Ghelue.
Nos pareció muy particular su visión sobre la meditación y su aplicación en el trabajo artístico.
A continuación, la traducción del original en inglés.
Nadja Van Ghelue enfatiza la importancia de la práctica regular de la medicación en el arte de la caligrafía japonesa y en la pintura sumi 1.
Las declaraciones siguientes fueron hechas a la diseñadora y profesora Sheila Schumacher del Transart Institut MFA  para su plan de estudio e investigación de la primavera 2006.
S.S. ¿Te consideras como una artista que tiene un fuerte sentido del espíritu y/o de la fe, o un ser espiritual que produce arte desde y por esa espiritualidad? (En términos más simples, ¿qué es lo que vino primero: tu obra o tu espiritualidad?)
N.V.G. Mi obra vino primero.
Cuando empecé a expresarme a través de la caligrafía, usaba sobre todo la pluma de caligrafía occidental y a veces el bambú árabe.
Creé escrituras espontáneas, que no estaban unidas por ningún tipo de composición o reglas preliminares. Tomaba la pluma y empezaba a escribir, creando mi propio mundo a través de un infinito juego de líneas, formas y ritmos. Nuevas emociones y el descubrimiento de mundos desconocidos en mi vida me impulsaron a una comunicación fuerte dentro mío, que se expresó naturalmente en una escritura libre. Como un niño que toma un lápiz y se expresa de una manera muy inocente.
A esa altura todo tipo de escritos me inspiraba, mientras esa inspiración fluía no necesité ningún método.
Después de algún tiempo comencé a tener dificultades en el proceso creativo. Quería crear trabajos más grandes y me estanqué. No podía mantener el mismo grado de concentración a lo largo del trabajo, interfería demasiado a menudo, y perdí el espíritu unitario. La creación se volvió fragmentada y en alguna forma insalubre y forzada.
Entonces empecé a practicar caligrafía Zen como se hacía en el dojo2 del último maestro Zen Omori Sogen. Me permitió re-experimentar el arte directamente, ser un todo cuando creo y mi ser artístico se abrió a una dimensión espiritual del arte.
Estudié y practiqué el método y las técnicas del shodo3 y me volví más consciente del significado profundo de la herencia caligráfica. En su libro, El Arte Chino de la Escritura, François Billeter observa que a pesar de que muchos artistas en Occidente han alcanzado los niveles más altos de expresión inmediata, han fallado en pasar esta experiencia a otras generaciones. Ningún método es enseñado en el arte occidental para educar y conseguir un genuino estado de mente creativo. Descubrí que esto no era así en Oriente. Los calígrafos y pintores orientales muestran un camino directo al cultivo de un estado de mente creativo. Toda su filosofía integra la vida, la espiritualidad y el arte; y el arte se convierte en una manera de vivir.
S.S. ¿Tú meditas? Y si lo haces, ¿cómo meditas específicamente?
N.V.G. Medito regularmente, todos los días si es posible.
Hago una meditación formal sentada, shamatha4 y vipassana5.
A través de los años, he practicado diversas técnicas de meditación para hacer a mi mente estable y enfocada, algunas de ellas son con objetos externos, y otras con objetos internos, o con técnicas de respiración. Pero mi meditación básica para calmar la mente es enfocarme en la respiración.
A través de estas meditaciones, experimento más claridad y expansión de mi mente, lo que resulta en una conciencia y receptividad más altas, herramientas indispensables para un buen artista.
La meditación informal es una práctica de la caligrafía japonesa en sí misma, y también la meditación caminando en la naturaleza.
El Shodo en sí mismo, cuando se hace correctamente, es una manera maravillosa de meditación en acción, la mente se vuelve clara y calma.
La meditación caminando en la naturaleza es vital para mi sanidad artística y espiritual.
Para imbuir a mi obra con vida, necesito a la Madre Tierra, la fuente de vida. Las montañas y ríos son mis maestros exteriores.
S.S. ¿La meditación juega un rol activo en la producción de tus piezas de arte?¿Cómo aprendiste a integrarlos a ambos?
N.V.G. Mi trabajo artístico está basado en la práctica de la meditación. Si no medito, mi expresión artística se vuelve débil.
Los standards de calidad que me pongo para mi arte, siguen la tradición artística espiritual del Zen y el Taoísmo. La cualidad principal de la caligrafía y la pintura japonesa es la vida interior de la pincelada, la expresión de nuestro verdadero ser siendo él mismo. La tremenda fuerza, la libertad y la belleza de una pincelada, como se ve en las obras de los maestros, es el resultado de esta exploración continua en nuestra gran mente, nuestro ser universal. A través de la meditación puedo acceder a este ser escondido y mi experiencia meditativa fluye naturalmente hacia mi obra.
La integración de la meditación y el arte es gradual. Es un proceso natural, si lo practicas continuamente. Primero están separados porque no conoces de qué se trata todo.
Con la caligrafía y pintura japonesa, primero aprendí a manejar la técnica a fondo. Luego, a través de de la práctica, gané una mayor percepción de los sutiles aspectos de la integración del cuerpo y la mente en el proceso creativo, y empecé a entender el efecto de la meditación en mi mente y en mi arte. Cuando todas estas experiencias se hacen parte integral de mi ser, naturalmente fluyen juntas. La vida, la meditación y el arte no están ya separados.
S.S. ¿Piensas que podrías producir el mismo arte sin la práctica de la meditación? ¿Por qué?
N.V.G. Mi arte no podría ser el mismo sin la meditación.
A mi trabajo de pincel le faltaría vida, fuerza, luminosidad y claridad, para mencionar sólo algunas de las cualidades de una buena caligrafía y pintura japonesa.
En el arte occidental, la línea es una de sus muchas herramientas, mayormente usada como preparación para la pintura. No tiene características especiales. Pero en Oriente, una pincelada tiene un montón de cualidades, que no entran en el concepto occidental de arte. Una de las pinturas ensou6 del maestro zen Hakuin, por ejemplo, encarna al amor y a la compasión sin límites , o la pincelada del calígrafo japonés Yamaoka Tesshu, es la vida misma, sin límites y vibrante. Estas obras de arte son más que formas externas, expresan valores universales.
Mi alma artística busca estas cualidades universales y eternas en el arte.
Sin la meditación, no podría ser consciente de ellas y no podrían fluir hacia mi obra.
Nadja Van Ghelue
S.S. ¿Cómo funciona el concepto de juicio en tu proceso artístico? ¿ Juzgas la cualidad o el éxito de tus obras, y si es así, con qué medidas?
N.V.G. La verdadera naturaleza de la caligrafía y la pintura japonesa, no permite ninguna corrección durante la creación misma, el arte es llevado a cabo dentro de un marco mental de no-juicio.
Pero el juicio juega siempre un rol importante durante el tiempo preparatorio de una obra.
Para expresarme espontáneamente en un acto, tengo que afinarme correctamente y tengo que juzgar si se cumplen todas las condiciones necesarias para producir un trabajo. Tengo que medir el grado de mi habilidad técnica, la interiorización de la caligrafía o de la pintura en mi propio estado de mente. Sólo cuando esto está correcto, puedo producir una obra.
Uso dos standards para juzgar mi obra final.
El primero es técnico, el segundo es espiritual-artístico.
Algunas de las medidas técnicas son:
la calidad de los 4 tesoros (tinta, papel, pincel, piedra)
la manipulación del pincel
la composición de los caracteres o de la pintura
la distribución espacial de la obra en el papel
el balance de forma y vacío
El standard espiritual-artístico incluye:
la fuerza vital o ki en la pincelada
la claridad y luminosidad del sumi
la calidad interna de la pincelada: fuerza, calidez, amor, libertad…
la expresión total de la obra, su expansión y profundidad
la calidad de makoto7
la comunicación con el espectador
S.S. ¿Qué sientes que mejora tu trabajo?
N.V.G. Mirar y estudiar el trabajo artístico de los maestros genuinos, leer sus historias de vida, su filosofía y su visión artística me guían y me ayudan a mejorar mi trabajo.
La práctica continua es en general la manera de mejorar mi obra y mi visión.
Mi educación artística es más bien un proceso de dejarme ir de los conceptos preestablecidos del arte y esforzarme hacia el makoto, la genuinidad, sinceridad y lealtad a la naturaleza y a mí misma.
Makoto se usa frecuentemente para describir la cualidad del poeta haiku Bashou. Digamos que es la  expresión más profunda de la voz interior, la escritura del corazón. Estas cualidades sólo se pueden mejorar con el tiempo, como una fruta que madura. En este estado virgen de la creación, te olvidas de la técnica, de tí mismo y del arte, y esto es ciertamente, la tarea más difícil de conseguir.
1 Sumi, Sumi-e o Suiboku: es una técnica de dibujo monocromático en tinta de la escuela de pintura japonesa. Se desarrolló en  China durante la  dinastía Tang  y se implantó como estilo durante la  dinastía Song . Fue introducida en el  Japón a mediados del siglo XIV por monjes budistas zen.
2 Dojo: lugar de meditación y práctica del Budismo zen, y de las  artes marciales tradicionales del  Japón.
3 Shodo:”el camino de la escritura”, es la caligrafía japonesa.
4 Shamatha: Es uno de los dos grupos en que se dividen las meditaciones budistas. A las prácticas que generan tranquilidad, atención y concentración, se les denomina shamata.
5 Vipassana : Es el otro grupo de las meditaciones budistas. A las prácticas que llevan a la percatación, visión clara, o el darse cuenta, se les llama vipasana.
6 Ensou, Ensō : es una palabra japonesa que significa círculo y que está fuertemente relacionada con el zen. Se trata de uno de los temas más típicos de la caligrafía japonesa, a pesar de que el círculo es un símbolo y no un caracter. Simboliza la iluminación, la fuerza, la elegancia, el universo y el vacío ( mu), así como la propia estética japonesa. Como expresión del momento, se suele considerar una forma de minimalismo.
7 Makoto: honestidad, sinceridad absoluta.

SOCORRO, PERDÓN, de Frédéric Beigbeder.

LITERATURA
Capítulo 1
“El año en que cumplí cuarenta acabé de volverme loco definitivamente. Hasta entonces, como todos, hacía ver que era normal. La locura auténtica sale cuando se acaba la comedia social. Fue después de mi segundo divorcio. Me quedaba algún dinero; me había marchado de mi país. Había amado, volvería a amar, pero esperaba poder prescindir del amor, “un sentimiento ridículo que va acompañado de movimientos grotescos”, como dice Théophile Gautier. Además había dejado las drogas duras, así que no veo por qué tenía que hacer una excepción con el amor. Por primera vez desde que había nacido, vivía solo, y tenía intención de pasármelo bien una temporadita. Quizás me parecía a la época en que no tenía estructura. Reconozco que es molesto vivir sin columna vertebral. Ignoro cómo se las arreglan los demás invertebrados. Yo había crecido en una familia desestructurada, antes de desestructurar la mía. No tenía ni patria, ni raíces, ni ataduras de ningún tipo, salvo de una infancia olvidada; cuyas fotos parecían falsas, y un ordenador portátil con conexión wifi que me producía la ilusión de estar conectado con el resto del universo. La amnesia me parecía el colmo de la libertad. Es una enfermedad bastante extendida, hoy en día. Viajaba sin equipaje y alquilaba apartamentos amueblados. A usted le parece siniestro, vivir entre muebles que no has escogido?
Yo no estoy de acuerdo. Lo que es deprimente es pasarse horas yendo de tiendas dudando entre diferentes tipos de sillas. Los coches tampoco me llamaba la atención. Los hombres que comparan sus cilindradas me dan pena. Es increíble el tiempo que pierden enumerando marcas. Leía libros de bolsillo subrayando frases con un bolígrafo y después los tiraba a ambos a la basura (libro y bolígrafo). Intentaba no conservar nada sino era dentro de mi cabeza. Me daba la impresión de que las cosas me molestaban, pero me parece que los pensamientos también, y ocupan aún más lugar.(…) Iba tachando en la agenda cada día que pasaba como un prisionero que graba los muros de su celda. (…) Quería estar triste, pero no puedes olvidar por encargo. No sé por qué le digo todo esto. De hecho me  gustaría explicarle como me di cuenta de que la tristeza es necesaria.”
Frédéric Beigbeder

ANTONIO LÓPEZ, PINTOR: “Si la vida fracasa, el arte fracasa”

ARTISTAS
Esta magnífica entrevista está íntegramente transcripta de la página Hoy es arte
Ahí está como si no fuera con él. A una distancia que debería de medirse en miles de años luz de cualquier atisbo de esnobismo o soberbia. Se supone que sabe que es uno de los más grandes, pero su imagen es la de la sencillez casi extrema, la del humanismo en la mejor de sus acepciones. Antonio López García (Tomelloso, 1936) nos recibe en la puerta de su estudio en Madrid en traje de faena, enfundado en un delantal que adornan manchas múltiples de su pintura prodigiosa.
Restos y huellas de lo que, con el tiempo, será otra de sus preciadas, personalísimas, obras: “el cuadro o la escultura te dice cuando está terminada y, al tiempo, tú le dices a la obra que lo que tenías que hacer está concluido. Es un tema de comunicación entre tú y lo que haces”. Lo dice desde un pequeño taburete de madera en el que se sienta mirando a los ojos de quien escucha. Medita lo que va a decir, apoya sus palabras en el movimiento de las manos, vuelve sobre lo dicho para que el mensaje quede claro y en el tono y en la mirada transmite una irrefrenable pasión por “toda esa belleza que llamamos arte”.
Y arranca de pronto su diálogo desde la convicción, definiendo que la pintura y la escultura son mágicos lenguajes asentados en la dignidad, modos de comunicación tan antiguos como la presencia del hombre sobre el planeta. “Formas de expresión a través de los que el ser humano hace visibles sus sentimientos. Creando, inventando ese modo de comunicarse hace algo a lo que llamamos arte. Son lenguajes que misteriosamente muchos de los espectadores a los que van dirigidos entienden. Además, entre quien crea y quien observa se establece un nexo que, cuando se hace bien, esta basado en la verdad. Es muy verdadero. No mientes”.
¿Qué diferencia al artista del espectador?
La verdad es que no lo sé. Es un misterio el porqué unos lo hacemos y otros lo miran. Acaso fuera bueno cambiarnos una temporada y los que hacemos limitarnos a mirar y los que miran se pusieran manos a la obra. Es evidente que todo el mundo puede mirar y todos podemos hacer. Todos podríamos porque todos llevamos un creador dentro, lo que pasa es que unos se inician, o nos iniciamos, y otros no lo hacen nunca. La consideración de la luz y las formas acaso juegue un papel pero la verdad es que no me atrevo a afirmarlo.
¿El pintor pinta lo que es?
No lo haces para que los demás vean cómo eres, si no porque necesitas comunicar, expresar algo, aquello que te bulle dentro. Para hacerlo necesitas primero cargarte con una emoción. La emoción actúa como una especie de pila, una vez cargada tienes la posibilidad de hacer algo con ese sentimiento.
(Antonio López está muy lejos de esa imagen entre bohemia y elitista, frecuente en otros artistas. Responde más a lo que esperamos de una especie de amigo de toda la vida… No hay que exagerar, apunta, para añadir). No me siento el colega de al lado, ni bohemio ni, por supuesto, elitista, un término y un concepto que no me gusta nada. Una palabra que me hecha para atrás. No me gusta la gente que va de eso. Tampoco soy ni me siento bohemio, porque ya están las cosas suficientemente difíciles como para ponerlas más. El español no se siente tan mimado como para permitirse ser bohemio. Eso podía ocurrir en Francia en ciertos momentos, pero no es algo que ahora sea ni conveniente ni necesario.
Supongo que en el fondo uno termina siendo una mezcla de todo eso, aunque uno intenta buscar el equilibrio…
Su obra transmite una paciencia infinita a la hora de crear, ¿lo siente así? Dentro de ese equilibrio, ¿qué papel juega la paciencia?
Es una buena observación. Está en relación con lo que amas. Tienes paciencia en relación con las cosas que amas. Probablemente yo no tengo ninguna paciencia con las cosas que me son indiferentes, pero con lo que hago, con lo que pinto, con lo que esculpo, la tengo y mucha. Como las madres que tienen paciencia con sus hijos, como el amante que tiene paciencia con quien ama.
Creo que a veces y dependiendo de qué, con quién y de las circunstancias soy más bien impaciente, pero con relación a mi trabajo le echo toda la paciencia necesaria. Es un elemento que necesito para hacer mi trabajo. Hablamos de paciencia, pero también podríamos llamarla constancia.
En fin, que se tiene paciencia, buena paciencia, con lo que se ama. Porque también está la mala paciencia, que es la de la gente encabronada que no tiene más remedio que hacer algo que no quiere pero que no puede dejar de hacer. No estamos hablando de ese tipo de paciencia, si no con la que entronca con algo positivo, con algo que tú deseas seguir haciendo. Todos necesitamos la paciencia, una manera de paciencia, para hacer casi cualquier trabajo, ya sea el cocinero, el investigador, el pintor…
(En un tono quedo, reposado pero firme, va dejando en el aire palabras y pensamientos. Deja abiertas las frases, como si esperase que quien tiene enfrente asienta, complemente, digiera… Con esa sencillez crece a su lado y desde la profundidad de sus reflexiones, –una profundidad en absoluto afectada–, una conversación, un discurso, en el que nada o casi nada tiene desperdicio.)
Muchos artistas comienzan siendo figurativos y derivan hacia la abstracción. ¿Ha hecho Antonio López premeditadamente el camino inverso?
En general y por lo que yo conozco se suele comenzar en la figuración. Aunque quizá en este momento puedes iniciarte directamente en la abstracción, pero eso no quiere decir que no acabes en la figuración. La abstracción está en todo y la figuración también. Las emociones tienen un componente inexplicable que puede relacionarse con lo abstracto. En la pintura, y en la mía también, hay una dosis fuerte de abstracción, como la hay en la música y en la literatura. Tiene que haberla. Después, esa abstracción toma formas muy distintas.
¿Qué música escucha?
La que va surgiendo en los distintos momentos. Como toda mi generación he oído mucha música. Muchísima. Años y años oyendo música y muy variada. Pero hace tiempo ya que de un modo paulatino fui buscando y deseando el silencio. Hoy prefiero el silencio al sonido, lo que no quiere decir que renuncie a escuchar música. Sigo haciéndolo de cuando en cuando y en momentos determinados, emocionándome mucho con ella. La oigo pero no en las dosis casi excesivas de antes. En el estudio oía y oía y oía y acaso he acabado un poco saturado. Hoy valoro mucho el silencio.
¿Escribe? ¿Le gusta escribir?
Escribo de una manera ocasional y casi cuando no me queda más remedio, pero me cuesta mucho. Me parece muy difícil. No he desarrollado esa forma de expresión y esa posibilidad.
Sin embargo, se confiesa usted buen lector. ¿Qué libros lee en la actualidad?
La verdad es que he leído mucho y me sigue gustando leer. Necesito leer y, de hecho, lo hago todos los días. Tengo muchísimos libros por todas partes. Leo algunas cosas nuevas y releo mucho. Estos días he estado releyendo un libro de un crítico de arte ya desaparecido al que hace mucho tiempo le regalé un cuadro y él me regaló un libro dedicado. Hace poco, mirando en los libros, me encontré este Cuando llueve la tierra de José María Jove, un escritor y crítico de arte que publicaba en Ateneo, aquella revista de tanto prestigio, un libro publicado en 1953. También he estado en estos días conEl Jarama, una obra que me gusta mucho y suelo releer de vez en cuando. Leo varias cosas a la vez y también he estado últimamente con una obra de García Márquez y, durante una temporada larga, he releído Guerra y Paz, de Tolstoi, y Fortunata y Jacinta. En fin, siempre tengo libros entre las manos. Siempre leo.
¿Qué pintura ve?
No me ha pasado lo que con la música porque nunca me cansa ver pintura. Ni ver escultura o arquitectura. Sigo todo ello con enorme interés y sin cansancio alguno. No me satura en absoluto. Veo lo que va surgiendo. A veces estás lejos de lo que te gustaría ver en directo y por eso vas viendo aquello que puedes porque yo viajo poco. Me cuesta viajar. Me interesan, claro, pintores como Velázquez o Vermeer, pero muy especialmente el arte antiguo, el arte de la Roma de hace dos mil años. Todo ese arte clásico es una inmensidad maravillosa. También hay que tener en cuenta, por encima de los grandes como Velázquez que evidentemente te llenan, que en el concurso más humilde o en el sitio más inesperado puedes encontrarte con algo que te emociona. Soy un espectador muy dúctil. No tengo un programa o un esquema de lo que me gusta y lo que no. En pintura, lo que me emociona puede surgir en cualquier lugar y en cualquier lenguaje.
El arte del siglo XX me parece que es una fuente de placer y de hallazgos única en la historia de la humanidad. Un fenómeno así se ha producido en muy pocos momentos.
Habla usted de las emociones y de su emoción. ¿Llora ante el arte?
Soy muy poco llorón. Oyes hablar de gente que se emociona tanto que llega a llorar ante una obra de arte. La verdad es que yo no llego a tanto y eso que la emoción y lo que el arte me conmueve es mucho. Me produce verdadero embeleso y mucha fascinación. Además, noto que es algo que no se gasta con los años. Me sigo emocionando igual que hace cuarenta o cincuenta años, pero no llego a la lágrima. A la lágrima, no.
Habitualmente trabaja en varias obras al tiempo…
Sí, siempre trabajo en varias cosas a la vez. Esculpo, pinto y dibujo y poco a poco van saliendo los tres lenguajes y las obras acaban por completarse.
¿Se ha centrado en los últimos tiempos más en la escultura?
No. Acaso se puede tener esa percepción porque las últimas cosas entregadas han sido esculturas, y grandes, para ser ubicadas en el exterior, y eso hace que tengan una visualización que puede no tener, en primera instancia, la pintura o el dibujo que se producen en un ámbito más privado.
¿Cómo va su esperado retrato de los Reyes?
Yo querría poder mostrarlo en la exposición que tendrá lugar el próximo junio en el Museo Thyssen. Es obvio que para eso necesito acabarlo antes de que la exposición arranque.
Me resulta difícil hacer afirmaciones contundentes pues hace falta que el trabajo y la pintura se vayan desarrollando. Voy trabajando en esa obra y a veces dejo de hacerlo para después retomarla. Ahora he traído el cuadro a casa y estoy buscando un lugar para él, porque el estudio está tan lleno de cosas que necesito vaciarlo y llevar parte de lo que tengo allí a otro sitio para tener el espacio que el cuadro necesita. Un espacio más tranquilo que me permita trabajar lo más concentrado posible. Al cuadro le queda un tiempo todavía, pero me gustaría que para la exposición estuviera terminado y poder presentarlo. Quisiera trabajarlo únicamente atendiendo a la intención y al deseo de que quede lo mejor posible. Para eso hace falta una determinada forma de trabajo. Lo que pasa es que por ser el cuadro que es ha trascendido al exterior y eso aporta una situación peculiar. Hay obras en las que se tarda más, otras menos, otras que se detienen y no sigues… En el estudio pasan muchas cosas que nadie tiene por qué saber. En este caso hablamos de una obra que rebasa los límites de la privacidad que yo pueda tener. Es un encargo, y ya pagado, sobre el que todo el mundo te puede preguntar, pero no deja de ser un cuadro como otros que haya podido hacer y, como he dicho, ahí puede pasar de todo. Tengo obras que empecé y, por distintos motivos, nunca terminé. No es el caso de éste, pero necesito trabajar con mucha libertad. Tengo que hacerlo así. Pero esperemos que para las fechas de la exposición esté listo.
¿Es la obra la que dice que está terminada o es el artista el que decide que lo que había que hacer hecho está?
Hay un poco de todo. Es como una relación. A veces te dicen aquí ya no vuelvas y otras veces lo dices tú. En otras ocasiones las cosas se retoman, hay un descanso y vuelves a empezar o continúas lo que estaba iniciado. La relación con la obra es variable y cambiante, como lo son las relaciones entre las personas.
¿Le duele desprenderse de sus obras?
No. Nada de nada. Al contrario, me produce una gran satisfacción. Este trabajo lo haces para que los demás lo vean y lo disfruten. Así te realizas como artista. No hablamos de un acto solitario que acaba en ti y en tu propia satisfacción. Yo no lo siento así. Todo el arte admirable de todas las épocas se ha hecho para los demás. Desde la concepción personal, pero para los demás. Cuando los demás no lo acogen, como en el caso de Van Gogh, por ejemplo, el artista se desespera.
¿Es usted consciente de que Antonio López es muy popular. Muy conocido en la calle. Le incomoda o le molesta la fama que le acompaña?
No, no me molesta. Aunque habría que matizar esto porque yo, siendo consciente de que hay bastante gente que me conoce, no soy un personaje de fama a nivel popular. Pero no me molesta esa repercusión porque no la he buscado. Cuando yo salgo a la calle a pintar y me voy al espacio común de todos para hacer un trabajo lo hago porque lo elijo. Intento hacer las cosas como a mí me gustan. Tengo la suerte de poder hacerlo.
La infancia parece estar siempre en su vida y en su obra, ¿lo siente así?
Es verdad. Para mí todos aquellos años supusieron un tesoro. Fue algo irrepetible y muy, muy bueno, que para mí ha tenido sus buenas consecuencias hasta ahora, hasta la actualidad. A pesar de las partes oscuras, que las hay en todas las vidas, en todos los hombres, y que también las hubo en mi caso, el balance es extraordinario y ha pesado siempre sobre mí. Eso supongo que de alguna forma se refleja en mi obra. La infancia pesa en la vida del hombre, de los hombres, y condiciona muchas cosas.
¿Qué le parece el mundo en el que vivimos hoy?
Me gusta el mundo. Me gusta la vida aunque a veces las personas me cansan mucho. La gente me cansa, sobre todo las personas que nos dirigen porque hay muchas veces que no lo hacen nada bien. Quienes nos dirigen deberían ser los mejores, que los hay entre los hombres, pero desgraciadamente no es así. No son los mejores y eso hace que este mundo no sea lo bueno, en todos los aspectos, que podría ser.
Considero que sería muy importante que los políticos que nos gobiernan y que gobiernan el mundo fueran mejores.
¿Cómo le gustaría ser recordado?
No puede imaginarse a qué distancia estoy de ese pensamiento. A tanta distancia que aunque ponga voluntad no soy capaz de plantearme cómo quiero ser recordado. Sería un farsante si empezase con ese juego. Saldría una farsa porque ni pienso ni siento el futuro. Vivo, y con toda la intensidad posible, el presente.
Sigue dirigiendo talleres de arte. ¿Hay algún artista joven que le interese especialmente?
Bueno, a los talleres no sólo va gente joven. Este año en un taller en Albacete participaba un pintor que no tenía mucha menos edad que yo. Eso me gusta porque la gente mayor le da mayor dimensión a esos talleres.
Hay mucha gente con muchas posibilidades. Gente que, en principio, parecía que no iban a resultar y luego nos sorprenden y cuajan. También hay muchos otros que, por muy distintos motivos, se quedan en el camino. A veces la sociedad es desatenta, la lucha es dura y existen otra serie de adversidades que pueden condicionar de un modo definitivo. Pero en los talleres y fuera de ellos hay gente con mucho potencial. Algunos llegar a hacer cosas y, como digo, otros no porque se cansan, se debilitan y pasan como esas vidas que se diluyen y desaparecen sin merecerlo y sin que nos demos cuenta.

¿Podría evitarse esa sangría?
Para que eso no sucediera sería clave que la gente, esa gente, pudiera vivir de otro modo. Porque el arte sale de la vida. Si la vida fracasa el arte fracasa. Hay una forma de fracaso que pasa al arte, pero no todo puede pasar al arte.
Habría que renovar las cosas importantes. Como he dicho, renovar nuestros guías, quienes nos dirigen. Por otra parte, el mundo del dinero está acogotando la sociedad. Está creando unas ciudades difíciles.
Hay que considerar que el arte tampoco tiene tanta importancia. Hay muchas otras que arreglar antes que el arte porque, en definitiva, el arte siempre se va a salvar. Porque de la basura puede salir el arte. Eso se ha demostrado muchas veces. De una sociedad corrupta puede salir un arte grandioso. Si yo tuviera esa responsabilidad, no me preocuparía del arte y trataría de solucionar otros aspectos más urgentes de la vida.
(La conversación acaba como empezó. Con el talante y el tono de alguien impregnado de la sencillez, la humildad y la sabiduría de los grandes. De los más grandes, porque al preguntarle por su interés por el mundo digital textualmente responde: “No puedo opinar porque es un mundo que desconozco. Como desconozco el inglés. Como desconozco casi todo. Tu vida trascurre en unos cauces y dentro de ese recorrido vas conociendo algunas cosas, pero todo lo demás lo ignoras”).

Alps

CINE
‘Alps’ es el nuevo trabajo del director griego Yorgos Lanthimos, que consiguió movernos violentamente con la impresionante Canino.
La describen como “atrevida, extraña, cautivadora y fascinante. Una de esas películas que no dejan indiferentes”.
Comentarios como “no es igual a nada de lo que hayas visto antes”, hacen confiar en que Lanthimos consigue con ‘Alps’ una nueva rareza estimulante.
Cuatro miembros de una empresa especializada en hacerse pasar por personas muertas, son contratados por familiares o amigos del difunto, acompañándolos en la primera fase del duelo. Una vez más, un argumento inquietante que desafía nuestra realidad social. Humor negro para un retrato irónico y perverso sobre la banalidad, la frustración vital y la insatisfacción humana.

¿Pagar por exponer o concursar?

VIVIR DEL ARTE

El excelente blog InsultARTE se presenta así: “Este blog es un muestrario de convocatorias, bases de festivales, y otras propuestas que de alguna forma nos resultan insultantes. Propuestas que se aprovechan de los creadores y productores, o que precarizan su situación como trabajadores. Ilegalidades, planteamientos obsoletos, detalles, jugadas sucias o intereses sospechosos. Un portal de denuncia de lo que a nosotros (gremio de agentes y productores culturales) nos parece insultante en el mundo del arte y la cultura”.

Creemos que este tipo de información es imprescindible para moverse dentro del “mundillo del arte”. Ya es de por sí difícil dedicarse a este oficio, como para que personas u organizaciones parasitarias intenten aprovecharse de nuestro trabajo.
Los ejemplos son variados: concursos que cobran una inscripción, organizaciones que no devuelven los dossiers o las obras y se los guardan como “archivo”, convocatorias absurdas en las que pagas por exponer, hasta casos tan exagerados como el de la empresa que se convierte en “propietaria de las fotos, videos, diseños o cualquier trabajo subido a su web, pudiendo en su caso y de acuerdo con la legislación vigente, registrarlo, adquiriendo sus derechos”.
Aquí encontraréis un espacio en donde informarnos sobre este tipo de prácticas. De paso, cuando os encontréis con propuestas de este tipo, hacédselas llegar a InsultARTe, para que esta red funcione mejor y nos ayudemos entre todos.
Vivir del Arte en Barcelona

Goya, Luces y Sombras en Barcelona

EXPOSICIONES

Caixa Forum Barcelona, del 16 de marzo al 24 de junio.

Formada por casi un centenar de obras, “Goya. Luces y sombras” ofrece un recorrido cronológico por la obra del genial maestro.
La exposición se presenta en Barcelona en el marco del acuerdo de colaboración entre la Obra Social “la Caixa” y el Museo Nacional del Prado, e incluye piezas tan destacadas y apreciadas por el público como La maja vestida, La sombrilla, Vuelo de brujas o Todavía aprendo.

Los distintos microrrelatos planteados reflejan la realidad social de la época en que vivió Goya, protagonizada tanto por la realeza y las clases privilegiadas como por los intelectuales, amigos del artista y el pueblo. Se evidencia, de este modo, la riqueza temática y la impresionante técnica de Goya, así como la simultaneidad de las composiciones de encargo y aquellas más libres y críticas, nacidas del propio deseo expresivo del artista.

Una parte importante de la exposición está centrada en mostrar el sorprendente dominio de las diferentes técnicas usadas por el pintor, que avanzaron el camino hacia la liberación moderna del arte. A lo largo del itinerario propuesto se van descubriendo los vínculos con artistas posteriores, tanto técnicamente como ideológicamente, un camino singular y propio que ha hecho de Goya “el primer artista moderno”.

¿DÓNDE ENCONTRAR INFORMACIÓN SOBRE CONCURSOS?

CONCURSOS DE ARTE

En ocasiones es difícil encontrar buena información sobre los concursos de arte, organizada por regiones, disciplinas, fechas, etc.

Iremos comentando qué sitios la presentan de manera ordenada para poder tener un calendario
anual ordenado.
Generalmente es recomendable tener varias direcciones de páginas web que se complementen,
ya que no aparecen todos los concursos en todas ellas.
El primer lugar es  www.arteymercado.com
Los concursos están presentados de acuerdo a las fechas, no a las disciplinas. Se centra en las convocatorias españolas.
La actualización no es permanente.

DELACROIX (1798-1863) en Barcelona

EXPOSICIONES

Caixa Forum, del 15 de febrero al 20 de mayo.

La exposición reúne más de cien obras del gran pintor francés Eugène Delacroix
(1798-1863), una de las figuras más destacadas del Romanticismo. Entre ellas,
algunos de sus óleos más conocidos, como Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi
(Museo de Bellas Artes, Burdeos), uno de los bocetos de Muerte de Sardanápalo
(Museo del Louvre, París) o Las mujeres de Argel en su aposento (Museo del Louvre, París),excepcionalmente prestada para la muestra.
Expo caixa Delacroix
Esta exposición, organizada conjuntamente por la Obra Social “la Caixa” y el Museo del
Louvre en el marco de un acuerdo de colaboración, es la más importante que se ha
organizado en España en torno a la figura de Delacroix. Cuenta con préstamos de
instituciones tan importantes como la National Gallery de Londres, el Metropolitan
Museum de Nueva York o el Art Institute de Chicago.
Se trata de un recorrido por las diferentes etapas de su producción, desde las
primeras obras, que buscan la inspiración en el museo, hasta la etapa de madurez,
en la que el artista extrae sus temas de la realidad, haciendo especial hincapié en sus
obras de historia así como las orientalistas, reunidas por primera vez desde 1963, cuando
el Museo del Louvre organizó una gran retrospectiva con motivo del centenario de su muerte.

Novedades en Espai Medusa

SEMINARIO DE ACUARELA + CONCURSO “CULINÀRIA” PARA EL CALENDARIO HAHNEMÜHLE 2013

No hace falta experiencia previa, ya que te guiaremos desde los primeros pasos hasta la realización y presentación de la obra.
Nuestro curso está estructurado en 2 partes:
Nivel I (Iniciación): Pensado para quienes siempre han tenido curiosidad por esta técnica tan fresca y espontánea. Partimos de cero.
Fecha: Sábados 5 y 12 de mayo, de 17 a 20 hs.
Nivel II: si has completado el Nivel I ó ya tienes una base técnica, te enseñamos distintos recursos expresivos y los aplicamos en una obra. A continuación, cada uno realizará la acuarela que presentará en el concurso “Culinària”.
Fecha: Sábados 2 y 9 de junio, de 17 a 20 hs.
Precios: 
Nivel I + Nivel II: 110 €
Nivel I: 60 €
Nivel II: 60 €
Todos los materiales están incluidos.
Grupo de 6 personas como máximo.
Muy buen ambiente.

¿PARA QUÉ ESTAMOS AQUÍ?

Nos interesan especialmente los temas que no se tocan nunca en las universidades y que son básicos para la existencia del arte: ¿se puede vivir del arte?, ¿cómo?, ¿cómo presento mi trabajo y dónde?, etc.

Estas claves no se nos enseñan, por lo que vamos aprendiendo de nuestros compañeros e improvisando a lo largo del camino. Muchas veces perdemos tiempo y energía por no saber cómo relacionar nuestra obra artística con el “mundo real”.

Las convocatorias para concursos son otro asunto importante, por lo que dedicaremos un espacio a hacerles llegar esta información.

Como parte de nuestra alimentación espiritual, contaremos con la recomendación de exposiciones y la presentación de artistas que aporten no solo una obra de calidad, sino además una visión de la vida que nos abra nuevas perspectivas.

Taller de arte barcelona Espai Medusa

El cine, la danza, la música, el teatro y la literatura son parte esencial de nuestra vida, por lo que les dedicaremos un lugar para su difusión y crítica.

Queremos también investigar en aquellas prácticas que pueden ayudarnos a mejorar nuestro trabajo, como la meditación u otros métodos que nos acerquen a nosotros mismos.

Los temas son muchísimos, y el enfoque será amplio: el arte en relación con el mundo material y con el espiritual.

Nuestro lenguaje será sencillo y directo, y nuestros posts, concretos y prácticos, sin por eso despreciar una visión más reflexiva.

Os animamos a intervenir y a hacer de este espacio, un foro de intercambio que nos ayude a todos a entender mejor, por qué, cómo y para qué nos dedicamos al arte.

El blog que estamos creando tiene el objetivo de aportar información interesante para los artistas visuales y los aficionados.